de Late Renaissance in Italië en het noorden

Jacopo da Pontormo, Entombment, Capponi Chapel, Santa Felicitá, Florence, 1525-1528 (foto door Pontormo – Book scan (Manfred Wundram): Renaissance, S. 69, Köln: Verlag Taschen 2007, ISBN: 3-8228-5295-3 / ISBN 978-3-8228-5295-8), Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4303272)

de late Renaissance, vaak ook wel de maniëristische, periode, wordt gekenmerkt door kunstwerken die meestal Nam andere kunstwerken als modellen. Hun primaire onderwerp was het menselijk lichaam vaak langgerekt, overdreven, elegant, en gerangschikt in gedraaide poses. Dit was de stijl van de rechtbanken, en veel van de werken bevatten verborgen betekenissen en visuele spelletjes, bedoeld om het intellectuele scherpzinnigheid van de kijkers te testen. Veel van de kunstenaars in zowel Italië als het noorden werden beïnvloed door de intense politieke en militaire onrust, met 3 belangrijke dingen die veel van deze onrust veroorzaken: Karel V ‘ s groeiende rijk en de plundering van Rome; de Reformatie en opkomst van de Protestantse Kerk; en de Katholieke Contra-Reformatie en Inquisitie. Dit was ook het hoogtepunt van het zogenaamde “tijdperk van ontdekking” in Europa, waar de Europese machten Amerika en gebieden van Afrika en Oceanië begonnen te koloniseren.Als we naar Jacopo da Pontormo ‘ s fresco van het graf hierboven kijken, zien we een heel ander gevoel dan werken uit de Hoge Renaissance. De kleuren lijken zuur; de figuren zijn langwerpig en in gedraaide houdingen; en er is verhoogde emotie in de gezichten van de figuren (Pontormo nam ook zichzelf op de rechterrand van het stuk, het dragen van een hoed en kijken naar de kijker). Veel van de houdingen van de vormen hebben weinig rationele zin, want dat is een ander kenmerk van deze Late Renaissance stijl. De figuren zijn verwijderd uit de rationaliteit van de Hoge Renaissance vormen, en weerspiegelen het gevoel van chaos en angst in Europa in de 16e eeuw. Het fresco over de kapel van het graf, de Annunciatie, weerspiegelt ook deze veranderingen, omdat zowel Maria als de engel lijken te zweven in de ruimte die ze geacht worden te bewonen. Het venster dat de scène breekt lijkt toe te voegen aan dit gevoel van gewichtloosheid.

Jacopo da Pontormo, Annunciation, Capponi Chapel, Santa Felicitá, Florence, 1525-1528 (foto door Pontormo-Web Gallery of Art: Foto Info over artwork, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2152593)

een andere invloedrijke kunstenaar uit deze vroege periode was Francesco Mazzola, beter bekend als Parmigianino. Er wordt gezegd dat hij zijn zelfportret schilderde in een convexe spiegel om indruk te maken op de paus en opdrachten van hem te krijgen. In ieder geval toont dit werk zowel het talent van de jonge kunstenaar, en de interesse in vervormingen in de late Renaissance periode, als de convexe spiegel gebruikt door Parmigianino geeft een “fish-eye” kwaliteit van het werk, vervorming van zowel zijn vorm, en de kamer achter hem.

mogelijk is zijn bekendste werk de Madonna en kind met engelen (Madonna van de lange nek). Hier zie je echt de verlenging van Parmigianino ‘ s stijl, evenals de interesse in de erotische op plaatsen die een beetje ongepast kunnen zijn, als het lichaam van de Madonna wordt geopenbaard door de “natte draperie” techniek in tegenstelling tot wordt verborgen door haar kleding, en de engel aan de voorkant toont nogal een beetje van been. De achtergrond is ook een beetje schokkend en vreemd, met de figuur met de rol op de achterkant, vaak gelezen als ofwel een oudtestamentische profeet of een heidense figuur, die ofwel een Betekenis zou kunnen toevoegen van de voorspelling van de komst van Jezus of de overwinning van het christendom op het heidendom, die in deze periode een verwijzing zou zijn geweest naar de gevechten tussen het katholicisme en het protestantisme. De achtergrond van het schilderij is onvoltooid, en men denkt dat er een andere figuur zou zijn geweest, mogelijk een andere heilige naast de eerste.

Parmigianino, Madonna en kind met engelen (Madonna van de lange nek), ca. 1535 (foto door Parmigianino-onbekend, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1263067)

Agnolo Bronzino werd benoemd tot hofkunstenaar van Cosimo I de ‘ Medici, de tweede hertog van Florence, en de eerste Groothertog van Toscane. Bronzino schilderde een aantal schilderijen voor het Hof, waaronder een van de meest interessante en raadselachtige van de periode, Venus, Cupido, dwaasheid en tijd (allegorie van Lust; blootstelling van luxe). Dit werd waarschijnlijk geschilderd als een geschenk voor koning Frans I van Frankrijk, die bekend stond als een liefhebber van leren, vrouwen en seksualiteit, en die mogelijk alle referenties van het werk heeft begrepen. Op de voorgrond van het werk delen Cupido en Venus een incestueuze kus, terwijl een andere kleine Cupido-achtige figuur rozen verstrooit, het traditionele symbool van Venus (zoals de duif aan cupido ‘ s voeten). Achter die figuur zit een wezen met het hoofd van een meisje, het lichaam van een slang, en 2 linkerhandjes, vaak geïnterpreteerd als dwaasheid, maar die zowel plezier als bedrog kunnen zijn. Op de top, een boos uitziende Oude man met vleugels, de tijd, trekt terug het gordijn, en onthult een figuur met een gebroken hoofd, die fraude en vergetelheid kan zijn. De krijsende figuur in de rug kan woede of jaloezie zijn. De algemene betekenis staat ter discussie, maar het werk is zeker een van de interessantste van de late Renaissance.

Agnolo Bronzino, Venus, Cupido, Folly, and Time (allegorie van Lust, Exposure of Luxury), CA. 1545 (foto Bronzino , via Wikimedia Commons)

Bronzino schilderde ook een aantal hofportretten, waaronder van Cosimo I en zijn vrouw Eleonora van Toledo. Deze benadrukten de rijkdom van het Hof, evenals de macht van de hertog en zijn vrouw. Maar, ze bevatten ook een aantal van de typische late Renaissance afvlakking van vormen, zoals de armen en handen van de hertog en hertogin. De schilder leek het meest geïnteresseerd in de patronen van het doek van de jurk van Eleonora en het harnas van Cosimo I.

Angola Bronzino, Eleonora van Toledo en haar zoon Don Giovanni, 1545-1546 en Cosimo I De ‘Medici, 1545 (foto’ s van Bronzino – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Gedistribueerd door DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148348 en door Bronzino – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Gedistribueerd door DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148346)

deze verschuiving in de portretkunst geldt ook voor die van kunstenaars die zowel in de hoge als in de Late Renaissance werkten. Een van deze was Titiaan, de Venetiaanse schilder, en een van de meest gewilde kunstenaars van de 16e eeuw. Als je zijn portretten van 2 Doges, Niccolò Marcello en Andrea Gritti, vergelijkt, zie je de verschuiving, al was het maar over 4 jaar, van de scherpe lijnen van Marcello ’s portret naar de schilderachtige vormen van Gritti’ s. de zachtere vormen van Gritti ‘ s portret zijn vrijer en expressiever, mogelijk omdat dit een postuum portret is. Ook, tegen het midden van de 16e eeuw, de macht van Venetië was tanende als gevolg van de verschuiving in de focus van de handel naar de Atlantische Oceaan van de Middellandse Zee.

Titiaan, Doge Niccolò Marcello, CA. 1542 en DOGE Andrea Gritti, 1546/1548 (foto ‘ s van Titiaan – eigen werk, 2006-08-02, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1025272 en door Titiaan – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Gedistribueerd door DIRECTMEDIA Publishing GmbH. , Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=159537)

de late Renaissance bracht ook veranderingen teweeg in de kunst van het noorden, waarbij kunstenaars hun focus verleenden naar genrescènes en thema ‘ s die zouden passen binnen het protestantse Beeldenstorm, maar nog steeds zouden passen binnen de moraliserende toon van de vorige kunst van het noorden. Misschien wel de interessantste van deze kunstenaars was Pieter Bruegel de oude, afkomstig uit een familie van kunstenaars in Antwerpen in Nederland uit de 16e en 17e eeuw. Hij was zeer geïnteresseerd in panoramische uitzichten op de natuur en het landschap, die vaak kleinere afbeeldingen bevatten van spreekwoorden of religieuze thema ‘ s, zoals het landschap met de val van Icarus. In dit stuk toont Bruegel de val van de mythische Griek, maar dit is een heel klein deel van de scène, en gebeurt naast een karavel, een 16e-eeuws schip gebruikt om te varen over de oceanen. In de rest van het noordelijke landschap zijn mensen schapen hoeden of de velden bewerken met behulp van de nieuwste 16e-eeuwse technologie. Een van de meest interessante delen van dit stuk is het feit dat geen van de mensen in de scène aandacht besteedt aan de val van Icarus, die kan worden geïnterpreteerd als een commentaar op de realiteit van de nieuwe geglobaliseerde wereld waarin Bruegel leefde. Een aantal van zijn andere werken becommentarieerde de nieuwe protestantse Reformatie en de gevolgen daarvan voor Europa, zoals de toren van Babel. Hier bouwen de arbeiders de titulaire toren in het midden van een noordelijk 16de eeuws landschap. De figuren op de linker voorgrond vertegenwoordigen Nebukadnezar, zijn hof en de arbeiders, maar ze zijn ook gekleed in eigentijdse kleding van Bruegel. Zijn boodschap gaat hier over de gevolgen van de Reformatie, de godsdienstoorlogen en de verdeeldheid in Europa als gevolg van de religieuze omwenteling. Het verhaal van het Oude Testament is bijgewerkt om een 16e-eeuwse betekenis te hebben. Nederlandse spreekwoorden hebben een soortgelijke betekenis, Maar met meer dan 100 spreekwoorden van die tijd afgebeeld op het schilderij, waaronder de man die linksonder met zijn hoofd tegen de muur slaat; de taarten op het dak (“je kunt geen dak Tegelen met taarten”); en de man die probeert te bereiken 2 broden brood op de tafel (“Living loaf to loaf,” of “paycheck to paycheck”).

Pieter Bruegel de oudere, landschap met de val van Icarus, CA. 1554-1555 en de toren van Babel, 1563 (foto ‘ s van Pieter Brueghel de oudere (1526/1530–1569) – 1., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11974918 and By Pieter Brueghel the Elder (1526/1530-1569)-Levels adjusted from File:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Vienna)_ – _Google_Art_Project.jpg, oorspronkelijk van Google Art Project. Publieke Domein, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22179117)

Pieter Bruegel de oude, Nederlandse Spreekwoorden, 1559 (foto Door Pieter Brueghel de oude (1526/1530–1569) – WwG8mD89xbELbQ op Google Cultural Institute, zoom level maximum, Publiek Domein, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13352840)

Bruegel was ook de opdracht om 6 panelen voor een rijke koopman in Antwerpen, waren studies van het werk van de seizoenen. De terugkeer van de jagers vertegenwoordigt de winter in het noorden, en de Oogstmachines vertegenwoordigt het werk van de vroege herfst. In beide kan je het landschap in het noorden zien, en de activiteiten van de mensen in de verschillende seizoenen, en in het bijzonder hier de boeren. De landschappen in elk zijn uitgestrekt, en echt geven een gevoel van het dagelijks leven, landschap, en arbeid in de 16e eeuw. Maar het zijn ook samengestelde landschappen, die niet noodzakelijk de realiteit van landschappen in Nederland weergeven. Die van jagers in de sneeuw is erg Alpine, misschien wel een landschap gezien door Bruegel op zijn reis naar Italië.

Pieter Bruegel de oudere, jagers in de sneeuw en de Oogstmachines, 1565 (foto door Pieter Brueghel de oudere (1526/1530-1569) – WgFmzFNNN74nUg op Google Cultural Institute maximum zoom level, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22189570 en door Pieter Brueghel de oudere (1526/1530–1569) – Foto van Szilas in het Metropolitan Museum of Arts, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1173842)

het is ook in de 16e eeuw dat vrouwelijke kunstenaars een stem en aanwezigheid beginnen te krijgen. Vrouwen werden nog steeds beschouwd als alleen in staat om portretten te schilderen; werden niet toegestaan in figuurtekenlessen; en niet in staat waren om grote geschiedeniswerken te maken. Giorgio Vasari vermeldde echter in zijn tweede versie van Lives 1 vrouwelijke kunstenaar: de beeldhouwer uit Bologna, Properzia De ‘Rossi, die een opdracht kreeg om een reliëf van Joseph en Potifar’ S Vrouw Op de kathedraal te beeldhouwen. Vasari beweerde dat het ontwerp van het werk het leven van de ‘ Rossi weerspiegelde, maar of dat waar is is twijfelachtig. Zeker, de ‘ Rossi was een zeer gekwalificeerde beeldhouwer, bekend om het snijden van ingewikkelde werken op perzikpitten. De compositie van Jozef en Potifar ‘ s vrouw is dynamisch en weerspiegelt de trends van de late Renaissance.

Properzia De ‘Rossi, Joseph en Potifar’ s vrouw, CA. 1520 (foto door Properzia De ‘ Rossi – http://www.wga.hu/html_m/r/rossi_p/joseph.html, Public Domain, https://commons.wikimedia.ord/w/index.php?curid=45769802)

andere vrouwelijke kunstenaars werden gewilde portrettisten, met Sofonisba Anguissola die een plek kreeg als hofschilder van Filips II van Spanje. Een vergelijking van een van haar zelfportretten met een zelfportret van Lavinia Fontana is een vergelijking van 2 opgeleide, succesvolle vrouwen, die hun capaciteiten en opleiding wilden laten zien. Anguissola schilderde zichzelf op de ezel, met de maulstick in de hand, met het schilderen van de Madonna en het kind, een verklaring dat ze tot meer dan portretten in staat was. Fontana toonde zich in haar studiolo, met één arm aan een boek, omringd door sculpturen. Fontana, die ook religieuze opdrachten kreeg, zoals haar heilige familie met Heiligen, wilde pronken met haar eigen capaciteiten als kunstenaar. Marietta Robusti, dochter van de kunstenaar Jacopo Robusti, beter bekend als Tintoretto, werd genoemd door Carlo Ridolfi in zijn geschriften, en was een gevierd kunstenaar in haar eigen recht. Haar zelfportret toont haar met een muziekboek in de hand voor de spinetta, een voorloper van de piano, een manier om haar artistieke capaciteiten en haar opleiding te verklaren.

Sofonisba Anguissola, Zelfportret schilderij De Madonna, 1556 en Lavinia Fontana, zelfportret in de Studiolo, 1579 (foto ‘ s van Sofonisba Anguissola – geselecteerd werk 4 van Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Zelfportret: Renaissance tot hedendaags. ISBN 978-1855143579, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11870777 en door Lavinia Fontana – http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=17709, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3176427)

Marietta Robusti, Zelfportret voor de Spinetta, CA. 1580 (foto: zie bestandsnaam of categorie – http://ilpositivistaroseo.blogspot.it/2010/06/la-pittrice-marietta-robusti-detta-la.html, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24497939)

ook de beeldhouwkunst veranderde in deze periode, waarbij kunstenaars zich inspanden om het drama en de beweging van de schilderkunst in hun werk te brengen. De meeste sculpturen uit de late Renaissance zijn niet statisch, maar zijn van verschillende kanten te zien. Een van de beroemdste beeldhouwers en Goudsmeden uit die periode, en een met een ongelooflijk kleurrijk leven, was Benvenuto Cellini, die ook een autobiografie schreef die pas in 1728 werd gepubliceerd. Hij is misschien wel het best bekend om zijn Saliera (Saltcellar van Frans I), die de weelde van het Hof leven in de 16e eeuw weerspiegelt, en de status van zout als een luxe item. Zout was zeer gewild, en de zouthandel was zeer lucratief in die periode, omdat het het belangrijkste conserveermiddel was voor de koeling, hoewel andere specerijen, zoals peper, ook belangrijk waren om zowel de smaak van voedsel te verbeteren als voedsel te bedekken dat minder goed bewaard was. De zoutcellaire, gemaakt in goud en gedeeltelijk geëmailleerd, beeldt Neptunus af, met een schip voor het zout naast hem, en tellus, de Romeinse aardgodin, met een triomfboog naast haar voor peper, leunend in onmogelijke posities, met benen verstrengeld om de onderlinge afhankelijkheid van aarde en zee te vertegenwoordigen. Rond de basis zijn beelden van de wind en de tijden van de dag, passend beeldmateriaal voor het humanistische Hof van Francis I. De figuren zijn gebaseerd op die van Michelangelo in de nieuwe sacristie (Medici kapel) voor San Lorenzo in Florence. Op de graven van Guiliano di Lorenzo de ‘Medici en Lorenzo di Piero de’ Medici staan figuren die de tijden van de dag weergeven. Cellini ’s figuren van Neptunus en Tellus komen van Michelangelo’ s figuren van schemering en dageraad op Lorenzo ‘ s tombe, die technisch onvoltooid zijn.

Benvenuto Cellini, Saliera (Saltcellar van Francis I), voltooid 1543, (foto ’s door Cstutz (eigen werk) , via Wikimedia Commons)

Michelangelo’ s late stijl is ook radicaal anders dan zijn eerdere werk, zoals blijkt uit 2 van zijn latere Pietás. Een, ook bekend als de depositie, was vermoedelijk bedoeld voor zijn tombe, hoewel het onvoltooid werd gelaten. Hier zien we Maria met het lichaam van Christus, ondersteund door Maria Magdalena en Jozef van Arimatea (of Nicodemus). De laatste figuur zou een zelfportret van Michelangelo zijn, en het is duidelijk dat de figuur van Magdalena door iemand anders werd ingevuld. Er wordt gezegd dat Michelangelo probeerde het werk te vernietigen omdat hij ontevreden was, maar zijn atelierassistenten overtuigden hem om hen toe te staan het te redden. Het verschil tussen deze en zijn vroegere, Hoge Renaissance Pietá is duidelijk in de positionering van de figuren en de emotie in het werk. De laatste pietá die hij creëerde, de Rondanini Pietà, die bij zijn dood onvolledig bleef, heeft nog meer emotie dan de vorige, met zeer langgerekte figuren en vreemde positionering. Het werk, waarschijnlijk vanwege zijn onvoltooide staat, voelt erg modern aan.

Michelangelo, Pietá (de depositie), CA. 1547-1553 en Rondanini Pietà, CA. 1555-1564 (foto ’s van Sailko (eigen werk) , via Wikimedia Commons)

Michelangelo’ s latere architectuur lijkt ook een reactie te zijn tegen het rationele classicisme van de Hoge Renaissance. Paus Clemens VII, een van de Medici-pausen, gaf hem tegelijkertijd opdracht tot de bibliotheek van Laurentius, en voor hetzelfde complex van San Lorenzo, en hij werkte aan deze projecten van 1524-1534, toen hij terugkeerde naar Rome. Michelangelo ontwierp een radicale ingangsruimte, met gebroken frontons; geëngageerde kolommen en haakjes eronder, die beide ondersteunende functies hebben; en mogelijk de eerste vrijstaande trap in de geschiedenis. De trap is een van de meest opvallende kenmerken van de ruimte, als het centrale gedeelte lijkt te morsen uit de bibliotheek zelf als vloeistof, hoewel het allemaal wordt gedaan in dezelfde Pietra serena van de kapel. Opvallend is ook de bibliotheek, met het warme houten plafond dat past bij de leeshoeken. Hier is de architectuur minder radicaal, en kalmerender, geschikt voor een bibliotheek. De glas-in-lood ramen hebben zowel de Medici en Pauselijke wapenschilden.

Michelangelo, Laurentian Library, 1524-1559 (foto ‘ s door I, Sailko, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3810386)

andere architecten waren ook radicalen in hun benadering van de ruimte. Giulio Romano, ooit een atelierassistent van Raphael, ontwierp het Palazzo del Tè in Mantua, op een eiland tegenover de belangrijkste stad. Dit was de pleasure place en paardenstallen van de markies, en Romano kreeg de opdracht om het te voltooien in een haast, zodat de keizer, Karel V, kon worden ontvangen voor het diner. De gevel van de binnenplaats weerspiegelt een aantal van dezelfde rebellie als de Laurentiaanse bibliotheek, met zware rustiek, breekt in de stroom van het hoofdgestel en het podium van de structuur, en blinde nissen en ramen. Waarschijnlijk het meest radicaal laat-Renaissance / maniëristische deel van de structuur, hoewel, is de Sala dei Gigante, bedoeld om de eetzaal van het Palazzo, gevuld met wervelende patronen op de vloer en een beweging gevulde fresco op het plafond en de muren die de strijd van de Olympische goden en de Titanen afbeeldt. Hier is alles in beweging, en de optische illusie van de camera Picta in het Hertogelijk Paleis van Mantua, geschilderd door Mantegna in de 15e eeuw, wordt radicaler, scherper, en de humor is nu verwijderd. In veel opzichten is het fresco, hoewel het een verwijzing naar de Grieks-Romeinse mythologie is ook een verwijzing naar zowel de Reformatie, en de gevechten tussen katholieken en protestanten, en de gevechten tussen Karel V en Frans I over Italië.

Giulio Roman, Palazzo del te, Mantua, 1525-1535 (photo By Marcok-Self-published work by Marcok, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=625383)

Giulio Roman, Sala dei Gigante, Fall of the Giants and The Gods on Mount Olympus, Palazzo del te, Mantua, 1530-1532 (photo Giulio Romano, Palazzo del te, Mantua, 1525-1535 (photo Giulio Romano – http://www.wga.hu/art/g/giulio/gigant.jpg, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3664070 and Giulio Romano , via Wikimedia Commons)

de belangrijkste architect van de late Renaissance in Venetië was Andrea Palladio, bekend om zijn landpaleis ontwerpen voordat hij benoemd tot hoofdarchitect van de Republiek Venetië. Hij schreef ook een boek dat tot het begin van de 19e eeuw belangrijk bleef, de vier Architectuurboeken, waarin de geschriften van Vitruvius werden uitgebreid en bijgewerkt. Een van zijn meest invloedrijke gebouwen was de villa Rotunda in Vicenza, buiten Venetië, gebouwd voor een priester, Paolo Almerico, nadat hij met pensioen ging uit het Vaticaan. De villa heeft een uitzicht op de hele site vanaf de heuveltop, en werd ontworpen als een plezier paleis in tegenstelling tot het hoofdgebouw van een werkende boerderij. Het ontwerp van het gebouw heeft een centrale koepel over een rotonde, met een portiek met uitzicht in elk van de kardinale richtingen. De portieken zijn ontworpen als klassieke tempelgevels, en het interieur is rijkelijk weelderig.

Andrea Palladio, Villa Rotunda, Vicenza, CA. 1566-70 (foto ‘ s van Quinok – eigen werk, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35889390 en van Hans A. Rosbach-eigen werk, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2438725)

als hoofdarchitect van Venetië voltooide Palladio een aantal openbare gebouwen in die stad. Een van de meest interessante en belangrijke was de wederopbouw van San Giorgio Maggiore, die hij begon in 1565. Hier staan de geëngageerde zuilen van de gevel op zeer hoge podiums en is er een dubbel fronton. Het effect is om hoogte toe te voegen aan de structuur, en wat visuele interesse die overeenkomt met de vreemde vorm van het transcept van de kerk.

Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore, Venetië, begun 1565 (foto door Andrea Palladio [CC BY-SA 4.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0) % 5d, via Wikimedia Commons)

enkele van de meest radicale veranderingen in kunst en architectuur in de Katholieke gebieden in Europa was de Contrareformatie. De katholieke kerk nam een tijdje om te herstellen van de Reformatie, en vormen een samenhangende tegenaanval op de Protestantse claims. Van 1545 tot 1563 kwam het Concilie van Trento bijeen in Noord-Italië en kwam in die periode met tussenpozen bijeen. Het Concilie deed een paar dingen, maar het belangrijkste voor de kerk was dat het Lutheranisme aan de kaak stelde en de katholieke leer bevestigde. Het verklaarde doel was om de opleiding van priesters te verbeteren en de pauselijke autoriteit buiten Italië te herstellen; een Inquisitie in Rome op te richten, het de macht te verlenen om kunstwerken, geschriften te censureren en een verboden boekenlijst te creëren (dit zou een grote impact hebben op Galileo Galilei); opnieuw gesteld dat kunst didactische, ethisch correct, fatsoenlijk en accuraat moet zijn; parallellen tussen oude en Nieuwe Testament gebeurtenissen moesten worden benadrukt; kunst moet een beroep doen op emotie in plaats van de rede. Deze doelstellingen zouden directe gevolgen hebben voor de kunst en cultuur in Italië, en zouden ook de scheiding van de Katholieke Kerk en de wetenschap aantasten, een scheiding die vandaag de dag nog steeds wordt gevoeld.Een vergelijking van twee schilderijen van Het Laatste Avondmaal uit Venetië toont de impact van het Concilie van Trento en de hernieuwde Inquisitie. Een, geschilderd door Paolo Veronese als een commissie voor het klooster van San Giovanni e Paolo, is ongeveer 18 ft x 42 ft. Op dit doek schilderde Veronese een Venetiaans stadsgezicht, met een loggia aan de voorkant. In het midden van de loggia is het beeld van Het Laatste Avondmaal, en eromheen zijn dronkaards, bedelaars, buffons, Dwergen, een hond die vlooien plukt, en (het ergste van alles!) soldaten gekleed in het Duits (herinner de Reformatie begon in Duitsland) pantser. Veronese werd opgeroepen voor de Inquisitie in 1573, en werd gevraagd waarom hij alle vreemde figuren in de scène opnam. Zijn antwoord was dat het doek was groot, en hij had een aantal artistieke vrijheid, maar de inquisiteurs niet mee eens, gaf hem 3 maanden om het schilderij te veranderen. Zo veranderde Veronese de naam van het stuk in feest in het Huis van Levi, en, zoals Levi was, volgens de Bijbel, een tollenaar, het hebben van alle zondaars daar was nu welgevallig. Dit in tegenstelling tot Jacopo Tintoretto ‘ s Laatste Avondmaal, geschilderd voor de kerk van San Giorgio Maggiore. Hier speelt de scène zich af in een donkere kamer, met smokey angels boven zich, en enkele bedienden (niets zo radicaal als Veronese). De figuren van Jezus en de apostelen hebben halo ‘ s, en Jezus is eigenlijk ingekapseld in licht als hij het eerste sacrament van de Eucharistie in te voeren in het midden van het avondmaal, gedeeltelijk gedaan als een middel om de Protestantse verlaging van dat sacrament tegen te gaan. Judas is veilig teruggezet naar de andere kant van de tafel, en het hele stuk heeft een heel ander gevoel dan dat van da Vinci uit het einde van de 15de eeuw. Hier ligt de nadruk minder op rede dan op emotie en geloof.

Paolo Veronese, Laatste Avondmaal, omgedoopt tot feest in het Huis van Levi, 1573 en Jacopo Tintoretto, Laatste Avondmaal, 1592-1594 (foto ‘ s van Paolo Veronese – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Gedistribueerd door DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=160026 en door Tintoretto-Web Gallery of Art: Foto Info over artwork, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15542295)

een werk van Michelangelo werd uiteindelijk ook in twijfel getrokken door de Inquisitie, hoewel het probleem werd opgelost door een schilder die bekend staat om de geschiedenis als de Britches Painter cover up the nudes. Dit was zijn laatste oordeel, geschilderd op de altaarmuur van het Sixtijnse plafond. Hier is een ware tour de force van de Late Renaissance schilderkunst, met een wervelende scène van actieve heiligen en figuren. Christus is in het centrum, bijna naakt en actief, met de apostelen en heiligen om hem heen. Beneden, rechts van hem, staan de doden op uit het graf, en links van hem, brengt Charon de verdoemden over de rivier De Styx naar de hel. Er wordt niet veel van deze hel gezien, behalve de vlammen, en het is interessant dat Michelangelo ervoor koos om Grieks-Romeinse mythologie in de scène op te nemen. Een van de meest interessante passages van het werk is het beeld van de Heilige Bartholomeus, links van Jezus, die zijn martelaarsinstrument, het mes, en zijn gevilde huid in zijn hoofd houdt. Deze huid is een zelfportret van de kunstenaar zelf, dat spreekt tot de mindset van een kunstenaar die ouder werd, vroom katholiek was, homo, en veel oorlog en onrust in zijn leven en carrière had meegemaakt.

Michelangelo, Laatste Oordeel, 1534-41 (foto ‘ s van Michelangelo – zie hieronder., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=16143987 en door Michelangelo-Web Gallery of Art: Foto Info over artwork, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11426515)

een van de kunstenaars die echt de mystiek en orthodoxie van de Contrareformatie stijl in de kunst gevangen was Domenikos Theotokopoulos, beter bekend als El Greco, die werd geboren op Kreta, maar, na een korte periode in Italië, bracht een groot deel van zijn carrière in Spanje, voornamelijk Toledo. Zijn werk richtte zich op de mystieke aard van het Spaanse katholicisme, met een focus op het wonderbaarlijke, en zijn schilderijen waren vaak gevuld met vreemde kleuren en langgerekte figuren. Zelfs zijn landschappen lijken te bewegen en te pulseren. Een van zijn beroemdste werken is de begrafenis van graaf Orgaz, die de begrafenis van de vrome Graaf toont die wordt uitgevoerd door een aantal stadsvaders en kerkfiguren Uit Toledo, waaronder Sint Augustinus en Sint Stefanus, omdat er volgens de legende een aantal mysterieuze omstandigheden aan deze begrafenis waren (de Graaf stierf in 1323). Boven de begraafplaats smeekt de ziel van de Graaf om toegang tot de hemel met voorspraak van de Maagd Maria. Er is heel weinig dat de 2 scènes met elkaar verbindt, anders dan de kleur geel. El Greco ‘ s portret van kardinaal Guevera, de belangrijkste Inquisiteur in Spanje, verliest een beetje van de mystiek, maar krijgt een interessant psychologisch aspect. Hier zit de kardinaal in zijn gedrenkte zijden gewaden, met een hand geklemd op de arm van zijn stoel, en een mysterieus stuk papier aan zijn voeten. De kardinaal lijkt de kijker met argusogen aan te kijken, alsof hij zich bezig houdt met een aantal van zijn taken als Hoofdinquisiteur.

El Greco, De Begrafenis van Graaf Orgaz, 1586-1588 (foto Door El Greco – Eigen werk, Publiek Domein, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38746498)

El Greco, Portret van Kardinaal Fernando Niño de Guevera, 1600 (foto Door El Greco – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Gedistribueerd door DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=152204)

er waren ook veranderingen in de architectuur in deze periode, zoals het ontwerp van de kerk van Il Gesù in Rome door Giacomo da Vignola. Dit is de Moederkerk van de jezuïetenorde, een nieuwe orde van militante broeders gevormd uit de Contrareformatie die geloften van kuisheid, gehoorzaamheid, armoede en een specifieke gelofte van gehoorzaamheid aan de paus aflegde. Deze priesters zouden later de opvoeders van de Katholieke Kerk worden. Il Gesù werd betaald door Alexander kardinaal Farnese, wat de inscriptie op het front verklaart, maar is verder een vereenvoudigde versie van veel van de vroegere Renaissance kerken. Er zijn verwijzingen naar de Drie-eenheid, en het plan heeft een breed schip met zijkapellen door geen zijbeuken. Het interieur werd afgewerkt in een meer uitgebreide barokke stijl dan oorspronkelijk bedoeld, maar de vereenvoudigingen van de kerk weerspiegelen de verklaringen van het Concilie van Trento.

Giacomo da Vignola, Il Gesù, Rome, CA. 1575-1584, gevel en plan (foto ‘ s van I, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2449146)

de late Renaissance was een tijd van grote omwenteling, politiek, religieus en artistiek. In veel opzichten zet deze periode het podium voor de Barok zo veel als het voortzetting van de innovaties van de Hoge Renaissance. De kunstenaars uit deze periode reageerden ook op de rationaliteit van de periode van de Hoge Renaissance en verwierpen deze in veel opzichten.