Wenn amerikanische Führer diskutieren, wie Einwanderung die Vereinigten Staaten geprägt hat, sie erwähnen nie Musiktheater. Vielleicht sollten sie.
„Es gäbe keine Broadway-Musicals, wenn Amerikas Türen für Einwanderer nicht weit geöffnet worden wären“, sagt David Armstrong, Affiliate-Lehrer an der UW School of Drama, der den Aufstieg des Broadway-Musicals als weitgehend eine Einwanderungsgeschichte betrachtet. Armstrong teilt diese Geschichte in einem neuen Kurs, dem Broadway-Musical: Wie Einwanderer, Queers, Juden und Afroamerikaner Amerikas charakteristische Kunstform schufen.
David Armstrong vor dem 5th Avenue Theatre, wo er fast zwei Jahrzehnte lang als ausführender Produzent und künstlerischer Leiter tätig war.Bildnachweis: Mark Kitaoka
Armstrongs lebenslange Leidenschaft für Musiktheater begann, als er gerade sieben Jahre alt war. Seine Mutter, die beabsichtigte, ihn und seine Schwester mitzunehmen, um den Film Dumbo zu sehen, brachte sie fälschlicherweise stattdessen zum Filmmusical Gypsy, über eine Stripperin. Er war fasziniert.
„Zum Glück war meine Mutter nicht verklemmt, also hat sie uns nicht gezwungen, das Theater zu verlassen“, lacht Armstrong, dessen Karriere im Theater 18 Jahre als ausführender Produzent und künstlerischer Leiter des 5th Avenue Theatre in Seattle umfasst. „Ich interessiere mich für alle Arten von Theater, aber ich denke, Musiktheater ist das wirkungsvollste, weil es uns auf allen Ebenen betrifft – intellektuell, physisch und emotional.“
Armstrong erklärt, dass das Musiktheater seinen Anfang nach einer riesigen Welle irischer Einwanderung in den späten 1800er Jahren nahm. Von besonderer Bedeutung war George M. Cohan, dessen Großeltern zu diesen irischen Einwanderern gehörten. Cohan war ein Schriftsteller, Regisseur, Produzent und Performer, der das Musiktheater in den frühen 1900er Jahren als eigenständiges Genre ins Leben rief. „Dies war die Ära von ‚Irish need not apply'“, sagt Armstrong. „Die Diskriminierung irischer Einwanderer war weit verbreitet. Als George M. Cohan auf der Bühne stand und ‚I’m a Yankee Doodle Dandy‘ sang, war das ein großes politisches Statement.“
Etwa zur gleichen Zeit kamen jüdische Einwanderer aus Osteuropa und Afroamerikaner zogen aus dem Süden nach New York und entwickelten die Kunstform weiter. Wie die Iren waren diese Gruppen diskriminiert und hatten nur wenige Aufstiegschancen. Aber das Publikum der Mittel- und Oberschicht, das Theateraufführungen besuchte, sah auf die Leistung als Beruf herab und ließ dieses Feld für die unteren Klassen weit offen. Für diejenigen, die Talent hatten, war Musiktheater ein Ausweg aus der Armut.
Es gäbe keine Broadway-Musicals, wenn Amerikas Türen nicht für Einwanderer weit geöffnet worden wären.
Das war der Fall für Irving Berlin, der im Alter von fünf Jahren aus Russland in die USA kam und auf der Lower East Side für ein paar Cent tanzte. Mit wenig Bildung und ohne formale musikalische Ausbildung wurde Berlin Amerikas Songwriter Laureate und schrieb Tausende von Songs, darunter God Bless America, White Christmas und Easter Parade, sowie 17 komplette Partituren für Broadway-Musicals und Revuen, darunter Annie Get Your Gun.
David Armstrong hofft, dass sein Kurs die Sichtweise der Schüler auf Musicals für immer verändern wird. Bildnachweis: Sasha Im
Der renommierte Songwriter Cole Porter und andere Mitglieder der queeren Community gehörten von Anfang an zu denen, die auf höchstem Niveau des Musiktheaters arbeiteten. „Für die queere Community war das frühe 20.Jahrhundert eine sehr offene Zeit“, sagt Armstrong. „Die Leute waren nicht ganz offen schwul, aber fast. Sie wurden in dieser Welt geschätzt und weitgehend akzeptiert.“
Armstrong zeigt all diese Pioniere des Musiktheaters in seinem Kurs und verwebt den großen Einfluss afroamerikanischer Schriftsteller und Performer sowie den weniger sichtbaren, aber bedeutenden Beitrag von Frauen, die als Songwriterinnen, Lichtdesignerinnen und Choreografinnen arbeiten. Er zeichnet dann den holprigen Weg des Musiktheaters nach, der Perioden großer Popularität beinhaltete, gefolgt von Niedergang und Entwicklung.
Der erste Niedergang des Genres kam während der Weltwirtschaftskrise, als sich nur die anspruchsvolle Elite Tickets leisten konnte. Die Anzahl der Produktionen sank um die Hälfte, und die Shows wurden urbaner und raffinierter, um ein Publikum anzulocken. Hollywood begann in dieser Zeit mit der Produktion von Filmmusicals und erweiterte das Publikum. 1943 kamen Rogers und Hammersteins Oklahoma an den Broadway. Es integrierte seine Geschichte, Lied, und Tanz zusammenhängender als jede Show zuvor, ein Goldenes Zeitalter für Musicals einläuten, die fast dauern würde 30 Jahre.
„Alle Klassiker stammen aus dieser Zeit“, sagt Armstrong, der erklärt, dass Operetten, Revuen und Musikkomödien vor Oklahoma unterhaltsam, aber sehr locker konstruiert waren. Oklahomas neue Form und phänomenaler Erfolg führten zu anderen Shows, die sich um Geschichte und Charaktere drehten. „Es war eine Evolution, aber es fühlte sich eher wie eine Transformation an“, sagt Armstrong. „Es wurde eine viel wirkungsvollere Kunstform.“
Es ist unsere große amerikanische Kunstform, und ich bin begeistert, es zu teilen.
Eine weitere Erschütterung kam mit dem Vietnamkrieg, als ein wachsender Zynismus zu Shows wie Cabaret und Sweeney Todd führte, die dunklere Themen und Antihelden enthielten. Broadway-Komponisten schrieben zunächst an der Popularität von Rock’n’Roll-Musik, aber schließlich integriert Rock und andere Pop-Stile, ein Trend, der sich fortgesetzt hat. Das heute weithin erfolgreiche Hamilton mit Hip-Hop-Musik hat eine weitere Renaissance eingeläutet und eine neue Generation in den Broadway eingeführt.
Die meisten Schüler sind mit Hamilton vertraut, aber Hausaufgaben führen sie in Shows ein, die vorher kamen. Armstrong ordnet Filmversionen ausgewählter Musicals zu, Oft werden Shows aus verschiedenen Epochen kombiniert, um thematische Ähnlichkeiten zu erkunden. (Sowohl Gypsy als auch Hairspray zum Beispiel zeigen transgressive Frauen, die sich weigern, die Regeln zu befolgen.) Er präsentiert auch Clips im Unterricht und lässt die Schüler im Quartal eine UW—Produktion und zwei Musicals im 5th Avenue Theatre besuchen – letzteres dank seiner Verbindungen zu einem Bruchteil des üblichen Preises.
Durch dieses Eintauchen entdecken die Schüler gemeinsame Themen in Musicals. Das allgegenwärtigste ist das Rennen, von Showboat in den 1920er Jahren über West Side Story in den 1950er Jahren bis hin zu Hamilton heute. „In der 120-jährigen Geschichte des Musiktheaters haben sich etwa 37 Musicals mit der Rasse als Hauptthema befasst“, sagt Armstrong, der eine ganze Unterrichtsstunde damit verbringt, das Thema zu erforschen.
Gegen Ende des Quartals werden die Schüler ihre eigenen Ideen für ein neues Musical ausdenken, das sie einer Gruppe von Branchenfachleuten vorstellen werden, in der Hoffnung zu demonstrieren, wie ihre Geschichte von dieser einzigartigen Form des Geschichtenerzählens profitieren würde. Es ist unwahrscheinlich, dass die Schüler den nächsten Hamilton finden, aber Armstrong hofft, dass das Klassenprojekt und der Kurs die Art und Weise, wie sie Musicals betrachten, für immer verändern werden.
„Nach diesem Unterricht werden diese Schüler Musicals nie wieder auf die gleiche Weise sehen“, sagt Armstrong. „Sie werden die Form schätzen und sie als wichtigen kulturellen Prüfstein sehen. Es ist unsere große amerikanische Kunstform, und ich bin begeistert, es zu teilen.“