Die Spätrenaissance in Italien und im Norden

Jacopo da Pontormo, Grablegung, Capponi Kapelle, Santa Felicitá, Florenz, 1525-1528 (Foto Von Pontormo – Book Scan (Manfred Wundram: Renaissance, S. 69, Köln: Verlag Taschen 2007, ISBN: 3-8228-5295-3 / ISBN 978-3-8228-5295-8), gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4303272)

Die Spätrenaissance, oft auch manieristisch genannt, zeichnet sich durch Kunstwerke aus, die typischerweise andere Kunstwerke als Vorbild nahmen. Ihr Hauptthema war der menschliche Körper, oft länglich, übertrieben, elegant und in verdrehten Posen angeordnet. Dies war der Stil der Gerichte, und viele der Werke enthalten verborgene Bedeutungen und visuelle Spiele, die den intellektuellen Scharfsinn der Zuschauer testen sollen. Viele der Künstler sowohl in Italien als auch im Norden waren von den intensiven politischen und militärischen Turbulenzen betroffen, wobei 3 Hauptursachen für einen Großteil dieser Turbulenzen verantwortlich waren: das sich erweiternde Reich Karls V. und die Plünderung Roms; die Reformation und Entstehung der protestantischen Kirche; und die katholische Gegenreformation und Inquisition. Dies war auch der Höhepunkt des sogenannten „Entdeckungszeitalters“ in Europa, in dem die europäischen Mächte begannen, Amerika und Gebiete Afrikas und Ozeaniens zu kolonisieren.

Wenn man das Fresko des Grabes von Jacopo da Pontormo oben betrachtet, fühlt es sich ganz anders an als bei Werken der Hochrenaissance. Die Farben wirken sauer; Die Figuren sind länglich und in verdrehten Posen; und es gibt erhöhte Emotionen in den Gesichtern der Figuren (Pontormo schloss sich auch am rechten Rand des Stücks ein, trug einen Hut und schaute auf den Betrachter). Viele der Posen der Formen machen sehr wenig rationalen Sinn, da dies ein weiteres Merkmal dieses Spätrenaissance-Stils ist. Die Figuren sind von der Rationalität der Formen der Hochrenaissance entfernt und spiegeln das Gefühl von Chaos und Angst in Europa im 16. Das Fresko über der Kapelle von der Grablegung, die Verkündigung, spiegelt auch diese Veränderungen wider, da sowohl Maria als auch der Engel in dem Raum zu schweben scheinen, den sie bewohnen sollen. Das Fenster, das die Szene aufbricht, scheint zu diesem Gefühl der Schwerelosigkeit beizutragen.

Jacopo da Pontormo, Verkündigung, Capponi-Kapelle, Santa Felicitá, Florenz, 1525-1528 (Foto von Pontormo – Web Gallery of Art: Bildinfo über Kunstwerk, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2152593)

Ein weiterer einflussreicher Künstler dieser frühen Zeit war Francesco Mazzola, besser bekannt als Parmigianino. Es wird gesagt, dass er sein Selbstporträt in einem konvexen Spiegel malte, um den Papst zu beeindrucken und Aufträge von ihm zu erhalten. Auf jeden Fall zeigt dieses Werk sowohl das Talent des jungen Künstlers als auch das Interesse an Verzerrungen in der Spätrenaissance, da der von Parmigianino verwendete Konvexspiegel dem Werk eine „Fischaugen“ -Qualität verleiht und sowohl seine Form als auch den Raum hinter ihm verzerrt.

Parmigianino, Selbstporträt in einem konvexen Spiegel, 1524 (Foto von Parmigianino – -galleryix.ru (5. Aug. 2014), Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1332007)

Sein wohl berühmtestes Werk ist die Madonna mit Kind und Engeln (Madonna des langen Halses). Hier sieht man wirklich die Verlängerung von Parmigianinos Stil, sowie das Interesse an der Erotik an Orten, die etwas unangemessen sein können, da der Körper der Madonna durch die „nasse Draperie“ -Technik offenbart wird, anstatt durch ihre Kleidung verborgen zu werden, und der Engel an der Vorderseite zeigt ziemlich viel Bein. Der Hintergrund ist auch etwas erschütternd und seltsam, mit der Figur mit der Schriftrolle im Rücken, die oft entweder als alttestamentlicher Prophet oder als heidnische Figur gelesen wird, was entweder eine Bedeutung der Vorhersage des Kommens Jesu oder des Sieges des Christentums über das Heidentum hinzufügen könnte, was in dieser Zeit ein Hinweis auf die Kämpfe zwischen Katholizismus und Protestantismus gewesen wäre. Der Hintergrund des Gemäldes ist unvollendet, und es wird angenommen, dass es neben der ersten eine andere Figur gegeben hätte, möglicherweise einen anderen Heiligen.

Parmigianino, Madonna mit Kind und Engeln (Madonna vom langen Hals), um 1535 (Foto von Parmigianino – Unbekannt, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1263067)

Agnolo Bronzino wurde zum Hofkünstler von Cosimo I. de’Medici, dem zweiten Herzog von Florenz und ersten Großherzog der Toskana, ernannt. Bronzino malte eine Reihe von Gemälden für den Hof, darunter eines der interessantesten und rätselhaftesten der Zeit, Venus, Amor, Torheit und Zeit (Allegorie der Lust; Exposition von Luxus). Dies wurde wahrscheinlich als Geschenk für König Franz I. von Frankreich gemalt, der als Liebhaber des Lernens, der Frauen und der Sexualität bekannt war und möglicherweise alle Referenzen des Werkes verstanden hat. Im mittleren Vordergrund der Arbeit teilen sich Amor und Venus einen inzestuösen Kuss, während eine andere kleine, amorähnliche Figur Rosen streut, das traditionelle Symbol der Venus (wie die Taube zu Amors Füßen). Hinter dieser Figur verbirgt sich eine Kreatur mit dem Kopf eines Mädchens, dem Körper einer Schlange und 2 linken Händen, die oft als Torheit interpretiert werden, aber sowohl Vergnügen als auch Betrug sein können. An der Spitze, Ein wütend aussehender alter Mann mit Flügeln, Zeit, zieht den Vorhang zurück, und zeigt eine Figur mit gebrochenem Kopf, Wer kann Betrug und Vergessenheit sein. Die kreischende Figur im Rücken kann Wut oder Eifersucht sein. Die Gesamtbedeutung steht zur Debatte, aber das Werk ist sicherlich eines der interessantesten der Spätrenaissance.

Agnolo Bronzino, Venus, Amor, Torheit und Zeit (Allegorie der Lust, Enthüllung des Luxus), c. 1545 (Foto Bronzino , via Wikimedia Commons)

Bronzino malte auch eine Reihe von Hofporträts, darunter von Cosimo I. und seiner Frau Eleonora von Toledo. Diese betonten den Reichtum des Hofes sowie die Macht des Herzogs und seiner Frau. Sie enthielten aber auch einige der typischen Formen der Spätrenaissance, wie die Arme und Hände des Herzogs und der Herzogin. Der Maler schien am meisten an der Musterung des Tuches des Kleides von Eleonora und der Rüstung von Cosimo I. interessiert zu sein.

Angola Bronzino, Eleonora von Toledo und ihr Sohn Don Giovanni, 1545-1546 und Cosimo I de’Medici, 1545 (Fotos Von Bronzino – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Vertrieben von DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148348 und Von Bronzino – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Vertrieben von DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148346)

Diese Verschiebung in der Porträtmalerei gilt auch für diejenigen, die von Künstlern gemalt wurden, deren Karriere sowohl die Hoch- als auch die Spätrenaissance umfasste. Einer davon war Tizian, der venezianische Maler und einer der gefragtesten Künstler des 16. Wenn Sie seine Porträts von 2 Dogen, Niccolò Marcello und Andrea Gritti, vergleichen, bemerken Sie die Verschiebung, wenn auch nur über 4 Jahre, von den klaren Linien von Marcellos Porträt zu den malerischen Formen von Grittis. Die weicheren Formen von Grittis Porträt sind freier und ausdrucksvoller, möglicherweise weil dies ein posthumes Porträt ist. Mitte des 16.Jahrhunderts schwand auch die Macht Venedigs, weil sich der Schwerpunkt des Handels vom Mittelmeer auf den Atlantik verlagerte.

Tizian, Doge Niccolò Marcello, c. 1542 und Doge Andrea Gritti, 1546/1548 (Fotos Von Tizian – Eigene Arbeit, 2006-08-02, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1025272 und Von Tizian – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Vertrieben von DIRECTMEDIA Publishing GmbH. , Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=159537)

Die Spätrenaissance führte auch zu Veränderungen in der Kunst des Nordens, Künstler verlagerten ihren Fokus auf Genreszenen und Themen, die in den protestantischen Bildersturm passen würden, würde aber immer noch in den moralisierenden Ton der früheren Kunst des Nordens passen. Der vielleicht interessanteste dieser Künstler war Pieter Bruegel der Ältere, der aus einer Künstlerfamilie in Antwerpen in den Niederlanden aus dem 16. und 17. Er interessierte sich sehr für Panoramablicke auf die Natur und die Landschaft, die oft kleinere Bilder von Sprichwörtern oder religiösen Themen enthielten, wie Landschaft mit dem Fall des Ikarus. In diesem Stück zeigt Bruegel den Fall des mythischen Griechen, aber dies ist ein sehr kleiner Teil der Szene und geschieht neben einer Karavelle, einem Schiff aus dem 16. Im Rest der nördlichen Landschaft hüten die Menschen Schafe oder bebauen die Felder mit der neuesten Technologie aus dem 16. Einer der interessantesten Teile dieses Stücks ist die Tatsache, dass keiner der Menschen in der Szene auf den Fall des Ikarus achtet, was als Kommentar zu den Realitäten der neuen globalisierten Welt interpretiert werden kann, in der Bruegel lebte. Einige seiner anderen Werke kommentierten die neue protestantische Reformation und ihre Auswirkungen auf Europa, wie der Turm von Babel. Hier bauen die Arbeiter den Titelturm inmitten einer nördlichen Landschaft aus dem 16.Jahrhundert. Die Figuren im linken Vordergrund stellen Nebukadnezar, seinen Hof und die Arbeiter dar, aber sie sind auch in Bruegel-zeitgenössischer Kleidung gekleidet. Seine Botschaft hier ist über die Auswirkungen der Reformation, die Religionskriege, und die Spaltungen in Europa wegen der religiösen Umwälzungen. Die Geschichte des Alten Testaments wurde aktualisiert, um eine Bedeutung aus dem 16. Niederländische Sprichwörter haben eine ähnliche Bedeutung, aber mit über 100 Sprichwörtern der Zeit, die auf dem Gemälde abgebildet sind, einschließlich des Mannes, der seinen Kopf unten links gegen die Wand schlägt; die Kuchen auf dem Dach („Sie können kein Dach mit Kuchen ziegeln“); und der Mann, der versucht, 2 Brote auf dem Tisch zu erreichen („Lebender Laib zu Laib“ oder „Gehaltsscheck zu Gehaltsscheck“).

Pieter Bruegel d. Ä., Landschaft mit dem Fall des Ikarus, um 1554-1555 und dem Turmbau zu Babel, 1563 (Fotos von Pieter Brueghel d. Ä. (1526/1530–1569) – 1., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11974918 und Von Pieter Brueghel dem Älteren (1526/1530–1569) – Stufen angepasst aus Datei:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Wien)_-_Google_Art_Project.jpg, ursprünglich von Google Art Project., Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22179117)

Pieter Bruegel der Ältere, niederländische Sprichwörter, 1559 (Foto von Pieter Brueghel der Ältere (1526/1530–1569) – WwG8mD89xbELbQ bei Google Cultural Institute, Zoomstufe maximal, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13352840)

Bruegel wurde auch beauftragt, 6 Tafelbilder für einen wohlhabenden Kaufmann in Antwerpen zu machen, die Studien über die Arbeit der Jahreszeiten waren. Die Rückkehr der Jäger repräsentiert den Winter im Norden, und die Erntemaschinen repräsentieren die Arbeit des frühen Herbstes. In beiden kann man die Landschaft im Norden sehen, und die Aktivitäten der Menschen in den verschiedenen Jahreszeiten, und speziell hier die Bauern. Die Landschaften in jedem sind riesig und geben wirklich ein Gefühl für das tägliche Leben, die Landschaft und die Arbeit im 16. Dies sind aber auch komponierte Landschaften, die nicht unbedingt die Realität der Landschaften in den Niederlanden darstellen. Das von Jägern im Schnee ist sehr alpin und repräsentiert vielleicht eine Landschaft, die Bruegel auf seiner Reise nach Italien gesehen hat.

Pieter Bruegel der Ältere, Jäger im Schnee und die Erntemaschinen, 1565 (Foto von Pieter Brueghel dem Älteren (1526/1530–1569) – WgFmzFNNN74nUg im Google Cultural Institute maximale Zoomstufe, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22189570 und von Pieter Brueghel dem Älteren (1526/1530–1569) – Foto von Szilas im Metropolitan Museum of Arts, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1173842)

Es ist auch im 16.Jahrhundert, dass Künstlerinnen beginnen, eine Stimme und Präsenz zu gewinnen. Frauen galten immer noch als nur in der Lage, Porträts zu malen; waren im Figurenzeichnungsunterricht nicht erlaubt; und galten als unfähig, große Geschichtswerke zu schaffen. Giorgio Vasari erwähnte jedoch in seiner zweiten Version von Lives 1 Künstlerin: die Bildhauerin aus Bologna, Patrizia de’Rossi, die den Auftrag erhielt, ein Relief von Joseph und Potiphars Frau auf der Kathedrale zu formen. Vasari behauptete, dass das Design der Arbeit de’Rossis Leben widerspiegelte, aber ob das wahr ist, ist fraglich. Sicherlich war de’Rossi ein sehr qualifizierter Bildhauer, der dafür bekannt war, komplizierte Arbeiten an Pfirsichgruben zu schnitzen. Die Komposition von Joseph und Potiphars Frau ist dynamisch und spiegelt die Trends der Spätrenaissance wider.

Properzia de’Rossi, Joseph und Potiphars Frau, um 1520 (Foto von Properzia de’Rossi – http://www.wga.hu/html_m/r/rossi_p/joseph.html, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.ord/w/index.php?curid=45769802)

Andere Künstlerinnen wurden gefragte Porträtisten, mit Sofonisba Anguissola gewinnt einen Platz als Hofmaler zu Philip II von Spanien. Ein Vergleich eines ihrer Selbstporträts mit einem Selbstporträt von Lavinia Fontana ist ein Vergleich von 2 gebildeten, erfolgreichen Frauen, die ihre Fähigkeiten und Ausbildung zeigen wollten. Anguissola stellte sich an der Staffelei mit Maulstab in der Hand dar und malte die Madonna mit Kind, eine Erklärung, dass sie zu mehr als Porträtmalerei fähig war. Fontana zeigte sich in ihrem Studiolo, einen Arm auf einem Buch, umgeben von Skulpturen. Fontana, die auch religiöse Aufträge erhielt, wie ihre Heilige Familie mit Heiligen, wollte ihre eigenen Fähigkeiten als Künstlerin zur Schau stellen. Marietta Robusti, Tochter des Künstlers Jacopo Robusti, besser bekannt als Tintoretto, wurde von Carlo Ridolfi in seinen Schriften erwähnt und war selbst eine gefeierte Künstlerin. Ihr Selbstporträt zeigt sie mit einem Notenbuch in der Hand vor der Spinetta, einem Vorläufer des Klaviers, eine Möglichkeit, ihre künstlerischen Fähigkeiten sowie ihre Ausbildung zu erklären.

Sofonisba Anguissola, Selbstporträt der Madonna, 1556 und Lavinia Fontana, Selbstporträt im Studiolo, 1579 (Fotos von Sofonisba Anguissola – Ausgewählte Arbeit 4 von Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Selbstporträt: Renaissance bis Gegenwart. ISBN 978-1855143579, Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11870777 und Von Lavinia Fontana – http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=17709, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3176427)

Marietta Robusti, Selbstporträt vor der Spinetta, um 1580 (Foto von siehe Dateiname oder Kategorie – http://ilpositivistaroseo.blogspot.it/2010/06/la-pittrice-marietta-robusti-detta-la.html, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24497939)

Skulptur auch in dieser Zeit verändert, mit Künstlern, die sich bemühen, das Drama und die Bewegung der Malerei in ihre Arbeit zu bringen. Die meisten dieser Spätrenaissance-Skulpturen sind nicht statisch, sondern sollen von mehreren Seiten gesehen werden. Einer der berühmtesten Bildhauer und Goldschmiede dieser Zeit und einer mit einem unglaublich bunten Leben war Benvenuto Cellini, der auch eine Autobiographie schrieb, die erst 1728 veröffentlicht wurde. Er ist vielleicht am bekanntesten für seine Saliera (Salzkeller von Franz I.), die die Opulenz des Hoflebens im 16. Salz war sehr begehrt, und der Salzhandel war in dieser Zeit sehr lukrativ, da es vor der Kühlung das Hauptkonservierungsmittel war, obwohl auch andere Gewürze, wie Pfeffer, wichtig waren, um sowohl den Geschmack von Lebensmitteln zu verbessern als auch weniger gut konservierte Lebensmittel abzudecken. Der Salzkeller, aus Gold und teilweise emailliert, zeigt Neptun mit einem Schiff für das Salz neben sich und Tellus, die römische Erdgöttin, mit einem Triumphbogen neben ihr für Pfeffer, der in unmöglichen Positionen liegt, mit Beinen, die miteinander verflochten sind, um die gegenseitige Abhängigkeit von Erde und Meer darzustellen. Rund um die Basis sind Bilder der Winde und der Tageszeiten, passende Bilder für den humanistischen Hof von Franz I. Die Figuren basieren auf denen von Michelangelo in der Neuen Sakristei (Medici-Kapelle) für San Lorenzo in Florenz. Auf den Gräbern von Guiliano di Lorenzo de’Medici und Lorenzo di Piero de’Medici befinden sich Figuren, die die Tageszeiten darstellen. Cellinis Neptun- und Tellus-Figuren stammen von Michelangelos Figuren der Dämmerung und der Morgendämmerung auf Lorenzos Grab, die technisch unvollendet sind.

Benvenuto Cellini, Saliera (Salzkeller von Franz I.), fertiggestellt 1543, (Fotos von Cstutz (Eigenes Werk) , über Wikimedia Commons)

Michelangelos späterer Stil unterscheidet sich auch radikal von seinem früheren Werk, wie aus 2 seiner späteren Pietás hervorgeht. Eine, auch bekannt als Die Ablagerung, war angeblich für sein Grab gedacht, obwohl es unvollendet blieb. Hier sehen wir Maria mit dem Leib Christi, unterstützt auch von Maria Magdalena und Josef von Arimathäa (oder Nikodemus). Die letztere Figur soll ein Selbstporträt von Michelangelo sein, und es ist klar, dass die Figur der Magdalena von jemand anderem vervollständigt wurde. Es wird gesagt, dass Michelangelo versuchte, das Werk zu zerstören, weil er unzufrieden war, aber seine Studioassistenten überzeugten ihn, ihnen zu erlauben, es zu retten. Der Unterschied zwischen dieser und seiner früheren Pietá aus der Hochrenaissance liegt in der Positionierung der Figuren und der Emotion, die in der Arbeit enthalten ist. Die letzte Pietá, die er schuf, die Rondanini Pietà, die bei seinem Tod unvollständig blieb, hat noch mehr Emotionen als die frühere, mit sehr länglichen Figuren und seltsamer Positionierung. Das Werk fühlt sich wahrscheinlich wegen seines unvollendeten Zustands sehr modern an.

Michelangelo, Pietá (Die Ablagerung), c. 1547-1553 und Rondanini Pietà, c. 1555-1564 (Fotos von Sailko (Eigene Arbeit) , über Wikimedia Commons)

Michelangelos spätere Architektur scheint auch eine Reaktion auf den rationalen Klassizismus der Hochrenaissance zu sein. Papst Clemens VII., einer der Medici-Päpste, beauftragte die Laurentianische Bibliothek von ihm zur gleichen Zeit die Medici-Kapelle und für den gleichen Komplex von San Lorenzo, und er arbeitete an diesen Projekten von 1524-1534, als er nach Rom zurückkehrte. Michelangelo entwarf einen radikalen Eingangsraum mit gebrochenen Giebeln; engagierte Säulen und Klammern darunter, die beide unterstützende Funktionen haben; und möglicherweise die erste freistehende Treppe in der Geschichte. Die Treppe ist eines der auffälligsten Merkmale des Raumes, da der zentrale Teil wie Flüssigkeit aus der Bibliothek selbst zu fließen scheint, obwohl alles in derselben Pietra Serena der Kapelle ausgeführt ist. Auffällig ist auch die Bibliothek mit der warmen Kassettendecke aus Holz, die zu den Leseecken passt. Hier ist die Architektur weniger radikal und beruhigender, passend für eine Bibliothek. Die Buntglasfenster haben sowohl das Medici- als auch das päpstliche Wappen.

Michelangelo, Laurentianische Bibliothek, 1524-1559 (Fotos von I, Sailko, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3810386)

Andere Architekten waren ebenfalls radikal in ihrer Herangehensweise an den Raum. Giulio Romano, einst Studioassistent von Raphael, entwarf den Palazzo del Tè in Mantua, auf einer Insel gegenüber der Hauptstadt. Dies war der Vergnügungsort und die Pferdeställe des Marquis, und Romano wurde beauftragt, es in Eile fertigzustellen, damit der Kaiser Karl V. zum Abendessen bewirtet werden konnte. Die Fassade des Hofes spiegelt einige der gleichen Rebellion wie die Laurentianische Bibliothek wider, mit starker Rustikalität, Brüchen im Fluss des Gebälks und des Podiums der Struktur sowie blinden Nischen und Fenstern. Der wahrscheinlich radikalste Teil der Spätrenaissance / des Manierismus der Struktur ist jedoch der Sala dei Gigante, der als Speisesaal des Palazzo gedacht ist und mit wirbelnden Mustern auf dem Boden und einem bewegungsgefüllten Fresko an der Decke gefüllt ist Wände, die den Kampf der olympischen Götter und der Titanen darstellen. Hier ist alles in Bewegung, und die optische Täuschung der Camera Picta im Herzogspalast von Mantua, die Mantegna im 15. In vielerlei Hinsicht ist das Fresko, obwohl es sich um einen Hinweis auf die griechisch-römische Mythologie handelt, auch ein Hinweis auf die Reformation und die Kämpfe zwischen Katholiken und Protestanten sowie die Kämpfe zwischen Karl V. und Franz I. um Italien.

Giulio Roman, Palazzo del Te, Mantua, 1525-1535 (Foto von Marcok – Selbstveröffentlichtes Werk von Marcok, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=625383)

Giulio Roman, Sala dei Gigante, Fall der Riesen und der Götter auf dem Olymp, Palazzo del Te, Mantua, 1530-1532 (Foto Giulio Roman, Palazzo del Te, Mantua, 1525-1535 (Fotos von Giulio Romano – http://www.wga.hu/art/g/giulio/gigant.jpg, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3664070 und Giulio Romano , über Wikimedia Commons)

Der wichtigste Architekt der Spätrenaissance in Venedig war Andrea Palladio, bekannt für seine Landpalastentwürfe, bevor er zum Chefarchitekten der Republik Venedig ernannt wurde. Er schrieb auch ein Buch, das bis ins frühe 19.Jahrhundert wichtig blieb, Die vier Bücher der Architektur, die die Schriften von Vitruv erweiterten und aktualisierten. Eines seiner einflussreichsten Gebäude war die Villa Rotunda in Vicenza, außerhalb von Venedig, gebaut für einen Priester, Paolo Almerico, nachdem er sich aus dem Vatikan zurückgezogen hatte. Die Villa hat von ihrem Hügel aus einen Blick auf das gesamte Gelände und wurde als Lustpalast im Gegensatz zum Haupthaus eines Bauernhofs entworfen. Das Design des Gebäudes hat eine zentrale Kuppel über einer Rotunde, mit einem Portikus mit Blick in jede der Himmelsrichtungen. Die Portiken sind als klassische Tempelfassaden gestaltet, und das Innere ist verschwenderisch opulent.

Andrea Palladio, Villa Rotunda, Vicenza, um 1566-70 (Fotos von Quinok – Eigenes Werk, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35889390 und Von Hans A. Rosbach – Eigenes Werk, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2438725)

Als Chefarchitekt von Venedig vollendete Palladio eine Reihe von öffentlichen Gebäuden in dieser Stadt. Einer der interessantesten und wichtigsten war der Wiederaufbau von San Giorgio Maggiore, mit dem er 1565 begann. Hier stehen die drei Säulen der Fassade auf sehr hohen Podien, und es gibt einen Doppelgiebel. Der Effekt besteht darin, der Struktur Höhe zu verleihen, und ein gewisses visuelles Interesse, das der seltsamen Form des Transzepts der Kirche entspricht.

Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore, Venedig, begonnen 1565 (Foto von Andrea Palladio [CC BY-SA 4.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)%5D, via Wikimedia Commons)

Einige der radikalsten Veränderungen in Kunst und Architektur in den katholisch dominierten Gebieten Europas waren die Gegenreformation. Die katholische Kirche brauchte eine Weile, um sich von der Reformation zu erholen und einen zusammenhängenden Gegenangriff auf die protestantischen Ansprüche zu bilden. Von 1545 bis 1563 tagte das Konzil von Trient in Norditalien und traf sich in dieser Zeit zeitweise. Das Konzil tat ein paar Dinge, aber das Wichtigste für die Kirche war, dass es das Luthertum anprangerte und die katholische Lehre bekräftigte. Sein erklärter Zweck war es, die Ausbildung der Priester zu verbessern und die päpstliche Autorität über Italien hinaus zu bekräftigen; eine Inquisition in Rom einzurichten, ihr die Befugnis zu erteilen, Kunstwerke und Schriften zu zensieren und eine verbotene Buchliste zu erstellen (dies würde einen großen Einfluss auf Galileo Galilei haben); bekräftigte, dass Kunst didaktisch, ethisch korrekt, anständig und genau sein sollte; Parallelen zwischen Alt- und neutestamentlichen Ereignissen waren hervorzuheben; Kunst sollte eher Emotionen als Vernunft ansprechen. Diese Ziele hätten unmittelbare Auswirkungen auf die Kunst und Kultur in Italien und würden auch die Trennung von katholischer Kirche und Wissenschaft aufheben, die bis heute spürbar ist.

Ein Vergleich von 2 Abendmahlsbildern aus Venedig zeigt die Auswirkungen des Konzils von Trient und der wiederermächtigten Inquisition. Einer, gemalt von Paolo Veronese als Auftrag für das Kloster San Giovanni e Paolo, ist einige 18 ft x 42 ft. Auf dieser Leinwand malte Veronese ein venezianisches Stadtbild mit einer Loggia an der Vorderseite. In der Mitte der Loggia befindet sich das Bild des Letzten Abendmahls, und um ihn herum sind Betrunkene, Bettler, Buffons, Zwerge, ein Hund, der Flöhe pflückt, und (am schlimmsten!) Soldaten in deutscher Rüstung (erinnern Sie sich, dass die Reformation in Deutschland begann). Veronese wurde 1573 vor die Inquisition gerufen und wurde gefragt, warum er alle fremden Figuren in die Szene einbezog. Seine Antwort war, dass die Leinwand groß war und er eine künstlerische Lizenz hatte, aber die Inquisitoren stimmten nicht zu und gaben ihm 3 Monate Zeit, um das Gemälde zu ändern. Also änderte Veronese den Namen des Stückes in Fest im Hause Levi, und da Levi laut Bibel ein Zöllner war, war es jetzt akzeptabel, alle Sünder dort zu haben. Dies steht im Gegensatz zu Jacopo Tintorettos letztem Abendmahl, das für die Kirche San Giorgio Maggiore gemalt wurde. Hier spielt die Szene in einem abgedunkelten Raum mit rauchigen Engeln und einigen Dienern (nichts so Radikales wie Veronese). Die Figuren von Jesus und den Aposteln haben Halos, und Jesus ist tatsächlich in Licht gehüllt, als er das erste Sakrament der Eucharistie inmitten des Abendmahls erlässt, teilweise als Mittel, um der protestantischen Herabstufung dieses Sakraments entgegenzuwirken. Judas wurde sicher auf die andere Seite des Tisches zurückgebracht, und das gesamte Stück fühlt sich ganz anders an als Da Vinci vom Ende des 15. Hier liegt der Schwerpunkt weniger auf der Vernunft als auf Emotionen und Glauben.

Paolo Veronese, Das letzte Abendmahl, ein Fest im Hause Levi, 1573 und Jacopo Tintoretto, das letzte Abendmahl, 1592-1594 (Fotos von Paolo Veronese – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Vertrieben von DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=160026 und Von Tintoretto – Web Gallery of Art: Bildinfo über Kunstwerk, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15542295)

Ein Werk von Michelangelo wurde schließlich auch von der Inquisition in Frage gestellt, obwohl das Problem gelöst wurde, indem ein Maler, der der Geschichte als Britches-Maler bekannt war, die Akte vertuschte. Dies war sein letztes Gericht, gemalt an der Altarwand der Sixtinischen Decke. Hier ist eine wahre Tour de Force der Spätrenaissance-Malerei, mit einer wirbelnden Szene von aktiven Heiligen und Figuren. Christus ist in der Mitte, fast nackt und aktiv, mit den Aposteln und Heiligen um ihn herum. Unten, zu seiner Rechten, erheben sich die Toten aus dem Grab, und zu seiner Linken bringt Charon die Verdammten über den Fluss Styx in die Hölle. Von dieser Hölle ist außer den Flammen nicht viel zu sehen, und es ist interessant, dass Michelangelo die griechisch-römische Mythologie in die Szene einbezog. Eine der interessantesten Passagen des Werkes ist das Bild des heiligen Bartholomäus zur Linken Jesu, der sein Instrument des Martyriums, das Messer, und seine geschälte Haut in seinem Kopf hält. Diese Haut ist ein Selbstporträt des Künstlers selbst, das die Denkweise eines Künstlers widerspiegelt, der älter wurde, fromm katholisch, schwul war und in seinem Leben und seiner Karriere viel Krieg und Aufruhr erlebt hatte.

Michelangelo, Jüngstes Gericht, 1534-41 (Fotos von Michelangelo – Siehe unten., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=16143987 und Von Michelangelo – Web Gallery of Art: Bildinfo über Kunstwerk, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11426515)

Einer der Künstler, der die Mystik und Orthodoxie des Gegenreformationsstils in der Kunst wirklich einfing, war Domenikos Theotokopoulos, besser bekannt als El Greco, der auf Kreta geboren wurde, aber nach einem kurzen Aufenthalt in Italien einen Großteil seiner Karriere in Spanien verbrachte, hauptsächlich Toledo. Seine Arbeit konzentrierte sich auf die mystische Natur des spanischen Katholizismus, mit einem Fokus auf das Wunderbare, und seine Bilder waren oft mit seltsamen Farben und länglichen Figuren gefüllt. Sogar seine Landschaften scheinen sich zu bewegen und zu pulsieren. Eines seiner berühmtesten Werke ist das Begräbnis des Grafen Orgaz, das die Bestattung des frommen Grafen durch eine Reihe von Stadtvätern und Kirchenfiguren aus Toledo zeigt, darunter St. Augustinus und St. Stephen, da es der Legende nach eine Reihe mysteriöser Umstände zu dieser Bestattung gab (der Graf starb 1323). Über der Grabszene bittet die Seele des Grafen mit der Fürsprache der Jungfrau Maria um den Eintritt in den Himmel. Es gibt sehr wenig, was die 2 Szenen zusammenhält, außer der Farbe Gelb. El Grecos Porträt von Kardinal Guevera, dem Hauptinquisitor in Spanien, verliert ein wenig von der Mystik, gewinnt aber einen interessanten psychologischen Aspekt. Hier sitzt der Kardinal in seinen bewässerten Seidenroben, mit einer Hand an der Lehne seines Stuhls und einem mysteriösen Stück Papier zu seinen Füßen. Der Kardinal scheint den Betrachter schief anzusehen, als wäre er mit einigen seiner Aufgaben als Oberinquisitor beschäftigt.

El Greco, Das Begräbnis des Grafen Orgaz, 1586-1588 (Foto von El Greco – Eigene Arbeit, gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38746498)

El Greco, Porträt von Kardinal Fernando Niño de Guevera, 1600 (Foto von El Greco – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Vertrieben von DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Gemeinfrei, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=152204)

Es gab auch Veränderungen in der Architektur in dieser Zeit, wie der Entwurf der Kirche Il Gesù in Rom von Giacomo da Vignola. Dies war die Mutterkirche des Jesuitenordens, ein neuer Orden militanter Brüder, der aus der Gegenreformation hervorging und Keuschheitsgelübde ablegte, Gehorsam, Armut, und ein spezifisches Gelübde des Gehorsams gegenüber dem Papst. Diese Priester würden die Erzieher der katholischen Kirche sein. Il Gesù wurde von Alexander Kardinal Farnese bezahlt, was die Inschrift auf der Vorderseite erklärt, ansonsten aber eine vereinfachte Version vieler früherer Renaissancekirchen ist. Es gibt die Hinweise auf die Dreifaltigkeit, und der Plan hat ein breites Kirchenschiff mit Seitenkapellen ohne Seitenschiffe. Das Innere wurde in einem aufwändigeren Barockstil als ursprünglich beabsichtigt fertiggestellt, aber die Vereinfachungen der Kirche spiegeln die Aussagen des Konzils von Trient wider.

Giacomo da Vignola, Il Gesù, Rom, c. 1575-1584, Fassade und Plan (Fotos Von I, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2449146)

Die Spätrenaissance war politisch, religiös und künstlerisch eine Zeit großer Umwälzungen. In vielerlei Hinsicht bildet diese Zeit die Bühne für den Barock ebenso wie für die Innovationen der Hochrenaissance. Die Künstler dieser Zeit reagierten auch auf die Rationalität der Hochrenaissance und lehnten sie in vielerlei Hinsicht ab.