Michelangelo ist einer der bedeutendsten Künstler der italienischen Renaissance. Seine erfolgreichsten Arbeiten werden in Roms Vatikanstadt ausgestellt, berühmt im Petersdom und in der Sixtinischen Kapelle…
Die ‚Pietà‘ (1499) von Michelangelo (di Lodovico Buonarroti Simoni)
Diese Marmorstatue wird von vielen als der klarste Ausdruck von Michelangelos Genie angesehen. Es ist eine Verschmelzung des klassischen Stils mit einem viel flüssigeren Naturalismus. Das Niveau des Handwerks ist außergewöhnlich, ebenso wie die Atmosphäre des Friedens und der Gelassenheit, die es hervorruft. Maria, weit davon entfernt, vor Kummer verstört zu sein, wird stattdessen gezeigt, wie sie das Opfer annimmt, das sie und ihr toter Sohn gebracht haben, getröstet durch ihr volles Vertrauen in die Auferstehung.
Michelangelo erklärte, dass das jugendliche Gesicht der Jungfrau auf Erinnerungen an seine eigene Mutter beruhte, die starb, als er fünf Jahre alt war. Dies und die Absicht, sie als ewig und unbestechlich zu zeigen, führten dazu, dass Maria von Pietà weitaus jugendlicher und gelassener wirkte als die meisten anderen Behandlungen dieses Themas.
Das technische Handwerk ist erstaunlich, besonders wenn man die Werkzeuge und Techniken der Zeit betrachtet — nur Hammer und Meißel, Handwerkzeuge und verschiedene Körnungen zum Glätten und Polieren. Doch die geschnitzten Falten sprechen von Stoffweichheit und das Steinfleisch sieht aus, als würde es dem Druck der Berührung nachgeben.
Die Skulptur ist naturalistisch, wenn auch nicht realistisch. Beide Figuren sind anatomisch korrekt, jedoch wurde die Proportionierung aus Gründen des Gleichgewichts und der Symbolik angepasst. Maria ist viel zu groß im Vergleich zur Gestalt Jesu. Diese bewusste Verzerrung ermöglicht es ihr, den Körper mit scheinbarer Leichtigkeit zu halten. Es schafft auch die pyramidenförmige Struktur der Komposition, die eine Aufwärtsdynamik erzeugt, um die symbolische Reise von der Erde zum Himmel im bevorstehenden Aufstieg anzuzeigen.
In der antiken Kunst bezeichnete die Größe einer Figur oft ihre Bedeutung, und dieser Ansatz blieb in einigen mittelalterlichen Beispielen bestehen. Hier manipuliert der Künstler jedoch seine Bildsprache zu unterschiedlichen Zwecken. Das subtile Spiel auf Skala hilft, die emotionale Reaktion zu entlocken er beabsichtigt, und führt auch eine Erzählung.
Michelangelo stellt Christus wieder als Kind dar und schließt so den Kreis, wobei es in dem Werk mehr um die Wiedergeburt als um den Tod geht und gleichzeitig die Bindung zwischen Mutter und Kind betont wird. Der Betrachter wird an die vielen anderen Darstellungen von Mutter Maria mit dem Jesuskind zu Beginn seines Lebens erinnert, die 33 Jahre später zu diesem Moment führen würden. Dies ist ein Moment zwischen der Kreuzigung und der Auferstehung, in dem Maria nur den Glauben trösten muss — ein Kernmotiv des Christentums und zentral für das religiöse Osterfest.
Michelangelo war 24 Jahre alt, als er diesen Auftrag erhielt. Es sollte das Grabdenkmal von Kardinal Jean de Bilhères sein, wurde aber später in eine eigene Kapelle im Petersdom in Vatikanstadt verlegt. Es ist die einzige Statue, die er unterschrieben hat. Es wird gesagt, dass er sich für diese Tat schämte und behauptete, er sei überemotional geworden, als er hörte, wie jemand die Statue fälschlicherweise einem rivalisierenden Künstler zuschrieb. Später fühlte er sich des Stolzes schuldig. Er unterschrieb nie wieder eines seiner Werke. Es wurde lange als das größte Werk der Renaissance-Skulptur gelobt und ist bis heute ein Maßstab, an dem alle figurativen Statuen gemessen werden — wenn man ihm nicht erlauben könnte, stolz auf diese Leistung zu sein … dann sei das eine Lektion für uns alle!
Die Gemälde der Sixtinischen Kapelle (1508-1541) von Michelangelo
Dies wäre der prestigeträchtigste Auftrag für einen Künstler dieser Zeit gewesen, der vom Papst (Julius dem Zweiten) mit der Dekoration einer großen Kapelle im Palast des Vatikans beauftragt wurde. Michelangelo lehnte es zunächst ab! Er wollte sich auf skulpturale Aufträge konzentrieren, von denen einer für das Grab des Papstes war.
Der Papst akzeptierte jedoch keine Ablehnung und überzeugte Michelangelo schließlich nach fortgesetzten Verhandlungen, den Auftrag anzunehmen. Es scheint, dass der Gewinnfaktor darin bestand, dass der Papst Michelangelo die künstlerische Freiheit einräumte, zu entscheiden, was er an die Decke malen und wie er sie darstellen würde. Der Papst bestand darauf, dass die Bilder reich an Bedeutung seien, überließ den Inhalt jedoch ansonsten dem Ermessen des Künstlers, der natürlich einer ständigen Überprüfung und Genehmigung unterliegt.
Eine weitere Klausel des Vertrages war, dass Michelangelo ausschließlich an dem Projekt arbeiten durfte. Der Schriftsteller Vasari erzählt uns, dass Michelangelo alleine an den Gemälden gearbeitet hat und nicht einmal Assistenten erlaubt hat, seine Pigmente zu mahlen und zu mischen. Dies war höchst ungewöhnlich, da die meisten Renaissance-Meister für ein solches Unterfangen Cartoons in voller Größe gezeichnet hätten und dann ein Team von Assistenten und Studenten die Entwürfe nachzeichnen und die meisten Farben ausfüllen ließen. Der Meister würde erst dann einspringen, um an den ‚wichtigen‘ Details wie Händen und Gesichtern zu arbeiten.