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Jacopo da Pontormo, Sepoltura, Cappella Capponi, Santa Felicitá, Firenze, 1525-1528 (foto Di Pontormo-Book scan (Manfred Wundram: Renaissance, S. 69, Köln: Verlag Taschen 2007, ISBN: 3-8228-5295-3 / ISBN 978-3-8228-5295-8), Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4303272)
Il Tardo Rinascimento, spesso chiamato anche il periodo manierista, è caratterizzato da opere d’arte che tipicamente hanno preso altre opere d’arte come modelli. Il loro soggetto principale era il corpo umano spesso allungato, esagerato, elegante e organizzato in pose contorte. Questo era lo stile dei tribunali, e molte delle opere contengono significati nascosti e giochi visivi, lo scopo di testare l’acume intellettuale degli spettatori. Molti degli artisti sia in Italia che nel Nord furono influenzati dall’intenso tumulto politico e militare, con 3 cose principali che causarono gran parte di questo tumulto: l’allargamento dell’impero di Carlo V e il sacco di Roma; la Riforma e l’emergere della Chiesa protestante; e la Controriforma cattolica e l’Inquisizione. Questo fu anche il punto più alto della cosiddetta “Età della scoperta” in Europa, dove le potenze europee iniziarono a colonizzare le Americhe e le aree dell’Africa e dell’Oceania.
Guardando l’affresco della Sepoltura di Jacopo da Pontormo sopra, c’è una sensazione molto diversa dalle opere dell’Alto Rinascimento. I colori sembrano acidi; le figure sono allungate e in pose contorte; e c’è un’emozione accresciuta nei volti delle figure (Pontormo includeva anche se stesso sul bordo destro del pezzo, indossando un cappello e guardando lo spettatore). Molte delle pose delle forme hanno molto poco senso razionale, in quanto questa è un’altra caratteristica di questo stile tardo rinascimentale. Le figure sono rimosse dalla razionalità delle forme dell’Alto Rinascimento e riflettono il senso di caos e terrore in Europa nel 16 ° secolo. Anche l’affresco attraverso la cappella dalla Sepoltura, l’Annunciazione, riflette questi cambiamenti, poiché sia Maria che l’angelo sembrano fluttuare nello spazio che dovrebbero abitare. La finestra che rompe la scena sembra aggiungere a questo senso di leggerezza.
Jacopo da Pontormo, Annunciazione, Cappella Capponi, Santa Felicitá, Firenze, 1525-1528 (foto Di Pontormo-Web Gallery of Art: Informazioni immagine su opere d’arte, di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2152593)
Un altro artista influente di questo primo periodo fu Francesco Mazzola, meglio conosciuto come Parmigianino. Si dice che dipinse il suo autoritratto in uno specchio convesso per impressionare il Papa e ottenere commissioni da lui. In ogni caso questo lavoro mostra sia il talento del giovane artista, sia l’interesse per le distorsioni nel periodo tardo rinascimentale, poiché lo specchio convesso utilizzato da Parmigianino conferisce una qualità “a occhio di pesce” all’opera, distorcendo sia la sua forma, sia la stanza dietro di lui.
Parmigianino, Autoritratto in specchio convesso, 1524 (foto Parmigianino- – galleryix.ru (5. Agosto 2014), di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1332007)
Forse la sua opera più famosa è la Madonna con Bambino e angeli (Madonna del Collo lungo). Qui si vede davvero l’allungamento dello stile parmigianino, così come l’interesse per l’erotico in luoghi che possono essere un po ‘ inappropriati, poiché il corpo della Madonna è rivelato dalla tecnica del “panneggio bagnato” anziché essere nascosto dai suoi vestiti, e l’angelo sul davanti mostra un bel po ‘ di gamba. Lo sfondo è anche un po ‘ stridente e strano, con la figura di scorrimento nella parte posteriore, spesso letta come un profeta dell’Antico Testamento o una figura pagana, che potrebbe aggiungere un senso dell’annuncio della venuta di Gesù o la vittoria del Cristianesimo sul paganesimo, che sarebbe stato un riferimento, in questo periodo di battaglie tra Cattolicesimo e Protestantesimo. Lo sfondo del dipinto è incompiuto, e si pensa che ci sarebbe stata un’altra figura, forse un altro santo accanto al primo.
Parmigianino, Madonna con Bambino e Angeli (Madonna dal Collo Lungo), c. 1535 (foto Di Parmigianino-Sconosciuto, di pubblico Dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1263067)
Agnolo Bronzino fu nominato artista di corte di Cosimo I de ‘ Medici, II duca di Firenze e primo Granduca di Toscana. Bronzino dipinse una serie di dipinti per la corte, tra cui uno dei più interessanti ed enigmatici del periodo, Venere, Cupido, Follia e Tempo (Allegoria della Lussuria; Esposizione del lusso). Questo è stato probabilmente dipinto come un dono per il re Francesco I di Francia, che era conosciuto come un amante di apprendimento, le donne, e la sessualità, e che può aver capito tutti i riferimenti del lavoro. Nel primo piano centrale dell’opera, Cupido e Venere condividono un bacio incestuoso, mentre un’altra piccola figura simile a Cupido sparge rose, il tradizionale simbolo di Venere (come la colomba ai piedi di Cupido). Dietro quella figura c’è una creatura con la testa di una ragazza, il corpo di un serpente e 2 mani sinistre, spesso interpretate come follia, ma che possono essere sia Piacere che Frode. In alto, un vecchio dall’aspetto arrabbiato con le ali, Il Tempo, tira indietro il sipario e rivela una figura con la testa rotta, che potrebbe essere Frode e Oblio. La figura urlante nella parte posteriore può essere Rabbia o Gelosia. Il significato complessivo è in discussione, ma l’opera è certamente una delle più interessanti del Tardo Rinascimento.
Agnolo Bronzino, Venere, Cupido, Follia e Tempo (Allegoria della lussuria, Esposizione del lusso), c. 1545 (foto Bronzino , via Wikimedia Commons)
Bronzino dipinse anche una serie di ritratti di corte, tra cui quello di Cosimo I e di sua moglie, Eleonora di Toledo. Questi enfatizzavano la ricchezza della corte, così come il potere del duca e di sua moglie. Ma contenevano anche alcune delle tipiche forme tardo rinascimentali appiattite, come le braccia e le mani del duca e della Duchessa. Il pittore sembrava più interessato alla fantasia della stoffa dell’abito di Eleonora e dell’armatura di Cosimo I.
Angola Bronzino, Eleonora di Toledo e il figlio Don Giovanni, 1545-1546 e Cosimo I de’Medici, 1545 (foto Di Bronzino-The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148348 e Di Bronzino – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148346)
Questo cambiamento nella ritrattistica si applica anche a quelli dipinti da artisti la cui carriera ha attraversato sia il periodo alto e tardo rinascimento. Uno di questi era Tiziano, il pittore veneziano, e uno dei più ricercati artisti del 16 ° secolo. Se si confrontano i suoi ritratti di 2 Dogi, Niccolò Marcello e Andrea Gritti, si nota il passaggio, anche se solo in 4 anni, dalle linee nitide del ritratto di Marcello alle forme pittoriche di Gritti. Le forme più morbide del ritratto di Gritti sono più libere ed espressive, forse perché si tratta di un ritratto postumo. Inoltre, verso la metà del 16 ° secolo, il potere di Venezia stava calando a causa dello spostamento del focus del commercio verso l’Atlantico dal Mediterraneo.
Tiziano, Doge Niccolò Marcello, c. 1542 e Doge Andrea Gritti, 1546/1548 (foto Di Tiziano – Opera propria, 2006-08-02, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1025272 e Di Tiziano – Il progetto Yorck: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH. , Di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=159537)
Il Tardo Rinascimento produsse anche cambiamenti nell’arte del Nord, con artisti che spostarono la loro attenzione su scene di genere e temi che si adattavano all’iconoclastia protestante, ma che si adattavano ancora al tono moralizzante della precedente arte del Nord. Forse il più interessante di questi artisti era Pieter Bruegel il Vecchio, che proveniva da una famiglia di artisti di Anversa nei Paesi Bassi del xvi e xvii secolo. Era molto interessato alle vedute panoramiche del mondo naturale e del paesaggio, che spesso contenevano immagini più piccole di proverbi o temi religiosi, come il Paesaggio con la caduta di Icaro. In questo pezzo, Bruegel mostra la caduta del mitico greco, ma questa è una parte molto piccola della scena, e sta accadendo accanto a una caravella, una nave del 16 ° secolo utilizzata per navigare attraverso gli oceani. All’interno del resto del paesaggio settentrionale, le persone stanno allevando pecore o coltivando i campi utilizzando l’ultima tecnologia del 16 ° secolo. Una delle parti più interessanti di questo pezzo è il fatto che nessuna delle persone in scena sta prestando attenzione alla caduta di Icaro, che può essere interpretata come un commento sulle realtà del nuovo mondo globalizzato in cui Bruegel ha vissuto. Alcune delle sue altre opere commentavano la nuova Riforma protestante e i suoi effetti sull’Europa, come La Torre di Babele. Qui, gli operai stanno costruendo la torre titolare nel mezzo di un paesaggio settentrionale del 16 ° secolo. Le figure in primo piano a sinistra rappresentano Nabucodonosor, la sua corte, e gli operai, ma sono anche vestiti in abiti contemporanei a Bruegel. Il suo messaggio qui riguarda gli effetti della Riforma, le guerre di religione e le divisioni in Europa a causa degli sconvolgimenti religiosi. La storia dell’Antico Testamento è stata aggiornata per avere un significato del 16 ° secolo. Proverbi olandesi ha un significato simile, ma con oltre 100 proverbi del tempo raffigurato sul dipinto, tra cui l’uomo sbattere la testa sul muro in basso a sinistra; le torte sul tetto (“Non puoi piastrellare un tetto con le torte”); e l’uomo che cerca di raggiungere 2 pagnotte di pane sul tavolo (“Living loaf to loaf “o”paycheck to paycheck”).
Pieter Bruegel il Vecchio, Paesaggio con la caduta di Icaro, c. 1554-1555 e La Torre di Babele, 1563 (foto Di Pieter Brueghel il Vecchio (1526/1530–1569) – 1., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11974918 e Di Pieter Brueghel il Vecchio – 1526/1530-1569)-Levels adjusted from File:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Vienna)_ – _Google_Art_Project.jpg, originariamente da Google Art Project. E di pubblico Dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22179117)
Pieter Bruegel il vecchio, Proverbi olandesi, 1559 (foto di Pieter Brueghel il vecchio (1526/1530–1569) – WwG8mD89xbELbQ al Google Cultural Institute, il livello di zoom massimo, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13352840)
Bruegel è stato anche incaricato di fare 6 pannello di dipinti per un ricco mercante di Anversa, che sono stati gli studi di fatiche delle stagioni. Il ritorno dei cacciatori rappresenta l’inverno nel Nord, e le Mietitrici rappresenta le fatiche di inizio autunno. In entrambi, è possibile vedere il paesaggio nel nord, e le attività della gente nelle diverse stagioni, e in particolare qui i contadini. I paesaggi in ciascuno sono vasti e danno davvero un senso della vita quotidiana, del paesaggio e del lavoro nel 16 ° secolo. Ma questi sono anche paesaggi composti, che non rappresentano necessariamente le realtà dei paesaggi nei Paesi Bassi. Quello dei Cacciatori nella neve è molto alpino, forse rappresenta un paesaggio visto da Bruegel nel suo viaggio in Italia.
Pieter Bruegel il vecchio, Cacciatori nella Neve e le macchine per La raccolta, 1565 (foto di Pieter Brueghel il vecchio (1526/1530–1569) – WgFmzFNNN74nUg al Google Cultural Institute massimo livello di zoom, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22189570 e Da Pieter Brueghel il vecchio (1526/1530–1569) – Foto di Szilas al Metropolitan Museum of Arts, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1173842)
È anche nel 16 ° secolo che gli artisti di sesso femminile cominciare ad acquisire una voce e una presenza. Le donne erano ancora considerate solo in grado di dipingere ritratti; non erano ammessi nelle classi di disegno di figura; e sono stati considerati incapaci di creare grandi opere di storia. Giorgio Vasari, tuttavia, nella sua seconda versione delle Vite menzionò 1 artista femminile: la scultrice bolognese Properzia de’Rossi, che ricevette l’incarico di scolpire un rilievo della moglie di Giuseppe e Potifar sulla cattedrale. Vasari sosteneva che il disegno dell’opera riflettesse la vita di de’Rossi, ma che ciò sia vero è discutibile. Certamente, de’Rossi era uno scultore molto qualificato, noto per intagliare intricate opere su noccioli di pesca. La composizione della moglie di Giuseppe e Potifar è dinamica e riflette le tendenze del Tardo Rinascimento.
Properzia de’Rossi, moglie di Giuseppe e Potifar, c. 1520 (foto Di Properzia de’Rossi – http://www.wga.hu/html_m/r/rossi_p/joseph.html, Pubblico dominio, https://commons.wikimedia.ord/w/index.php?curid=45769802)
Altre artiste femminili divennero ricercate ritrattiste, con Sofonisba Anguissola che ottenne un posto come pittrice di corte di Filippo II di Spagna. Un confronto di uno dei suoi autoritratti con un autoritratto di Lavinia Fontana è un confronto di 2 donne istruite e di successo, che volevano mostrare le loro capacità e istruzione. Anguissola si raffigurava al cavalletto, maulstick in mano, dipingendo la Madonna con il Bambino, una dichiarazione che era capace di più che ritrattistica. Fontana si è mostrata nel suo studiolo, un braccio su un libro, circondata da sculture. Fontana, che ha anche guadagnato commissioni religiose, come la sua Sacra Famiglia con Santi, ha voluto ostentare le proprie capacità di artista. Marietta Robusti, figlia dell’artista Jacopo Robusti, meglio noto come Tintoretto, fu citata da Carlo Ridolfi nei suoi scritti, e fu una celebre artista a sé stante. Il suo autoritratto la mostra con un libretto di musica in mano davanti alla spinetta, un precursore del pianoforte, un modo per dichiarare le sue capacità artistiche e la sua formazione.
Sofonisba Anguissola, Autoritratto la Madonna, 1556 e Lavinia Fontana, Autoritratto nello Studiolo, 1579 (foto Di Sofonisba Anguissola-Opera selezionata 4 da Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Autoritratto: dal Rinascimento al Contemporaneo. ISBN 978-1855143579, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11870777 e Da Lavinia Fontana – http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=17709, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3176427)
Marietta Robusti, autoritratto Davanti alla Spinetta, c. 1580 (foto Da vedere nome di file o di categoria – http://ilpositivistaroseo.blogspot.it/2010/06/la-pittrice-marietta-robusti-detta-la.html, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24497939)
Scultura cambiato anche in questo periodo, con gli artisti che fanno uno sforzo per portare il dramma e il movimento di pittura nel loro lavoro. La maggior parte di queste sculture del Tardo Rinascimento non sono statiche, ma sono destinate ad essere viste da un certo numero di lati. Uno dei più famosi scultori e orafi del periodo, e uno con una vita incredibilmente colorata, fu Benvenuto Cellini, che scrisse anche un’autobiografia che fu pubblicata solo nel 1728. Egli è forse meglio conosciuto per la sua Saliera (Saliera di Francesco I), che riflette l’opulenza della vita di corte nel 16 ° secolo, e lo status di sale come un oggetto di lusso. Il sale era molto ricercato, e il commercio del sale era molto redditizio nel periodo, in quanto era il principale conservante prima della refrigerazione, anche se altre spezie, come il pepe, erano anche importanti per migliorare il gusto del cibo e coprire il cibo che era meno ben conservato. La saliera, realizzata in oro e parzialmente smaltata, raffigura Nettuno, con accanto una nave per il sale, e Tellus, la dea romana della Terra, con accanto un arco trionfale per il pepe, reclinabile in posizioni impossibili, con le gambe intrecciate a rappresentare l’interdipendenza tra terra e mare. Intorno alla base sono raffigurate immagini dei venti e dei tempi del giorno, immagini adatte alla corte umanista di Francesco I. Le figure sono basate su quelle di Michelangelo nella Sacrestia Nuova (Cappella Medicea) per San Lorenzo a Firenze. Sulle tombe di Giuliano di Lorenzo de’Medici e Lorenzo di Piero de’Medici sono raffigurate figure che rappresentano i tempi della giornata. Le figure di Cellini di Nettuno e Tellus provengono dalle figure di Michelangelo del tramonto e dell’alba sulla tomba di Lorenzo, che sono tecnicamente incompiute.
Benvenuto Cellini, Saliera (Saliera di Francesco I), terminata nel 1543, (foto Di Cstutz (Opera propria), via Wikimedia Commons)
Anche lo stile tardo di Michelangelo è radicalmente diverso dal suo lavoro precedente, come si può vedere guardando 2 delle sue Pietás successive. Uno, noto anche come La Deposizione, era presumibilmente destinato per la sua tomba, anche se è stato lasciato incompiuto. Qui vediamo Maria con il corpo di Cristo, sostenuta anche da Maria Maddalena e Giuseppe d’Arimatea (o Nicodemo). Si dice che quest’ultima figura sia un autoritratto di Michelangelo, ed è chiaro che la figura di Maddalena fu completata da qualcun altro. Si dice che Michelangelo abbia tentato di distruggere l’opera perché non era soddisfatto, ma i suoi assistenti di studio lo hanno convinto a consentire loro di recuperarla. La differenza tra questo e la sua precedente Pietá dell’Alto Rinascimento è evidente nel posizionamento delle figure e nell’emozione contenuta all’interno dell’opera. L’ultima Pietà da lui creata la Pietà Rondanini, rimasta incompleta alla sua morte, ha ancora più emozione della precedente, con figure molto allungate e strano posizionamento. L’opera, probabilmente a causa del suo stato incompiuto, si sente molto moderna.
Michelangelo, Pietá (La Deposizione), c. 1547-1553 e Pietà Rondanini, c. 1555-1564 (foto Di Sailko (Opera propria) , via Wikimedia Commons)
Anche la successiva architettura di Michelangelo sembra essere una reazione contro il classicismo razionale dell’Alto Rinascimento. Papa Clemente VII, uno dei papi medicei, gli commissionò la Biblioteca Laurenziana contemporaneamente alla Cappella Medicea e per lo stesso complesso di San Lorenzo, e lavorò a quei progetti dal 1524 al 1534, quando tornò a Roma. Michelangelo progettò uno spazio di ingresso radicale, con frontoni spezzati; colonne e staffe agganciate sotto di loro, entrambe con funzioni di supporto; e forse la prima scala autoportante della storia. La scala è una delle caratteristiche più suggestive dello spazio, in quanto la parte centrale sembra fuoriuscire dalla biblioteca stessa come liquido, anche se è tutto fatto nella stessa pietra serena della Cappella. Colpisce anche la biblioteca, con il caldo soffitto a cassettoni in legno che si abbina agli angoli di lettura. Qui, l’architettura è meno radicale e più rilassante, appropriata per una biblioteca. Le vetrate hanno sia i Medici e stemmi papali.
Michelangelo, Biblioteca Laurenziana, 1524-1559 (foto Di I, Sailko, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3810386)
Altri architetti erano anche radicali nel loro approccio allo spazio. Giulio Romano, già assistente di Raffaello, progettò il Palazzo del Tè a Mantova, su un’isola di fronte alla città principale. Questo era il luogo di piacere e le stalle dei cavalli del marchese, e Romano fu incaricato di completarlo in fretta in modo che l’imperatore, Carlo V, potesse essere ospitato per la cena. La facciata del cortile riflette alcuni della stessa ribellione della Biblioteca Laurenziana, con bugnato pesante, interruzioni nel flusso della trabeazione e il podio della struttura, e nicchie cieche e finestre. Probabilmente la parte più radicalmente tardo rinascimentale / manierista della struttura, però, è la Sala dei Gigante, destinata ad essere la sala da pranzo del Palazzo, piena di motivi vorticosi sul pavimento e un affresco pieno di movimento sul soffitto e sulle pareti che raffigura la battaglia degli dei dell’Olimpo e dei Titani. Qui, tutto è in movimento, e l’illusione ottica della Camera Picta nel palazzo ducale di Mantova, dipinta da Mantegna nel 15 ° secolo, è resa più radicale, più nitida, e l’umorismo è ora rimosso. In molti modi, l’affresco, sebbene un riferimento alla mitologia greco-romana, è anche un riferimento sia alla Riforma, sia alle battaglie tra cattolici e protestanti, sia alle battaglie tra Carlo V e Francesco I sull’Italia.
Giulio Roman, Palazzo del Te, Mantova, 1525-1535 (foto Di Marcok – Opera autoprodotta di Marcok, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=625383)
Giulio Romano, Sala dei Gigante, la Caduta dei Giganti e La Divinità del Monte Olimpo, il Palazzo del Te, Mantova, 1530-1532 (foto Giulio Romano, Palazzo del Te, Mantova, 1525-1535 (foto di Giulio Romano – http://www.wga.hu/art/g/giulio/gigant.jpg, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3664070 e Giulio Romano , via Wikimedia Commons)
Il più importante architetto del Tardo Rinascimento a Venezia è stato Andrea Palladio, noto per il suo paese, palazzo disegni prima fu nominato architetto capo della Repubblica di Venezia. Ha anche scritto un libro che è rimasto importante fino ai primi anni del 19 ° secolo, I quattro libri di architettura, che ha ampliato e aggiornato gli scritti di Vitruvio. Uno dei suoi edifici più influenti fu la Villa Rotonda a Vicenza, fuori Venezia, costruita per un sacerdote, Paolo Almerico, dopo il suo ritiro dal Vaticano. La villa ha una vista di tutto il sito dalla sua cima, ed è stato progettato come un palazzo di piacere in contrasto con la casa principale di una fattoria. Il progetto dell’edificio ha una cupola centralizzata su una rotonda, con un portico con vista in ciascuna delle direzioni cardinali. I portici sono progettati come facciate classiche del tempio, e l’interno è riccamente opulento.
Andrea Palladio, Villa Rotonda, Vicenza, c. 1566-70 (foto Di Quinok-Opera propria, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35889390 e Di Hans A. Rosbach-Opera propria, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2438725)
Come architetto capo di Venezia, Palladio completò una serie di edifici pubblici in quella città. Uno dei più interessanti e importanti fu la ricostruzione di San Giorgio Maggiore, che iniziò nel 1565. Qui, le colonne impegnate della facciata si ergono su podi molto alti, e c’è un doppio frontone. L’effetto è quello di aggiungere altezza alla struttura, e un certo interesse visivo che corrisponde alla strana forma del transcetto della chiesa.
Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore, Venezia, iniziato 1565 (foto di Andrea Palladio [CC BY-SA 4.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)%5D, via Wikimedia Commons)
Alcuni dei cambiamenti più radicali all’arte e all’architettura nelle aree dominate dai cattolici d’Europa fu la Controriforma. La Chiesa cattolica ha preso un po ‘ di tempo per riprendersi dalla riforma, e formare un coeso contro attacco alle rivendicazioni protestanti. Dal 1545 al 1563, il Concilio di Trento si riunì nel Nord Italia, e si riunì a intermittenza in quel periodo. Il Concilio fece alcune cose, ma la più importante per la Chiesa fu che denunciò il luteranesimo e riaffermò la dottrina cattolica. Il suo scopo dichiarato era quello di migliorare l’istruzione dei sacerdoti e riaffermare l’autorità papale di là Italia; stabilire una Inquisizione a Roma, concedere il potere di censurare opere d’arte, scritti, e creare un Bandito una lista di libri (questo sarebbe un grande impatto su Galileo Galilei); ribadisce che l’arte dovrebbe essere didattica, eticamente corretto, dignitoso ed accurato; parallelismo tra il Vecchio e il Nuovo Testamento, gli eventi sono stati di essere sottolineato; l’arte dovrebbe fare appello alle emozioni, piuttosto che la ragione. Questi obiettivi avrebbero impatti immediati sull’arte e la cultura in Italia, e toccherebbero anche la separazione della Chiesa cattolica e della scienza, una separazione che si sente ancora oggi.
Un confronto di 2 dipinti dell’Ultima Cena provenienti da Venezia mostra l’impatto del Concilio di Trento e della rinnovata Inquisizione. Uno, dipinto da Paolo Veronese come una commissione per il convento di San Giovanni e Paolo, è alcuni 18 ft x 42 ft. Su questa tela, Veronese dipinse un paesaggio urbano veneziano, con una loggia nella parte anteriore. Al centro della loggia c’è l’immagine dell’Ultima Cena, e intorno ad essa ci sono ubriachi, mendicanti, buffoni, nani, un cane che raccoglie le pulci e (peggio di tutto!) soldati vestiti in tedesco (ricordate la riforma è iniziata in Germania) armatura. Veronese fu chiamato prima dell’Inquisizione nel 1573, e fu interrogato sul motivo per cui incluse tutte le figure estranee nella scena. La sua risposta fu che la tela era grande, e aveva una licenza artistica, ma gli Inquisitori non erano d’accordo, dandogli 3 mesi per cambiare il dipinto. Quindi, Veronese cambiò il nome del pezzo in Festa nella Casa di Levi, e, poiché Levi era, secondo la Bibbia, un esattore di tasse, avendo tutti i peccatori lì era ora accettabile. Questo è in contrasto con l’Ultima Cena di Jacopo Tintoretto, dipinta per la chiesa di San Giorgio Maggiore. Qui, la scena si svolge in una stanza buia, con angeli fumosi in testa, e alcuni servi (niente di così radicale come Veronese). Le figure di Gesù e degli apostoli hanno aloni, e Gesù è in realtà racchiuso in luce come egli mette in scena il primo sacramento dell’Eucaristia nel bel mezzo della Cena, in parte fatto come un mezzo per contrastare il declassamento protestante di quel sacramento. Giuda è stato tranquillamente spostato di nuovo al lato opposto del tavolo, e l’intero pezzo ha una sensazione molto diversa da quella di da Vinci dalla fine del 15 ° secolo. Qui, l’enfasi è meno sulla ragione che sull’emozione e sulla fede.
Paolo Veronese, Ultima Cena, ribattezzata Festa in Casa di Levi, 1573 e Jacopo Tintoretto, Ultima Cena, 1592-1594 (foto Di Paolo Veronese – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH., di pubblico Dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=160026 e Di Tintoretto-Web Gallery of Art: Informazioni immagine su opere d’arte, di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15542295)
Un lavoro di Michelangelo è stato anche alla fine messo in discussione dall’Inquisizione, anche se il problema è stato risolto con un pittore noto alla storia come il pittore Britches coprire i nudi. Questo era il suo Giudizio Universale, dipinto sulla parete dell’altare del soffitto Sistino. Ecco un vero e proprio tour de force della pittura tardo rinascimentale, con una scena vorticosa di santi attivi e figure. Cristo è al centro, quasi nudo e attivo, con intorno gli apostoli e i santi. In basso, alla sua destra, i morti stanno risorgendo dalla tomba, e alla sua sinistra, Caronte sta traghettando i dannati sul fiume Stige verso l’Inferno. Non si vede molto di questo Inferno, a parte le fiamme, ed è interessante che Michelangelo abbia scelto di includere la mitologia greco-romana nella scena. Uno dei passaggi più interessanti del lavoro è l’immagine di San Bartolomeo, alla sinistra di Gesù, che tiene il suo strumento del martirio, il coltello, e la sua pelle scorticata in testa. Questa pelle è un autoritratto dell’artista stesso, che parla della mentalità di un artista che stava invecchiando, era devotamente cattolico, gay e aveva assistito a molte guerre e sconvolgimenti nella sua vita e carriera.
Michelangelo, Giudizio universale, 1534-41 (foto Di Michelangelo-Vedi sotto., Di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=16143987 e Di Michelangelo-Web Gallery of Art: Immagine Informazioni su opere d’arte e di Pubblico Dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11426515)
Uno degli artisti che ha davvero catturato il misticismo e l’ortodossia della controriforma stile in arte era Domenikos Theotokopoulos, meglio conosciuto come El Greco, che è nato sull’isola di Creta, ma, dopo una breve esperienza in Italia, ha trascorso gran parte della sua carriera in Spagna, principalmente Toledo. Il suo lavoro si concentrò sulla natura mistica del cattolicesimo spagnolo, con particolare attenzione al miracoloso, ei suoi dipinti erano spesso pieni di strani colori e figure allungate. Anche i suoi paesaggi sembrano muoversi e pulsare. Una delle sue opere più famose è la Sepoltura del conte Orgaz, che mostra la sepoltura del pio Conte eseguita da un certo numero di padri della città e figure della chiesa di Toledo, tra cui Sant’Agostino e Santo Stefano, in quanto vi erano, secondo la leggenda, una serie di circostanze misteriose a questa sepoltura (il conte morì nel 1323). Sopra la scena della sepoltura, l’anima del Conte implora l’ingresso in Cielo con l’intercessione della Vergine Maria. C’è molto poco che lega le 2 scene insieme, a parte il colore giallo. Il ritratto di El Greco del cardinale Guevera, il principale Inquisitore in Spagna, perde un po ‘ di misticismo, ma acquista un aspetto psicologico interessante. Qui il Cardinale siede nelle sue vesti di seta innaffiate, con una mano stretta sul braccio della sua sedia e un misterioso pezzo di carta ai suoi piedi. Il Cardinale sembra guardare di traverso lo spettatore, come se fosse impegnato in alcuni dei suoi doveri di Inquisitore capo.
El Greco, La Sepoltura del Conte di Orgaz, 1586-1588 (foto di El Greco – lavoro, di Dominio Pubblico, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38746498)
El Greco, Ritratto del Cardinale Fernando Niño de Guevera, 1600 (foto di El Greco – Il Progetto Yorck: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuito da DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Di pubblico dominio, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=152204)
In questo periodo ci sono stati anche cambiamenti nell’architettura, come il progetto della chiesa del Gesù a Roma di Giacomo da Vignola. Questa era la chiesa madre dell’ordine dei Gesuiti, un nuovo ordine di frati militanti formato dalla Controriforma che prendeva voti di castità, obbedienza, povertà e un voto specifico di obbedienza al Papa. Questi sacerdoti avrebbero continuato ad essere gli educatori della Chiesa cattolica. Il Gesù fu pagato dal cardinale Alessandro Farnese, che spiega l’iscrizione sul fronte, ma è altrimenti una versione semplificata di molte delle precedenti chiese rinascimentali. Ci sono i riferimenti alla Trinità, e la pianta ha un’ampia navata con cappelle laterali senza navate laterali. L’interno fu rifinito in uno stile barocco più elaborato di quanto originariamente previsto, ma le semplificazioni della chiesa riflettono le dichiarazioni del Concilio di Trento.
Giacomo da Vignola, Il Gesù, Roma, c. 1575-1584, facciata e pianta (foto Di I, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2449146)
Il Tardo Rinascimento fu un periodo di grandi sconvolgimenti politici, religiosi e artistici. In molti modi, questo periodo pone le basi per il barocco tanto quanto continua le innovazioni dell’Alto Rinascimento. Anche gli artisti di questo periodo reagivano e, in molti modi, rifiutavano la razionalità dell’Alto Rinascimento.