Cuando los líderes estadounidenses discuten cómo la inmigración ha dado forma a los Estados Unidos, nunca mencionan el teatro musical. Tal vez deberían.
» No habría musicales de Broadway si las puertas de Estados Unidos no se hubieran abierto de par en par a los inmigrantes», dice David Armstrong, instructor afiliado de la Escuela de Drama de UW, quien ve el ascenso del musical de Broadway como una historia de inmigración. Armstrong comparte esa historia en un nuevo curso, The Broadway Musical: How Immigrants, Queers, Jews, and African Americans Created America’s Signature Art Form.
David Armstrong fuera del Teatro de la 5ta Avenida, donde se desempeñó como productor ejecutivo y director artístico durante casi dos décadas.Crédito de los medios: Mark Kitaoka
La pasión de toda la vida de Armstrong por el teatro musical comenzó cuando tenía solo siete años. Su madre, con la intención de llevarlo a él y a su hermana a ver la película Dumbo, los llevó por error a la película musical Gypsy en su lugar, sobre una stripper. Estaba hipnotizado.
«Afortunadamente, mi madre no estaba tensa, por lo que no nos hizo salir del teatro», se ríe Armstrong, cuya carrera en el teatro ha incluido 18 años como productora ejecutiva y directora artística del Teatro de la 5ta Avenida de Seattle. «Estoy interesado en todo tipo de teatro, pero creo que el teatro musical es el más impactante porque nos afecta a todos los niveles: intelectual, físico y emocional.»
Armstrong explica que el teatro musical comenzó tras una gran ola de inmigración irlandesa a finales de 1800, de particular importancia fue George M. Cohan, cuyos abuelos se encontraban entre los inmigrantes irlandeses. Cohan fue un escritor, director, productor e intérprete que lanzó el teatro musical como un género distinto a principios de 1900. «Esta era la era de ‘El irlandés no necesita aplicarse'», dice Armstrong. «La discriminación contra los inmigrantes irlandeses era rampante. Cuando George M. Cohan se paró en el escenario y cantó ‘Soy un Dandy Yanqui de garabatos’, esa fue una gran declaración política.»
Casi al mismo tiempo, los inmigrantes judíos llegaron de Europa del Este y los afroamericanos se mudaron a Nueva York desde el Sur, desarrollando aún más la forma de arte. Al igual que los irlandeses, estos grupos se enfrentaban a la discriminación y tenían pocas oportunidades de progreso. Pero el público de clase media y alta que asistía a las representaciones teatrales menospreciaba la actuación como una profesión, dejando ese campo abierto para las clases más bajas. Para aquellos que tenían talento, el teatro musical era una forma de salir de la pobreza.
No habría musicales de Broadway si las puertas de Estados Unidos no se hubieran abierto de par en par a los inmigrantes.
Ese fue el caso de Irving Berlin, que llegó a Estados Unidos desde Rusia a los cinco años y creció bailando por centavos en el Lower East Side. Con poca educación y sin formación musical formal, Berlín se convirtió en el laureado compositor estadounidense, escribiendo miles de canciones, incluyendo God Bless America, White Christmas y Easter Parade, así como 17 partituras completas para musicales y revistas de Broadway, incluida Annie Get Your Gun.
David Armstrong espera que su curso cambie para siempre la forma en que los estudiantes ven los musicales. Crédito de los medios: Sasha Im
El reconocido compositor Cole Porter y otros miembros de la comunidad queer también estuvieron entre los que trabajaron en los más altos niveles del teatro musical desde el principio. «Para la comunidad queer, principios del siglo XX fue un período muy abierto», dice Armstrong. «La gente no era abiertamente gay, pero casi. Fueron valorados y ampliamente aceptados en ese mundo.»
Armstrong presenta a todos estos pioneros del teatro musical en su curso, tejiendo la enorme influencia de escritores e intérpretes afroamericanos, y la contribución menos visible pero significativa de las mujeres que trabajan como compositoras, diseñadoras de iluminación y coreógrafas. A continuación, recorre el camino accidentado del teatro musical, que ha incluido períodos de gran popularidad seguidos de declive y evolución.
El primer declive del género se produjo durante la Gran Depresión, cuando solo la élite sofisticada podía permitirse entradas. El número de producciones se redujo a la mitad, y los espectáculos se volvieron más urbanos y sofisticados para atraer a una audiencia. Hollywood comenzó a producir musicales cinematográficos durante este período, ampliando la audiencia. Luego, en 1943, Oklahoma de Rogers y Hammerstein llegó a Broadway. Integró su historia, canción y danza de manera más cohesiva que cualquier espectáculo anterior, marcando el comienzo de una Edad de Oro para los musicales que duraría casi 30 años.
» Todos los clásicos provienen de ese período», dice Armstrong, quien explica que antes de Oklahoma, las operetas, revistas y comedias musicales eran entretenidas pero de construcción muy imprecisa. La nueva forma de Oklahoma y el éxito fenomenal llevaron a otros espectáculos construidos en torno a la historia y los personajes. «Fue una evolución, pero se sintió más como una transformación», dice Armstrong. «Se convirtió en una forma de arte mucho más impactante.»
Es nuestra gran forma de arte estadounidense, y estoy encantado de compartirla.
Otra sacudida vino con la Guerra de Vietnam, cuando un cinismo creciente llevó a espectáculos como Cabaret y Sweeney Todd que presentaban temas más oscuros y antihéroes. Los compositores de Broadway inicialmente se irritaron con la popularidad de la música rock and roll, pero finalmente incorporaron el rock y otros estilos pop, una tendencia que ha continuado. El exitoso Hamilton de hoy en día, con música hip hop, ha dado paso a otro Renacimiento e introducido a una nueva generación en Broadway.
La mayoría de los estudiantes están familiarizados con Hamilton, pero las tareas escolares los introducen en los programas anteriores. Armstrong asigna versiones cinematográficas de musicales seleccionados, a menudo emparejando espectáculos de diferentes épocas para explorar similitudes temáticas. (Tanto Gitana como Laca para el cabello, por ejemplo, presentan a mujeres transgresoras que se niegan a seguir las reglas. También presenta clips en clase, y hace que los estudiantes asistan a una producción de UW y dos musicales en el Teatro 5th Avenue durante el trimestre, este último a una fracción del precio habitual gracias a sus conexiones.
A través de esta inmersión, los estudiantes descubren temas comunes en los musicales. La más omnipresente es la raza, desde Showboat en la década de 1920 hasta West Side Story en la década de 1950 y Hamilton en la actualidad. «A lo largo de los 120 años de historia del teatro musical, alrededor de 37 musicales han tratado la raza como tema principal», dice Armstrong, quien pasa una sesión de clase completa explorando el tema.
Hacia el final del trimestre, los estudiantes idearán sus propias ideas para un nuevo musical, que presentarán a un panel de profesionales de la industria, con la esperanza de demostrar cómo su historia se beneficiaría de esta forma única de contar historias. Es poco probable que los estudiantes inventen el próximo Hamilton, pero Armstrong espera que el proyecto de la clase y el curso cambien para siempre la forma en que ven los musicales.
«Después de esta clase, estos estudiantes nunca volverán a ver musicales de la misma manera», dice Armstrong. «Apreciarán la forma y la verán como una importante piedra de toque cultural. Es nuestra gran forma de arte estadounidense, y estoy encantado de compartirla.»