Senrenessansen I Italia Og Nord

Jacopo Da Pontormo, Gravkammer, Capponi Kapell, Santa Felicitá, Firenze, 1525-1528 (foto Av Pontormo-bokskanning (Manfred Wundram: Renessanse, S. 69, Kö: Verlag Taschen 2007, ISBN: 3-8228-5295-3 / ISBN 978-3-8228-5295-8), Offentlig Eiendom, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4303272)

Senrenessansen, ofte også kalt Manieristen, perioden, er preget av kunstverk som vanligvis tok andre kunstverk som modeller. Deres primære emne var menneskekroppen ofte langstrakt, overdrevet, elegant, og arrangert i vridd positurer. Dette var stilen til domstolene, og mange av verkene inneholder skjulte betydninger og visuelle spill, ment å teste den intellektuelle skikkelsen til seerne. Mange av kunstnerne i Både Italia og Nord ble påvirket av den intense politiske og militære uroen, med 3 viktigste tingene som forårsaker mye av denne uroen: Charles Vs utvide imperium og herjingen Av Roma; Reformasjonen og fremveksten Av Den Protestantiske Kirken; Og Den Katolske Motreformasjonen og Inkvisisjonen. Dette var også høydepunktet for Den såkalte «Age Of Discovery» I Europa, hvor De Europeiske maktene begynte å kolonisere Amerika og områder I Afrika og Oseania også.

Når Man ser På Jacopo da Pontormos freske av Graven ovenfor, er det en helt annen følelse fra høyrenessansens verk. Fargene virker sure; figurene er langstrakte og i vridd positurer; og det er økt følelser i ansiktene til figurene (Pontormo også inkludert seg selv på høyre kant av stykket, iført en lue og ser ut på betrakteren). Mange av positurer av formene gjør svært lite rasjonell forstand, som det er et annet trekk ved Denne Senrenessansestil. Tallene er fjernet fra rasjonaliteten Til Høyrenessanseformer, og reflekterer følelsen av kaos og frykt I Europa i Det 16.århundre. Fresken over kapellet fra Graven, Bebudelsen, gjenspeiler også disse endringene, som Både Maria og engelen synes å flyte i rommet som de er ment å være bebor. Vinduet som bryter opp scenen ser ut til å legge til denne følelsen av vektløshet.

Jacopo Da Pontormo, Annunciation, Capponi Kapell, Santa Felicitá, Firenze, 1525-1528 (bilde Av Pontormo – Web Gallery Of Art: Bilde Info om kunstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2152593)

En annen innflytelsesrik kunstner fra denne tidlige perioden var Francesco Mazzola, bedre kjent Som Parmigianino. Det sies at han malte Sitt Selvportrett i Et Konveks Speil for å imponere Paven og få oppdrag fra Ham. I alle fall viser dette arbeidet både talentet til den unge kunstneren og interessen for forvrengninger I Senrenessansen, da det konvekse speilet som Brukes Av Parmigianino gir en» fiskøye » kvalitet til arbeidet, forvrenger både hans form og rommet bak ham.

Parmigianino, Selvportrett I Et Konveks Speil, 1524 (foto Av Parmigianino – -galleryix.ru (5. August. 2014), Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1332007)

Kanskje hans mest kjente verk Er Madonna Og Barnet Med Engler (Madonna Of The Long Neck). Her ser du virkelig forlengelsen Av Parmigianinos stil, samt interessen for det erotiske på steder som kan være litt upassende, Da Madonnas kropp er avslørt av» våt draperi » – teknikken i motsetning til å være skjult av klærne, og engelen på forsiden viser ganske mye ben. Bakgrunnen er også litt rystende og merkelig, med figuren med rullen i ryggen, ofte lest som Enten En Gammeltestamentlig profet eller en hedensk figur, som enten kunne legge til en mening om forutsetningen Om Jesu komme eller Kristendommens seier over hedenskap, som ville ha vært en referanse i denne perioden til kampene mellom Katolisismen og Protestantismen. Bakgrunnen til maleriet er uferdig, og det antas at det ville ha vært en annen figur, muligens en annen helgen ved siden av den første.

Parmigianino, Madonna og Barn med Engler (Madonna Med Lang Hals), ca. 1535 (foto Av Parmigianino-Ukjent, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1263067)

Agnolo Bronzino ble utnevnt til hoffkunstner For Cosimo i De ‘ Medici, Den andre Hertugen Av Firenze, og første Storhertug Av Toscana. Bronzino malte en rekke malerier for hoffet, inkludert en av de mest interessante og gåtefulle i perioden, Venus, Cupid, Dårskap, Og Tid (Allegori Av Begjær; Eksponering Av Luksus). Dette ble trolig malt Som en gave Til Kong Frans I Av Frankrike, som var kjent som en elsker av læring, kvinner, og seksualitet, og som kan ha forstått alle referanser til arbeidet. I midten av forgrunnen deler Cupid og Venus et incestuøst kyss, mens en annen liten, cupidlignende figur sprer roser, det tradisjonelle symbolet På Venus (som duen ved Cupids føtter). Bak denne figuren er en skapning med hodet av en jente, kroppen av en slange, og 2 venstre hånd, ofte tolket som dårskap, men som kan være Både Glede og Svindel. På toppen trekker en sint gammel mann med vinger, Tid tilbake gardinen, og avslører en figur med et knust hode, som kan Være Svindel og Glemsel. Den skrikende figuren i ryggen kan Være Sinne eller Sjalusi. Den generelle betydningen er oppe for debatt, men arbeidet er absolutt en Av De mest interessante Av Senrenessanseperioden.

Agnolo Bronzino, Venus, Cupid, Dårskap og Tid (Allegori Om Lyst, Eksponering Av Luksus), ca. 1545 (foto Bronzino , Via Wikimedia Commons)

Bronzino malte også en rekke hoffportretter, blant Annet Av Cosimo I og hans kone Eleonora Av Toledo. Disse understreket rikdommen av retten, så vel som Kraften Til Hertugen og hans kone. Men de inneholdt også en del av Den typiske senrenessanseflattningen av former, som armene Og hendene Til Hertugen og Hertuginnen. Maleren virket mest interessert i mønsteret av kluten Av kjolen Til Eleonora og rustningen Til Cosimo I.

Angola Bronzino, Eleonora Av Toledo og Hennes Sønn Don Giovanni, 1545-1546 Og Cosimo i De ‘ Medici, 1545 (foto Av Bronzino-Yorck-Prosjektet: 10.000 Meisterwerke Der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuert AV DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148348 og Av Bronzino-The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke Der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuert AV DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148346)

dette skiftet i portretter gjelder også de som er malt av kunstnere som har en karriere som strakte seg over Både Høy-Og Senrenessanseperioder. En Av Disse Var Titian, Den Venetianske maleren, og en av de mest ettertraktede artister fra det 16.århundre. Hvis du sammenligner hans portretter av 2 Doger, Niccolò Marcello og Andrea Gritti, legg merke til skiftet, selv om det bare er over 4 år, fra de skarpe linjene I Marcellos portrett Til De maleriske formene Til Grittis. de mykere formene Av Grittis portrett er mer frie og uttrykksfulle, muligens fordi dette er et posthumt portrett. Også i midten av det 16. århundre var Kraften I Venezia avtagende på grunn av skiftet i fokus for handel Til Atlanterhavet fra Middelhavet.

1542 Og Doge Andrea Gritti, 1546/1548 (bilder Av Titian-Eget arbeid, 2006-08-02, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1025272 og Av Titian-Yorck-Prosjektet: 10.000 Meisterwerke Der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuert AV DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=159537)

Senrenessansen førte også til endringer i kunsten I Nord, med kunstnere som skiftet fokus til sjangerscener og temaer som ville passe Inn I Protestantisk ikonoklasme, men ville fortsatt passe inn i den moraliserende tonen i tidligere kunst I Nord. Kanskje Den mest interessante av disse kunstnerne Var Pieter Bruegel Den Eldre, som kom fra en familie av kunstnere I Antwerpen I Nederland fra det 16.og 17. århundre. Han var svært interessert i panoramautsikt over den naturlige verden og landskapet, som ofte inneholdt mindre bilder av ordsprog eller religiøse temaer, Som Landskap med Ikaros Fall. I dette stykket Viser Bruegel fallet til den mytiske greske, men dette er en veldig liten del av scenen, og skjer ved siden av en caravel, et 16.århundre skip som brukes til å seile over havene. I resten Av Det Nordlige landskapet gjeter folk sauer eller dyrker markene ved hjelp av den nyeste teknologien fra det 16. århundre. En av de mest interessante delene av dette stykket er det faktum at Ingen av menneskene i scenen tar hensyn til Icarus fall, som kan tolkes som en kommentar til realitetene I Den nye globaliserte verden Der Bruegel bodde. Noen av hans andre verker kommenterte Den Nye Protestantiske Reformasjonen, og dens virkninger På Europa, slik Som Babels Tårn. Her, arbeiderne bygger titulær tårnet i midten Av En Nord 16. århundre landskapet. Figurene i venstre forgrunn representerer Nebukadnesar, hans hoff, og arbeiderne, men De er også kledd i klær samtidig Til Bruegel. Hans budskap her handler om Virkningene Av Reformasjonen, religionskrigene og splittelsen I Europa på grunn av den religiøse omveltningen. Det Gamle Testamente historien har blitt oppdatert til å ha en 16. århundre betydning. Nederlandske Ordspråkene har en lignende betydning, men med over 100 ordspråk av tiden avbildet på maleriet, inkludert mannen banging hodet på veggen i nedre venstre; paiene på taket («Du kan ikke flis et tak med paier»); og mannen prøver å nå 2 brød på bordet («Levende brød til brød» eller «lønnsslipp til lønnsslipp»).

Pieter Bruegel Den Eldre, Landskap med Ikaros Fall, ca. 1554-1555 og Babels Tårn, 1563 (foto Av Pieter Brueghel Den Eldre (1526/1530–1569) – 1., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11974918 og Av Pieter Brueghel Den Eldre (1526/1530–1569) – Nivåer justert Fra Fil:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Wien)_-_Google_Art_Project.jpg, opprinnelig Fra Google Art Project. Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22179117)

Pieter Bruegel Den Eldre, Nederlandske Ordtak, 1559 (bilde Av Pieter Brueghel Den Eldre (1526/1530-1569) – WwG8mD89xbELbQ På Google Cultural Institute, zoom nivå maksimum, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13352840)

Bruegel fikk også i oppdrag å lage 6 panel malerier for en velstående kjøpmann I Antwerpen som var studier av arbeid av årstidene. Jegernes Retur representerer vinter I Nord, og Høsterne representerer arbeidet med tidlig høst. I begge, kan du se landskapet I Nord, og aktivitetene til folk i de ulike årstidene, og spesielt her bøndene. Landskapene i hver er store, og gir virkelig en følelse av dagligliv, landskap og arbeid i det 16. århundre. Men disse er også komponerte landskap, som ikke nødvendigvis representerer realitetene i landskap i Nederland. Det Av Jegere i Snøen er Veldig Alpint, kanskje representerer et landskap sett Av Bruegel på sin reise Til Italia.

Pieter Bruegel Den Eldre, Jegere I Snøen og Hogstmaskiner, 1565 (bilde Av Av Pieter Brueghel Den Eldre (1526/1530–1569) – Wgfmzfnn74nug På Google Cultural Institute maksimal zoomnivå, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22189570 og Av Pieter Brueghel Den Eldre (1526/1530-1569) – Bilde Av Szilas I Metropolitan Museum Of Arts, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1173842)

Det er også i det 16. århundre at kvinnelige kunstnere begynner å få en stemme og tilstedeværelse. Kvinner ble fortsatt ansett for å være bare i stand til å male portretter; ble ikke tillatt i figur tegning klasser; og ble ansett som ute av stand til å skape store historieverk. Giorgio Vasari, selv om, i sin andre versjon Av Lives nevnt 1 kvinnelig artist: skulptøren Fra Bologna, Properzia de ‘ Rossi, som fikk en kommisjon for å forme et relieff Av Josef Og Potifar Kone på katedralen. Vasari hevdet at utformingen av arbeidet reflekterte de ‘ Rossis liv, men om det er sant er tvilsomt. Sikkert, de ‘ Rossi var en meget kvalifisert skulptør, kjent for carving intrikate verk på ferskengroper. Sammensetningen Av Josef Og Potifars Hustru er dynamisk og reflekterer tendensene I Senrenessansen.

Properzia de ‘Rossi, Joseph Og Potifars Kone, ca. 1520 (foto Av Properzia de’ Rossi – http://www.wga.hu/html_m/r/rossi_p/joseph.html, Public Domain, https://commons.wikimedia.ord/w/index.php?curid=45769802)

Andre kvinnelige kunstnere ble ettertraktede portrettister, Og Sofonisba Anguissola fikk en plass som hoffmaler For Filip II Av Spania. En sammenligning av en av hennes selvportretter Med Et Selvportrett Av Lavinia Fontana er en sammenligning av 2 utdannede, vellykkede kvinner, som ønsket å vise sine evner og utdanning. Anguissola avbildet seg selv på staffeli, maulstick i hånden, male Madonna Og Barnet, en erklæring om at hun var i stand til mer enn portretter. Fontana viste seg i hennes studiolo, en arm på en bok, omgitt av skulpturer. Fontana, som også fikk religiøse oppdrag, slik som Hennes Hellige Familie Med Helgener, ønsket å flaunt sine egne evner som kunstner. Marietta Robusti, datter Av kunstneren Jacopo Robusti, bedre kjent som Tintoretto, ble nevnt Av Carlo Ridolfi i sine skrifter, og var en feiret artist i sin egen rett. Hennes selvportrett viser henne med en musikkbok i hånden foran spinettaen, en forløper til pianoet, en måte å erklære hennes kunstneriske evner så vel som hennes utdannelse.

Sofonisba Anguissola, Selvportrett Maleri Madonna, 1556 Og Lavinia Fontana, Selvportrett I Studiolo, 1579 (bilder Av Sofonisba Anguissola – Utvalgt arbeid 4 Fra Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Selvportrett: Renessanse Til Moderne. ISBN 978-1855143579, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11870777 og Av Lavinia Fontana – http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=17709, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3176427)

Marietta Robusti, Selvportrett foran Spinetta, c. 1580 (bilde ved se filnavn eller kategori – http://ilpositivistaroseo.blogspot.it/2010/06/la-pittrice-marietta-robusti-detta-la.html, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24497939)

Skulptur også endret i denne perioden, med kunstnere gjør en innsats for å bringe drama og bevegelse av maleriet i sitt arbeid. De Fleste Av Disse Senrenessanseskulpturene er ikke statiske, men er ment å bli sett fra en rekke sider. En av de mest berømte skulptørene og gullsmedene i perioden, og en med et utrolig fargerikt liv, Var Benvenuto Cellini, som også skrev En selvbiografi som ikke ble publisert før 1728. Han er kanskje best kjent For Sin Saliera (Saltcellar Av Francis I), som gjenspeiler rikdommen i retten livet i det 16. århundre, og status for salt som en luksus element. Salt var svært ettertraktet, og salt handel var svært lukrativ i perioden, som det var den viktigste konserveringsmiddel før kjøling, selv om andre krydder, som pepper, var også viktig å både forbedre smaken av mat og dekke mat som var mindre godt bevart. Saltkjelleren, laget i gull og delvis emaljert, skildrer Neptun, med et skip for saltet ved siden av ham, Og Tellus, Den Romerske Jordgudinnen, med en triumfbue ved siden av henne for pepper, liggende i umulige stillinger, med ben sammenflettet for å representere den gjensidige avhengigheten av jord og hav. Rundt basen er bilder av vindene og tider på dagen, passende bilder for Den Humanistiske hoffet Til Francis I. tallene er basert På De Av Michelangelo I Det Nye Sacristiet (Medici-Kapellet) For San Lorenzo I Firenze. På gravene Til Guiliano Di Lorenzo De ‘Medici og Lorenzo di Piero de’ Medici er figurer som representerer tider på dagen. Cellinis figurer Av Neptun og Tellus kommer fra Michelangelos figurer Av Skumring og Daggry på Lorenzos grav, som teknisk sett er uferdige.

Benvenuto Cellini, Saliera (Saltcellar Av Francis I), ferdig 1543, (bilder Av Cstutz (Eget arbeid), via Wikimedia Commons)

Michelangelos sene stil er også radikalt forskjellig fra Hans tidligere arbeid, som kan ses ved å se på 2 av Hans senere Piet9. En, også kjent som Deponering, var angivelig ment for hans grav, selv om det ble forlatt uferdig. Her ser Vi Maria med kristi legeme, støttet også Av Maria Magdalena Og Josef Fra Arimatea (Eller Nikodemus). Sistnevnte figur sies Å Være Et Selvportrett Av Michelangelo, og Det er klart At Figuren Av Magdalena ble fullført av noen andre. Det sies At Michelangelo forsøkte å ødelegge verket fordi Han ikke var fornøyd, men atelierassistentene overbeviste Ham om å la dem redde det. Forskjellen mellom Denne Og Hans Tidligere Høyrenessanse Pietupuncture er tydelig i posisjoneringen av figurene og følelsene som finnes i verket. Den siste Pietá han opprettet Rondanini Pietà, venstre ufullstendig ved hans død, har enda mer følelser enn den tidligere, med svært langstrakte figurer og merkelig posisjonering. Arbeidet, sannsynligvis på grunn av sin uferdige tilstand, føles veldig moderne.

Michelangelo, Piet ④ (Avsetningen), ca. 1547-1553 og Rondanini Piet99, ca. 1555-1564 (foto Av Sailko (Eget verk) , via Wikimedia Commons)

Michelangelos senere arkitektur synes også å være en reaksjon mot Den rasjonelle klassisismen I Høyrenessansen. Pave Klemens VII, en Av Medici pavene, bestilt Laurentian Biblioteket fra ham samtidig Medici Kapell, og for samme kompleks Av San Lorenzo, og han jobbet på disse prosjektene fra 1524-1534, da han kom tilbake til Roma. Michelangelo designet et radikalt inngangsrom, med brutte pedimenter; engasjerte kolonner og braketter under dem, som begge har støttende funksjoner; og muligens den første frittstående trappen i historien. Trappen er en av de mest slående funksjonene i rommet, da den sentrale delen ser ut til å spyle ned fra biblioteket selv som væske, selv om det er gjort i samme pietra serena I Kapellet. Biblioteket er også slående, med det varme hvelvede tretaket som passer til lesekrokene. Her er arkitekturen mindre radikal, og mer beroligende, egnet for et bibliotek. Glassmaleriene har Både Medici og Pavelige våpenskjold.

Michelangelo, Laurentian Library, 1524-1559 (bilder av jeg, Sailko, CC by 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3810386)

andre arkitekter var også radikale i deres tilnærming til rommet. Giulio Romano, en gang et studio assistent Til Raphael, designet Palazzo del Tè I Mantua, på en øy over fra hovedbyen. Dette var glede sted og hest stall Av Marquis, Og Romano fikk i oppdrag å fullføre det i en hast, slik at keiseren, Charles V, kunne være vert for middag. Den faç av gårdsplassen reflekterer noe av det samme opprøret Som Laurentian Library, med tung rustication, brudd i strømmen av entablature og podium av strukturen, og blinde nisjer og vinduer. Sannsynligvis Den mest radikalt Senrenessanse / Mannerist delen av strukturen, skjønt, Er Sala dei Gigante, ment å være Spisesalen I Palazzo, fylt med virvlende mønstre på gulvet og en bevegelsesfylt freske på taket og veggene som skildrer slaget Av De Olympiske gudene og Titanene. Her er alt i bevegelse, Og den optiske illusjonen Av Kameraet Picta i hertugpalasset Mantua, malt Av Mantegna i det 15. århundre, blir gjort mer radikal, skarpere, og humor er nå fjernet. På mange måter er fresken, selv om den er en referanse Til Gresk-Romersk mytologi, også en referanse til Både Reformasjonen og slagene Mellom Katolikker og Protestanter, og slagene Mellom Karl V og Frans i over Italia.

Giulio Roman, Palazzo Del Te, Mantua, 1525-1535 (foto Av Marcok-selvpublisert arbeid AV Marcok, CC by-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=625383)

Giulio Roman, Sala dei Gigante, Fall Of The Giants and The Gods på Mount Olympus, Palazzo del Te, Mantua, 1530-1532 (foto Giulio Roman, Palazzo del Te, Mantua, 1525-1535 (bilder Av Giulio Romano – http://www.wga.hu/art/g/giulio/gigant.jpg, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3664070 Og Giulio Romano , via Wikimedia Commons)

Den viktigste arkitekten Av Senrenessansen I Venezia Var Andrea Palladio Han Var Kjent for Sine Landpalassdesign før Han Ble Utnevnt Til Sjefsarkitekt For Republikken Venezia. Han skrev også en bok som forble viktig gjennom til begynnelsen av det 19. århundre, The Four Books Of Architecture, som utvidet på Og oppdatert skriftene Til Vitruvius. En av hans mest innflytelsesrike bygninger var Villa Rotunda i Vicenza, utenfor Venezia, bygget for en prest, Paolo Almerico, etter at han pensjonerte Seg fra Vatikanet. Villaen har utsikt over hele området fra sin bakketopp,og ble designet som en glede palass i motsetning til hovedhuset i en gård. Utformingen av bygningen har en sentralisert kuppel over en rotunda, med en portico med utsikt i hver av kardinalretningene. Porticos er utformet Som Klassiske tempel faç, og interioret er overdadig overdådig.

Andrea Palladio, Villa Rotunda, Vicenza, c. 1566-70 (bilder Av Quinok-Eget arbeid, CC by-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35889390 Og Av Hans A. Rosbach – Eget arbeid, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2438725)

Som sjefsarkitekt i Venezia fullførte Palladio en rekke offentlige bygninger i Byen. En av De mest interessante og viktige var gjenoppbyggingen Av San Giorgio Maggiore, som han begynte i 1565. Her står de engasjerte kolonnene til faç på svært høye podier, og det er et dobbelt pediment. Effekten er å legge høyde til strukturen, og noen visuell interesse som samsvarer med den merkelige formen på transcept av kirken.

Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore, Venezia, påbegynt 1565 (foto Av Andrea Palladio [CC BY-SA 4.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)%5D, via Wikimedia Commons)

Noen av de mest radikale endringene i kunst og arkitektur i De Katolske dominerte områdene I Europa var Motreformasjonen. Den Katolske Kirke tok en stund å komme seg fra Reformasjonen, og danne et sammenhengende motangrep Mot De Protestantiske krav. Fra 1545 til 1563 var Konsilet I Trento samlet I Nord-Italia, og møttes periodisk i denne perioden. Rådet gjorde et par ting, men Det viktigste For Kirken var at Det fordømte Lutheranismen og bekreftet Katolsk lære. Dens uttalte formål var å forbedre utdannelsen av prester og gjeninnsette pavelig autoritet utenfor Italia; etablere En Inkvisisjon i Roma, gi den makt til å sensurere kunstverk, skrifter og lage En Forbudt Bokliste (dette ville ha stor innvirkning På Galileo Galilei); omarbeidet at kunsten skulle være didaktisk, etisk korrekt, anstendig og nøyaktig; paralleller mellom Gamle og Nye Testamentes hendelser skulle vektlegges; kunst skulle appellere til følelser snarere enn grunn. Disse målene ville ha umiddelbar innvirkning på kunst og kultur I Italia, og også ville berøre separasjon Av Den Katolske Kirke og vitenskap, en separasjon fortsatt merkes i dag.

en sammenligning av 2 Nattverden malerier Fra Venezia viser virkningen Av Konsilet I Trento og re-empowered Inkvisisjonen. En, malt Av Paolo Veronese som en kommisjon For klosteret San Giovanni e Paolo, er noen 18 ft x 42 ft. På dette lerretet malte Veronese Et Venetiansk bybilde, med en loggia på forsiden. I midten av loggia er bildet Av Det Siste Måltidet, og rundt det er drunks, tiggere, buffons, dverger, en hund som plukker på lopper, og (verste av alt!) soldater kledd på tysk (husk Reformasjonen begynte I Tyskland) rustning. Veronese ble innkalt til Inkvisisjonen i 1573, og ble spurt om hvorfor han inkluderte alle de fremmede figurene i scenen. Hans svar var at lerretet var stort, og han hadde litt kunstnerisk lisens, Men Inkvisitorene var ikke enige, og ga ham 3 måneder til å endre maleriet. Så, Veronese endret navnet på stykket Til Fest i Huset Til Levi, Og, Som Levi var, Ifølge Bibelen, en toller, å ha alle syndere det var nå akseptabelt. Dette står i kontrast Til Jacopo Tintorettos Siste Nattverd, malt for kirken San Giorgio Maggiore. Her foregår scenen i et mørkt rom, med smokey angels overhead, og noen tjenere (ingenting så radikalt Som Veronese). Figurene Til Jesus og Apostlene har glorier, Og Jesus er faktisk innkapslet i lys når Han vedtar Eukaristiens første sakrament midt I Måltidet, delvis gjort som et middel til å motvirke Den Protestantiske nedgraderingen av dette sakramentet. Judas har blitt trygt flyttet tilbake til den andre siden av bordet, og hele stykket har en helt annen følelse enn da Vinci fra slutten av det 15.århundre. Her er vekten mindre på grunn enn på følelser og tro.

Paolo Veronese, Nattverden, omdøpt Feast I Huset Levi, 1573 Og Jacopo Tintoretto, Nattverden, 1592-1594 (bilder Av Paolo Veronese-The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuert AV DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=160026 Og Av Tintoretto – Web Gallery Of Art: Bilde Info om kunstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15542295)

Et Verk Av Michelangelo ble også til slutt kalt inn spørsmålet Av Inkvisisjonen, selv om problemet ble løst ved å ha en maler kjent for historien Som Britches Maleren dekke opp nudes. Dette var hans Siste Dom, malt på alterveggen i Det Sixtinske Taket. Her er en ekte tour de force Av Sen Renessanse maleri, med en virvlende scene av aktive helgener og figurer. Kristus er i sentrum, nesten naken og aktiv, med apostlene og de hellige rundt seg. Nedenfor, til høyre, står de døde opp fra graven, Og Til venstre, charon frakter de fordømte over Elven Styx Til Helvete. Ikke mye er sett av Dette Helvete, annet enn flammene, Og Det er interessant At Michelangelo valgte å inkludere Gresk-Romersk mytologi i scenen. En av de mest interessante passasjer av arbeidet er bildet Av St. Bartholomew, Til Jesu venstre, som holder sitt instrument for martyrdom, kniven og hans flådd hud i hodet. Denne huden er et selvportrett av kunstneren selv, som taler til tankegangen til en kunstner som ble eldre, var andektig Katolsk, homofil, og hadde vært vitne til mye krig og omveltning i sitt liv og karriere.

Michelangelo, Siste Dom, 1534-41 (Bilder Av Michelangelo-se nedenfor., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=16143987 Og Av Michelangelo – Web Gallery Of Art: Bilde Info om kunstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11426515)

En av kunstnerne som virkelig fanget mystikken og ortodoksien i Motreformasjonsstilen i kunsten var Domenikos Theotokopoulos, bedre kjent Som El Greco, som ble født På Kreta, men etter en kort periode i Italia tilbrakte han mye av sin karriere i Spania, hovedsakelig Toledo. Hans arbeid fokuserte på den spanske Katolisismens mystiske natur, med fokus på det mirakuløse, og hans malerier ble ofte fylt med merkelige farger og langstrakte figurer. Selv hans landskap ser ut til å bevege seg og pulsere. En av Hans mest kjente verker Er Begravelsen Av Grev Orgaz, som viser begravelsen av den fromme Greven som utføres av en rekke byfedre og kirkefigurer Fra Toledo, inkludert St. Augustine og St. Stephen, da det ifølge legenden var en rekke mystiske omstendigheter til denne begravelsen (Greven døde i 1323). Over gravstedet ber Grevens sjel om å komme Inn i Himmelen med Jomfru Maria ‘ s forbønn. Det er svært lite som knytter de 2 scenene sammen, annet enn fargen gul. El Grecos portrett av Kardinal Guevera, Den Øverste Inkvisitoren i Spania, mister litt av mystikken, men får et interessant psykologisk aspekt. Her Sitter Kardinalen i sine vannet silke kapper, med en hånd klemmet på stolens arm og et mystisk stykke papir til føttene. Kardinalen ser ut til å se på betrakteren, som om han var engasjert i noen av sine plikter som Sjefinkvisitor.

El Greco, Graven Til Grev Orgaz, 1586-1588 (foto Av El Greco-Eget arbeid, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38746498)

El Greco, Portrett Av Kardinal Fernando Niñ De Guevera, 1600 (foto Av El Greco-Yorck-Prosjektet: 10.000 Meisterwerke Der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribuert AV DIRECTMEDIA Publishing GmbH. Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=152204)

det var også endringer i arkitekturen i denne perioden, slik som utformingen Av kirken Il Gesù I Roma Av Giacomo da Vignola. Dette var mor kirken Jesuittordenen, en ny orden av militante munker dannet ut Av Motreformasjonen som tok løfter om kyskhet, lydighet, fattigdom, og en bestemt løfte om lydighet Til Paven. Disse prestene ville fortsette å være lærere av Den Katolske Kirke. Il Ges ③ ble betalt av Alexander Kardinal Farnese, som forklarer innskriften på forsiden, men er ellers en forenklet versjon av mange av De tidligere Renessansekirkene. Det er referanser Til Treenigheten, og planen har et bredt skip med sidekapeller uten sideskip. Interiøret var ferdig i En mer forseggjort Barokkstil enn opprinnelig ment, men forenklingene av kirken gjenspeiler uttalelsene fra Konsilet I Trento.

Giacomo da Vignola, Il Gesù, Roma, c. 1575-1584, fasade og plan (bilder Av jeg, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2449146)

Senrenessansen var en tid med stor omveltning politisk, religiøst og kunstnerisk. På mange måter setter denne perioden scenen for Barokken så mye som den fortsetter innovasjonene i Høyrenessansen. Kunstnerne i denne perioden reagerte også på og på mange måter avviste rasjonaliteten i Høyrenessanseperioden.