kiedy amerykańscy przywódcy dyskutują o tym, jak imigracja ukształtowała Stany Zjednoczone, nigdy nie wspominają o teatrze muzycznym. Może powinni.
„nie byłoby musicali na Broadwayu, gdyby drzwi Ameryki nie były szeroko otwarte dla imigrantów”, mówi David Armstrong, instruktor partnerski w UW School of Drama, który postrzega powstanie Broadwayu jako w dużej mierze historię imigracji. Armstrong dzieli się tą historią w nowym kursie, musicalu na Broadwayu: jak imigranci, pedały, Żydzi i Afroamerykanie stworzyli charakterystyczną dla Ameryki formę sztuki.
David Armstrong przed 5th Avenue Theater, gdzie przez prawie dwie dekady pełnił funkcję producenta wykonawczego i dyrektora artystycznego.Nośnik: Mark Kitaoka
pasja Armstronga do teatru muzycznego zaczęła się, gdy miał zaledwie siedem lat. Jego matka, chcąc zabrać go i jego siostrę na film Dumbo, omyłkowo zabrała ich do musicalu Gypsy zamiast o striptizerce. Był zahipnotyzowany.
„na szczęście moja matka nie była spięta, więc nie zmusiła nas do opuszczenia teatru”, śmieje się Armstrong, którego kariera w teatrze obejmuje 18 lat jako producenta wykonawczego i dyrektora artystycznego 5th Avenue Theater w Seattle. „Interesują mnie wszystkie rodzaje teatru, ale uważam, że teatr muzyczny ma największy wpływ, ponieważ wpływa na nas na wszystkich poziomach — intelektualnym, fizycznym i emocjonalnym.”
Armstrong wyjaśnia, że teatr muzyczny rozpoczął swoją działalność po ogromnej fali irlandzkiej imigracji pod koniec XIX wieku. szczególne znaczenie miał George M. Cohan, którego dziadkowie należeli do tych irlandzkich imigrantów. Cohan był pisarzem, reżyserem, producentem i performerem, który zapoczątkował Teatr muzyczny jako odrębny gatunek na początku XX wieku. „to była era” irlandzkiego nie trzeba stosować”, mówi Armstrong. – Szerzyła się dyskryminacja irlandzkich imigrantów. Kiedy George M. Cohan stanął na scenie i zaśpiewał „I’ m a Yankee Doodle Dandy”, było to wielkie polityczne oświadczenie.”
mniej więcej w tym samym czasie żydowscy imigranci przybyli z Europy Wschodniej, a Afroamerykanie przenieśli się do Nowego Jorku z południa, dalej rozwijając formę sztuki. Podobnie jak Irlandczycy, grupy te borykały się z dyskryminacją i miały niewiele możliwości awansu. Ale publiczność średniej i wyższej klasy, która uczęszczała na przedstawienia teatralne, patrzyła z góry na występy jako zawód, pozostawiając to pole szeroko otwarte dla klas niższych. Dla tych, którzy mieli talent, Teatr muzyczny był wyjściem z biedy.
nie byłoby musicali na Broadwayu, gdyby drzwi Ameryki nie były szeroko otwarte dla imigrantów.
tak było w przypadku Irvinga Berlina, który przybył do USA z Rosji w wieku pięciu lat i dorastał tańcząc za grosze na Lower East Side. Z niewielkim wykształceniem i bez formalnego wykształcenia muzycznego, Berlin został laureatem nagrody America ’ s songwriter, pisząc tysiące piosenek, w tym God Bless America, White Christmas i Easter Parade, a także 17 kompletnych partytur do broadwayowskich musicali i rewii, w tym Annie Get Your Gun.
David Armstrong ma nadzieję, że jego kurs na zawsze zmieni sposób, w jaki uczniowie patrzą na musicale. Media credit: Sasha Im
znany autor tekstów piosenek Cole Porter i inni członkowie społeczności queer byli również wśród osób pracujących na najwyższych szczeblach Teatru Muzycznego Od samego początku. „Dla społeczności queer początek XX wieku był okresem bardzo otwartym”, mówi Armstrong. „Ludzie nie byli całkiem otwarcie gejami, ale prawie. Były one cenione i w dużej mierze akceptowane w tamtym świecie.”
Armstrong przedstawia wszystkich tych pionierów Teatru Muzycznego w swoim kursie, tkając ogromny wpływ afroamerykańskich pisarzy i wykonawców oraz mniej widoczny, ale znaczący wkład kobiet pracujących jako autorki piosenek, projektantki oświetlenia i choreografki. Następnie śledzi wyboistą drogę teatru muzycznego, która obejmowała okresy wielkiej popularności, a następnie schyłku i ewolucji.
pierwszy upadek gatunku nastąpił podczas Wielkiego Kryzysu, kiedy tylko wyrafinowana elita mogła sobie pozwolić na bilety. Liczba produkcji spadła o połowę, a pokazy stały się bardziej miejskie i wyrafinowane, aby przyciągnąć publiczność. W tym okresie Hollywood rozpoczęło produkcję musicali filmowych, poszerzając widownię. W 1943 roku „Oklahoma” Rogersa i Hammersteina pojawiła się na Broadwayu. Połączył swoją historię, śpiew i taniec bardziej spójnie niż jakikolwiek inny spektakl wcześniej, zapoczątkowując Złoty Wiek musicali, który trwał prawie 30 lat.
„wszystkie klasyki pochodzą z tego okresu”, mówi Armstrong, który wyjaśnia, że przed Oklahomą Operetki, Rewia i komedie muzyczne były zabawne, ale bardzo luźno skonstruowane. Nowa forma i fenomenalny sukces Oklahomy zaowocowały kolejnymi serialami zbudowanymi wokół historii i postaci. „To była ewolucja, ale raczej transformacja”, mówi Armstrong. „Stała się o wiele bardziej wpływową formą sztuki.”
to nasza wielka amerykańska Sztuka i cieszę się, że mogę się nią podzielić.
kolejny wstrząs nastąpił wraz z wojną w Wietnamie, kiedy rosnący cynizm doprowadził do pokazów takich jak Cabaret i Sweeney Todd, które zawierały Mroczne Motywy i antybohaterów. Broadwayowscy Kompozytorzy początkowo zachwiali się popularnością muzyki rock and roll, ale ostatecznie włączyli rock i inne style popowe, trend, który kontynuował. Dzisiejszy cieszący się dużym powodzeniem Hamilton, z muzyką hip-hopową, zapoczątkował kolejny Renesans i wprowadził nowe pokolenie na Broadway.
większość uczniów zna Hamiltona, ale zadania domowe wprowadzają ich do programów, które były wcześniej. Armstrong przypisuje filmowe wersje wybranych musicali, często łącząc pokazy z różnych epok w celu zbadania podobieństw tematycznych. (Zarówno Cygańskie, jak i lakier do włosów, przedstawiają transgresyjne kobiety, które odmawiają przestrzegania zasad.) Prezentuje również klipy w klasie, a uczniowie biorą udział w produkcji UW i dwóch musicalach w Teatrze 5th Avenue w ciągu kwartału — ten ostatni za ułamek zwykłej ceny dzięki jego znajomości.
dzięki temu zanurzeniu uczniowie odkrywają wspólne tematy w musicalach. Najbardziej wszechobecny jest wyścig, od Showboat w 1920 roku do West Side Story w 1950 roku do Hamilton dziś. „W ciągu 120-letniej historii teatru muzycznego około 37 musicali traktowało rasę jako główny temat”, mówi Armstrong, który spędza pełną sesję lekcyjną na zgłębianiu tego tematu.
pod koniec kwartału uczniowie wymyślą własne pomysły na nowy musical, który przedstawią panelowi profesjonalistów z branży, mając nadzieję na pokazanie, w jaki sposób ich historia skorzystałaby z tej wyjątkowej formy opowiadania historii. Uczniowie raczej nie wymyślą kolejnego Hamiltona, ale Armstrong ma nadzieję, że projekt klasowy i Kurs na zawsze zmieni sposób, w jaki patrzą na musicale.
„po tych zajęciach ci uczniowie już nigdy nie zobaczą musicali w ten sam sposób” – mówi Armstrong. „Docenią formę i będą postrzegać ją jako ważny element kultury. To nasza wielka amerykańska Sztuka i cieszę się, że mogę się nią podzielić.”