Michał Anioł jest jednym z najważniejszych artystów włoskiego renesansu. Jego najznakomitsze prace prezentowane są w Watykanie, słynnie w Bazylice św. Piotra i Kaplicy Sykstyńskiej…
„Pietà” (1499) Michała Anioła (di Lodovico Buonarroti Simoni)
ten marmurowy posąg jest uważany przez wielu za najczystszy wyraz geniuszu Michała Anioła. To połączenie stylu klasycznego z bardziej płynnym naturalizmem. Poziom rzemiosła jest wyjątkowy, podobnie jak atmosfera spokoju i spokoju, które wywołuje. Maryja, daleka od rozpaczy, zamiast tego jest pokazana, że przyjmuje ofiarę, którą ona i jej zmarły syn złożyli, pocieszoną ich całkowitą ufnością w zmartwychwstanie.
Michał Anioł wyjaśnił, że młodzieńcze oblicze Dziewicy opiera się na wspomnieniach własnej matki, która zmarła, gdy miał pięć lat. To i zamiar ukazania jej jako wiecznej i nieskazitelnej, doprowadziły do tego, że Maryja z Piety okazała się o wiele bardziej młodzieńcza i pogodna niż większość innych metod leczenia tego tematu.
rzemiosło techniczne jest zadziwiające, zwłaszcza biorąc pod uwagę narzędzia i techniki czasu — tylko młotek i dłuto, narzędzia ręczne i różne gatunki ziarna używane do wygładzania i polerowania. Jednak rzeźbione fałdy mówią o miękkości tkaniny, a kamienne ciało wygląda tak, jakby ulegało naciskowi dotyku.
rzeźba jest naturalistyczna, choć nie realistyczna. Obie figury są anatomicznie poprawne, ale proporcje zostały dostosowane ze względu na równowagę i symbolikę. Maryja jest o wiele za duża w porównaniu z postacią Jezusa. To celowe zniekształcenie pozwala jej trzymać ciało z pozorną łatwością. Tworzy również piramidalną strukturę kompozycji, tworząc dynamikę w górę, aby wskazać symboliczną podróż z ziemi do nieba w nadchodzącym Wniebowstąpieniu.
w sztuce starożytnej wielkość postaci często określała ich znaczenie i takie podejście utrzymywało się w niektórych średniowiecznych przykładach. Tutaj jednak artysta manipuluje językiem wizualnym w różnych celach. Subtelna gra na skalę pomaga wywołać reakcję emocjonalną, którą zamierza, a także wprowadza narrację.
Michał Anioł ponownie rzuca Chrystusa jako dziecko i w ten sposób wypełnia opowieść, czyniąc dzieło bardziej o ponownym Narodzeniu niż o śmierci, podkreślając jednocześnie więź między matką a dzieckiem. Widzowi przypomina się wiele innych przedstawień Matki Boskiej trzymającej Dzieciątko Jezus na początku jego życia, które miały doprowadzić do tego momentu, 33 lata później. Jest to moment pomiędzy ukrzyżowaniem a Zmartwychwstaniem, w którym Maryja musi pocieszyć się tylko wiarą — głównym motywem w chrześcijaństwie i centralnym dla religijnego święta Wielkanocy.
Michał Anioł miał 24 lata, kiedy otrzymał tę prowizję. Był to pomnik pogrzebowy Kardynała Jeana de Bilhères, ale później został przeniesiony do własnej dedykowanej kaplicy w Bazylice św. Piotra na Watykanie. To jedyny pomnik, który podpisał. Mówi się, że wstydził się tego czynu, twierdząc, że stał się zbyt emocjonalny, gdy podsłuchał, jak ktoś błędnie przypisuje statuetkę rywalizującemu artyście. Później czuł się winny dumy. Nigdy więcej nie podpisał żadnej ze swoich prac. Od dawna jest oklaskiwany jako największe dzieło rzeźby renesansowej i do dziś pozostaje punktem odniesienia, na podstawie którego ocenia się wszystkie figuratywne posągi-jeśli nie można mu pozwolić czuć się dumnym z tego osiągnięcia … to niech to będzie lekcja dla nas wszystkich!
obrazy z Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1541) Michała Anioła
byłoby to najbardziej prestiżowe zlecenie dla każdego artysty z tamtych czasów, które miał zatrudnić papież (Juliusz drugi) do dekoracji głównej kaplicy w Pałacu Watykańskim. Michał Anioł początkowo odmówił! Chciał skoncentrować się na zleceniach rzeźbiarskich, z których jedno było na własny grób papieża.
Papież jednak nie zgodził się na odmowę i po ciągłych negocjacjach ostatecznie przekonał Michała Anioła do objęcia Komisji. Wydaje się, że zwycięskim czynnikiem było to, że papież zgodził się pozwolić Michałowi Aniołowi na swobodę artystyczną decydowania, co namaluje na suficie i jak to przedstawi. Papież nalegał, aby obrazy były bogate w znaczenie, ale poza tym pozostawił treść w gestii artysty, podlegającą ciągłemu przeglądowi i zatwierdzaniu, oczywiście.
kolejną klauzulą kontraktu było pozwolenie Michałowi Aniołowi na pracę wyłącznie nad projektem. Pisarz Vasari mówi nam, że Michał Anioł pracował solo nad obrazami, nie pozwalając nawet asystentom szlifować i mieszać swoich pigmentów. Było to bardzo niezwykłe, ponieważ większość renesansowych Mistrzów rysowałaby pełnowymiarowe „kreskówki” dla takiego przedsięwzięcia, a następnie zespół asystentów i uczniów śledził projekty i wypełniał większość kolorów. Mistrz dopiero wtedy wkroczył do pracy nad „ważnymi” detalami, takimi jak ręce i twarze.