Traditionelle Animation

CelsEdit

Dieses Bild zeigt, wie zwei transparente Zellen, auf denen jeweils ein anderes Zeichen gezeichnet ist, und ein undurchsichtiger Hintergrund zusammen fotografiert werden, um das zusammengesetzte Bild zu bilden.

Die Cel ist eine wichtige Innovation für die traditionelle Animation, da einige Teile jedes Frames von Frame zu Frame wiederholt werden können, wodurch Arbeit gespart wird. Ein einfaches Beispiel wäre eine Szene mit zwei Charakteren auf dem Bildschirm, von denen einer spricht und der andere schweigend steht. Da sich das letztere Zeichen nicht bewegt, kann es in dieser Szene nur mit einer Zeichnung auf einem Cel angezeigt werden, während mehrere Zeichnungen auf mehreren Cels verwendet werden, um das sprechende Zeichen zu animieren.

Betrachten Sie für ein komplexeres Beispiel eine Sequenz, in der ein Junge einen Teller auf einen Tisch legt. Die Tabelle bleibt für die gesamte Sequenz stehen, sodass sie als Teil des Hintergrunds gezeichnet werden kann. Der Teller kann zusammen mit dem Charakter gezeichnet werden, wenn der Charakter ihn auf den Tisch legt. Nachdem der Teller jedoch auf dem Tisch liegt, bewegt sich der Teller nicht mehr, obwohl sich der Junge weiter bewegt, während er seinen Arm vom Teller wegzieht. In diesem Beispiel, nachdem der Junge legt die Platte nach unten, die Platte kann dann von dem Jungen auf einem separaten cel gezogen werden. Weitere Rahmen zeigen neue Cels des Jungen, aber die Platte muss nicht neu gezeichnet werden, da sie sich nicht bewegt; Die gleiche Cel der Platte kann in jedem verbleibenden Rahmen verwendet werden, der sich noch auf dem Tisch befindet. Die Cel-Farben wurden tatsächlich in schattierten Versionen jeder Farbe hergestellt, um die zusätzliche Cel-Schicht auszugleichen, die zwischen dem Bild und der Kamera hinzugefügt wurde; In diesem Beispiel würde die Standplatte etwas heller gestrichen, um die Verschiebung um eine Schicht nach unten auszugleichen. In Fernseh- und anderen Low-Budget-Produktionen wurden Cels oft „zyklisch“ (d. H. Eine Folge von Cels wurde mehrmals wiederholt) und sogar archiviert und in anderen Episoden wiederverwendet. Nachdem der Film fertig war, wurden die Cels entweder weggeworfen oder, besonders in den frühen Tagen der Animation, sauber gewaschen und für den nächsten Film wiederverwendet. In einigen Fällen wurden einige der Cels in das „Archiv“ gestellt, um für zukünftige Zwecke immer wieder verwendet zu werden, um Geld zu sparen. Einige Studios retteten einen Teil der Cels und verkauften sie entweder in Studioläden oder überreichten sie als Geschenke an Besucher.

Medien abspielen

How Animated Cartoons Are Made (1919) mit Figuren aus ausgeschnittenem Papier

In sehr frühen Cartoons, die vor der Verwendung des Cel gemacht wurden, wie Gertie der Dinosaurier (1914), wurde der gesamte Rahmen, einschließlich des Hintergrunds und aller Charaktere und Gegenstände, auf ein einziges Blatt Papier gezeichnet und dann fotografiert. Für jeden Frame, der Bewegungen enthielt, musste alles neu gezeichnet werden. Dies führte zu einem „nervösen“ Erscheinungsbild; Stellen Sie sich vor, Sie sehen eine Folge von Zeichnungen eines Berges, von denen sich jede geringfügig von der vorherigen unterscheidet. Die Pre-Cel-Animation wurde später mit Techniken wie dem von Raoul Barre erfundenen Slash-and-Tear-System verbessert; Der Hintergrund und die animierten Objekte wurden auf separaten Papieren gezeichnet. Ein Rahmen wurde erstellt, indem alle leeren Teile der Papiere entfernt wurden, in denen die Objekte gezeichnet wurden, bevor sie auf die Hintergründe gelegt und schließlich fotografiert wurden. Der Cel-Animationsprozess wurde 1915 von Earl Hurd und John Bray erfunden.

Begrenzte animationbearbeiten

In Produktionen mit geringerem Budget werden Verknüpfungen, die über die Cel-Technik verfügbar sind, häufig verwendet. Zum Beispiel in einer Szene, in der ein Mann in einem Stuhl sitzt und spricht, können der Stuhl und der Körper des Mannes in jedem Bild gleich sein; nur sein Kopf wird neu gezeichnet, oder vielleicht bleibt sogar sein Kopf gleich, während sich nur sein Mund bewegt. Dies wird als begrenzte Animation bezeichnet. Der Prozess wurde in theatralischen Cartoons von United Productions of America populär gemacht und in den meisten Fernsehanimationen verwendet, insbesondere in der von Hanna-Barbera. Das Endergebnis sieht nicht sehr lebensecht aus, ist aber kostengünstig zu produzieren und ermöglicht daher die Erstellung von Cartoons mit kleinen Fernsehbudgets.

„Shooting on twos“Edit

Bewegte Charaktere werden oft „zu zweit“ gedreht, das heißt, es wird eine Zeichnung für jeweils zwei Bilder des Films gezeigt (der normalerweise mit 24 Bildern pro Sekunde läuft), was bedeutet, dass es nur 12 Zeichnungen pro Sekunde gibt. Obwohl die Bildaktualisierungsrate niedrig ist, ist die Fluidität für die meisten Probanden zufriedenstellend. Wenn ein Charakter jedoch eine schnelle Bewegung ausführen muss, ist es normalerweise erforderlich, auf die Animation „on ones“ zurückzugreifen, da „twos“ zu langsam sind, um die Bewegung angemessen zu vermitteln. Eine Mischung der beiden Techniken hält das Auge ohne unnötige Produktionskosten getäuscht.

Der Oscar-nominierte Animator Bill Plympton ist bekannt für seinen Animationsstil, der nur sehr wenige Zwischensequenzen und Sequenzen verwendet, die auf 3s oder auf 4s ausgeführt werden, wobei jede Zeichnung von 1/8 bis 1/6 einer Sekunde auf dem Bildschirm gehalten wird. Während Plympton nahezu konstante Drei-Frame-Holds verwendet, wird manchmal eine Animation, die einfach durchschnittlich acht Zeichnungen pro Sekunde enthält, auch als „zu dritt“ bezeichnet und normalerweise durchgeführt, um Budgetbeschränkungen zu erfüllen, zusammen mit anderen Kostensenkungsmaßnahmen wie dem Halten derselben Zeichnung eines Charakters für eine längere Zeit oder Schwenken über ein Standbild, Techniken, die häufig in Low-Budget-TV-Produktionen verwendet werden. Es ist auch im Anime üblich, wo Fluidität anstelle einer Verschiebung in Richtung Komplexität in den Designs und Schattierungen geopfert wird (im Gegensatz zu den funktionaleren und optimierteren Designs in der westlichen Tradition); selbst High-Budget-Theater-Features wie Studio Ghibli nutzen die volle Bandbreite: von glatten Animationen „on ones“ in ausgewählten Aufnahmen (in der Regel schnelle Action-Akzente) bis hin zu gemeinsamen Animationen „on Threes“ für regelmäßige Dialoge und langsame Aufnahmen.

Animationsschleifenbearbeiten

Ein Pferd, das durch Rotoskopieren von Eadweard Muybridges Fotos aus dem 19. Die Animation besteht aus 8 Zeichnungen, die „geloopt“, also immer wieder wiederholt werden. Dieses Beispiel ist auch „Zu zweit gedreht“, d. H. Mit 12 Zeichnungen pro Sekunde gezeigt.

Das Erstellen von Animationsschleifen oder Animationszyklen ist eine arbeitssparende Technik zum Animieren sich wiederholender Bewegungen, z. B. eines Charakters beim Gehen oder einer Brise, die durch die Bäume weht. Beim Gehen wird der Charakter animiert, einen Schritt mit dem rechten Fuß und dann einen Schritt mit dem linken Fuß zu machen. Die Schleife wird so erstellt, dass die Bewegung nahtlos ist, wenn sich die Sequenz wiederholt.Da eine Animationsschleife jedoch im Wesentlichen immer wieder dasselbe Animationsbit verwendet, wird sie leicht erkannt und kann für ein Publikum tatsächlich ablenkend wirken. In der Regel werden sie von Produktionen mit moderatem oder hohem Budget nur sparsam eingesetzt.

Ryan Larkins 1969 für den Oscar nominierter National Film Board of Canada Short Walking macht kreativen Gebrauch von Loops. Darüber hinaus machte sich ein Werbemusikvideo aus den Groovies von Cartoon Network mit dem Soulsong „Circles“ über Animationsschleifen lustig, wie sie oft in The Flintstones zu sehen sind, in dem Fred und Barney (zusammen mit verschiedenen Hanna-Barbera-Charakteren, die ausgestrahlt wurden) Cartoon Network), angeblich in einem Haus spazieren, fragen sich, warum sie immer wieder am selben Tisch und derselben Vase vorbeigehen.

Multiplane-Prozessbearbeiten

Der Multiplane-Prozess ist eine Technik, die hauptsächlich verwendet wird, um zweidimensionalen Animationsfilmen ein Gefühl von Tiefe oder Parallaxe zu verleihen. Um diese Technik in der traditionellen Animation zu verwenden, wird das Kunstwerk gemalt oder auf separate Ebenen gelegt, die als Ebenen bezeichnet werden. Diese Ebenen, die typischerweise aus Scheiben aus transparentem Glas oder Plexiglas bestehen, werden dann ausgerichtet und mit bestimmten Abständen zwischen jeder Ebene platziert. Die Reihenfolge, in der die Ebenen platziert werden, und der Abstand zwischen ihnen wird durch das Element der Szene auf dem Fenster sowie die beabsichtigte Tiefe der gesamten Szene bestimmt. Eine Kamera, die über oder vor den Scheiben montiert ist, verschiebt ihren Fokus während der Aufnahme der einzelnen Animationsframes in Richtung oder von den Ebenen weg. Bei einigen Geräten können die einzelnen Ebenen zur Kamera hin oder von ihr weg bewegt werden. Dies vermittelt dem Betrachter den Eindruck, dass er sich wie in einem dreidimensionalen Raum durch die einzelnen Kunstschichten bewegt.

GeschichteBearbeiten

Vorgänger dieser Technik und der Ausrüstung, mit der sie implementiert wurde, tauchten Ende des 19. Bemalte Glasscheiben wurden oft in matten Aufnahmen und Glasaufnahmen verwendet, wie in der Arbeit von Norman Dawn zu sehen. 1923 konstruierten Lotte Reiniger und ihr Animationsteam eine der ersten Multiplanen-Animationsstrukturen, ein Gerät namens Tricktisch. Sein vertikales Design von oben nach unten ermöglichte die Einstellung einzelner stationärer Ebenen über Kopf. Der Tricktisch wurde bei den Dreharbeiten zu Die Abenteuer des Prinzen Achmed, einem der bekanntesten Werke von Reiniger, verwendet. Zukünftige Multiplane-Animationsgeräte würden im Allgemeinen das gleiche vertikale Design wie das Gerät von Reiniger verwenden. Eine bemerkenswerte Ausnahme von diesem Trend war die von Fleischer Studios entwickelte und verwendete Setback-Kamera. Dieses Gerät verwendete dreidimensionale Miniaturmodelle von Sets mit animierten Cels, die an verschiedenen Positionen innerhalb des Sets platziert waren. Diese Platzierung gab den Anschein von Objekten, die sich vor und hinter den animierten Charakteren bewegten, und wurde oft als Tabletop-Methode bezeichnet.

Das bekannteste Gerät für Multiplane-Animationen war die Multiplane-Kamera. Dieses Gerät, das ursprünglich vom ehemaligen Animator / Regisseur der Walt Disney Studios, Ub Iwerks, entworfen wurde, ist ein vertikaler Top-Down-Kamerakran, der Szenen auf mehreren, individuell einstellbaren Glasebenen aufnimmt. Die beweglichen Ebenen ermöglichten eine veränderbare Tiefe innerhalb einzelner animierter Szenen. In späteren Jahren würden Disney Studios diese Technologie für ihre eigenen Zwecke übernehmen. Die 1937 von William Garity entworfene Multiplane-Kamera für den Film Schneewittchen und die sieben Zwerge verwendete Kunstwerke, die auf bis zu sieben separaten, beweglichen Ebenen gemalt waren, sowie eine vertikale Top-Down-Kamera.

Der letzte Animationsfilm von Disney, der die Verwendung ihrer Multiplane-Kamera vorstellte, war Die kleine Meerjungfrau, obwohl die Arbeit ausgelagert wurde, da Disneys Ausrüstung zu dieser Zeit nicht funktionsfähig war. Die Nutzung der Multiplane-Kamera oder ähnlicher Geräte ging aufgrund der Produktionskosten und des Anstiegs der digitalen Animation zurück. Digitale Multiplane-Kameras, die größtenteils mit der Verwendung von CAPS beginnen, würden dazu beitragen, den Prozess des Hinzufügens von Ebenen und Tiefe zu animierten Szenen zu rationalisieren.

ImpactEdit

Die Verbreitung und Entwicklung von Multiplane-Animationen half Animatoren, Probleme mit Bewegungsverfolgung und Szenentiefe anzugehen, und reduzierte Produktionszeiten und -kosten für animierte Werke. In einer Aufnahme von 1957 erklärte Walt Disney, warum Motion Tracking ein Problem für Animatoren war und was Multiplane Animation tun könnte, um es zu lösen. Mit einem zweidimensionalen Standbild eines animierten Bauernhauses in der Nacht demonstrierte Disney, dass das Vergrößern der Szene mit traditionellen Animationstechniken der Zeit die Größe des Mondes vergrößerte. In der realen Erfahrung würde der Mond nicht an Größe zunehmen, wenn sich ein Betrachter einem Bauernhaus näherte. Die Multiplane-Animation löste dieses Problem, indem Mond, Bauernhaus und Ackerland in separate Ebenen unterteilt wurden, wobei der Mond am weitesten von der Kamera entfernt war. Um den Zoomeffekt zu erzeugen, wurden die ersten beiden Ebenen während der Dreharbeiten näher an die Kamera herangeführt, während das Flugzeug mit dem Mond in seiner ursprünglichen Entfernung blieb. Dies gab der Szene eine Tiefe und Fülle, die dem wirklichen Leben näher kam, was zu dieser Zeit für viele Animationsstudios ein herausragendes Ziel war.

XerographyEdit

Die elektrostatische Kopiertechnik namens Xerographie, die in den späten 1950er Jahren von Ub Iwerks im Walt Disney Studio auf Animationen angewendet wurde, ermöglichte es den Zeichnungen, direkt auf die Cels kopiert zu werden, wodurch ein Großteil des „Einfärbens“ des Ink-and-Paint-Prozesses entfällt. Dies sparte Zeit und Geld, und es machte es auch möglich, mehr Details zu setzen und die Größe der xeroxierten Objekte und Charaktere zu kontrollieren (dies ersetzte die wenig bekannte und selten verwendete fotografische Linientechnik bei Disney, die verwendet wurde, um die Größe der Animation bei Bedarf zu reduzieren). Zu Beginn, Es führte zu einem skizzenhafteren Aussehen, Aber die Technik wurde im Laufe der Zeit verbessert.

Der Disney-Animator und Ingenieur Bill Justice hatte 1944 einen Vorläufer des Xerox-Verfahrens patentiert, bei dem Zeichnungen, die mit einem speziellen Bleistift angefertigt wurden, durch Druck auf eine Zelle übertragen und dann fixiert wurden. Es ist nicht bekannt, ob das Verfahren jemals in der Animation verwendet wurde.

Die xerographische Methode wurde erstmals von Disney in einigen Szenen von Dornröschen getestet und erstmals vollständig im Kurzfilm Goliath II verwendet, während der erste Spielfilm, der dieses Verfahren vollständig verwendete, Einhundertein Dalmatiner (1961) war. Der grafische Stil dieses Films wurde stark vom Prozess beeinflusst. Einige Handfärbung wurde immer noch zusammen mit Xerographie in diesem und nachfolgenden Filmen verwendet, wenn deutliche farbige Linien benötigt wurden. Später wurden farbige Toner verfügbar, und mehrere verschiedene Linienfarben konnten sogar gleichzeitig verwendet werden. Zum Beispiel sind in den Rettern die Umrisse der Charaktere grau. Weiße und blaue Toner wurden für Spezialeffekte wie Schnee und Wasser verwendet.

Der APT-Prozessbearbeiten

Das APT-Verfahren (Animation Photo Transfer) wurde 1985 von Dave Spencer für den Disney-Film The Black Cauldron erfunden und war eine Technik zum Übertragen der Kunst der Animatoren auf Cels. Grundsätzlich war das Verfahren eine Modifikation eines repro-fotografischen Verfahrens; die Arbeit der Künstler wurde auf kontrastreichem „Litho“ -Film fotografiert, und das Bild auf dem resultierenden Negativ wurde dann auf ein Cel übertragen, das mit einer Schicht lichtempfindlichen Farbstoffs bedeckt war. Die cel wurde durch das Negativ exponiert. Anschließend wurden Chemikalien verwendet, um den unbelichteten Teil zu entfernen. Kleine und feine Details wurden bei Bedarf noch von Hand eingefärbt. Spencer erhielt einen Oscar für technische Leistung für die Entwicklung dieses Prozesses.

Cel overlayEdit

Ein Cel-Overlay ist ein Cel mit unbelebten Objekten, das den Eindruck eines Vordergrunds vermittelt, wenn es auf einen fertigen Rahmen gelegt wird. Dies erzeugt die Illusion von Tiefe, aber nicht so sehr wie eine Multiplane-Kamera. Eine spezielle Version von cel Overlay heißt Line Overlay, gemacht, um den Hintergrund zu vervollständigen, anstatt den Vordergrund zu machen, und wurde erfunden, um mit dem skizzenhaften Aussehen von xeroxierten Zeichnungen umzugehen. Der Hintergrund wurde zuerst als Formen und Figuren in flachen Farben gemalt, die eher wenige Details enthielten. Jede Linie wird gezeichnet, um der zugrunde liegenden Form oder Figur weitere Informationen hinzuzufügen und dem Hintergrund die erforderliche Komplexität zu verleihen. Auf diese Weise entspricht der visuelle Stil des Hintergrunds dem des xeroxierten Zeichens cels. Als sich der xerographische Prozess weiterentwickelte, blieb die Linienüberlagerung zurück.

Computer und traditionelle Animationbearbeiten

Die oben genannten Methoden beschreiben die Techniken eines Animationsprozesses, der ursprünglich in seiner Endphase von Cels abhing, aber gemalte Cels sind heute selten, da der Computer in das Animationsstudio einzieht und die Umrisszeichnungen normalerweise in den Computer gescannt und mit digitaler Farbe gefüllt werden, anstatt auf Cels übertragen und dann von Hand eingefärbt zu werden. Die Zeichnungen werden in einem Computerprogramm auf vielen transparenten „Schichten“ zusammengesetzt, ähnlich wie bei Cels, und in eine Sequenz von Bildern umgewandelt, die dann auf Film übertragen oder in ein digitales Videoformat konvertiert werden können.

Es ist nun auch möglich, dass Animatoren mit einem Grafiktablett wie einem Cintiq oder einem ähnlichen Gerät direkt in einen Computer zeichnen, wo die Umrisszeichnungen ähnlich wie auf Papier erstellt werden. Der alberne Kurzfilm How To Hook Up Your Home Theater (2007) war Disneys erstes Projekt, das auf der heute verfügbaren papierlosen Technologie basierte. Einige der Vorteile sind die Möglichkeit und das Potenzial, die Größe der Zeichnungen während der Arbeit zu steuern, direkt auf einem Multiplanen-Hintergrund zu zeichnen und das Fotografieren von Linientests und das Scannen zu eliminieren.

Obwohl traditionelle Animationen heute häufig mit Computern ausgeführt werden, ist es wichtig, computergestützte traditionelle Animationen von 3D-Computeranimationen wie Toy Story und Ice Age zu unterscheiden. Oft werden jedoch traditionelle Animationen und 3D-Computeranimationen zusammen verwendet, wie in Don Bluths Titan A.E. und Disneys Tarzan und Treasure Planet. Die meisten Anime und viele westliche Zeichentrickserien verwenden heute noch traditionelle Animationen. DreamWorks Executive Jeffrey Katzenberg prägte den Begriff „tradigital Animation“, um Animationsfilme zu beschreiben, die von seinem Studio produziert wurden und Elemente der traditionellen und Computeranimation gleichermaßen enthielten, wie Spirit: Stallion of the Cimarron und Sinbad: Legend of the Seven Seas.

Viele Videospiele wie Viewtiful Joe, Die Legende von Zelda: Der Wind Waker und andere verwenden „Cel-Shading“ -Animationsfilter oder Beleuchtungssysteme, um ihre vollständige 3D-Animation so aussehen zu lassen, als wäre sie in einem traditionellen Cel-Stil gezeichnet. Diese Technik wurde auch im Animationsfilm Appleseed verwendet, und Cel-Shaded 3D-Animation ist in der Regel mit Cel-Animation in Disney-Filmen und in vielen Fernsehshows, wie die Fox-Zeichentrickserie Futurama integriert. In einer Szene des Pixar-Films von 2007 spricht Ratatouille, eine Illustration von Gusteau (in seinem Kochbuch), mit Remy (der in dieser Szene in den Abwasserkanälen von Paris verloren ging) als eine Erfindung von Remys Vorstellungskraft; diese Szene gilt auch als Beispiel für Cel-Shading in einem animierten Feature. In jüngerer Zeit haben animierte Shorts wie Paperman, Feast und The Dam Keeper einen unverwechselbaren Stil der Cel-Shaded 3D-Animation verwendet, die ein Aussehen und Gefühl ähnlich einem ‚beweglichen Gemälde‘ einfängt.

RotoscopingEdit

Rotoscoping ist eine Methode der traditionellen Animation, die 1915 von Max Fleischer erfunden wurde und bei der Animation über tatsächliches Filmmaterial von Schauspielern und Kulissen „verfolgt“ wird. Traditionell wird die Live-Action Frame für Frame ausgedruckt und registriert. Ein weiteres Stück Papier wird dann über die Live-Action-Ausdrucke gelegt und die Aktion wird Bild für Bild mit einem Leuchtkasten verfolgt. Das Endergebnis sieht immer noch handgezeichnet aus, aber die Bewegung wird bemerkenswert lebensecht sein. Die Filme Waking Life und American Pop sind Rotoskopfilme in voller Länge. Rotoscoped Animation erscheint auch in den Musikvideos für A-has Song „Take On Me“ und Kanye Wests „Heartless“. In den meisten Fällen wird das Rotoscoping hauptsächlich verwendet, um die Animation von realistisch gerenderten Menschen zu unterstützen, wie in Schneewittchen und die sieben Zwerge, Peter Pan und Dornröschen.

Eine Methode, die mit der konventionellen Rotoskopie verwandt ist, wurde später für die Animation von festen unbelebten Objekten wie Autos, Booten oder Türen erfunden. Ein kleines Live-Action-Modell des gewünschten Objekts wurde gebaut und weiß gestrichen, während die Kanten des Modells mit dünnen schwarzen Linien bemalt wurden. Das Objekt wurde dann nach Bedarf für die animierte Szene gefilmt, indem das Modell, die Kamera oder eine Kombination aus beidem in Echtzeit oder mit Stop-Motion-Animation bewegt wurde. Die Filmrahmen wurden dann auf Papier gedruckt und zeigten ein Modell, das aus den gemalten schwarzen Linien bestand. Nachdem die Künstler dem Objekt Details hinzugefügt hatten, die in der Live-Action-Fotografie des Modells nicht vorhanden waren, wurde es auf Cels xeroxiert. Ein bemerkenswertes Beispiel ist das Auto von Cruella de Vil in Disneys Einhundertein Dalmatiner. Der Prozess der Übertragung von 3D-Objekten auf Cels wurde in den 1980er Jahren stark verbessert, als die Computergrafik so weit fortgeschritten war, dass computergenerierte 3D-Objekte erstellt werden konnten, die von den Animatoren beliebig manipuliert und dann als Umrisse auf Papier gedruckt werden konnten, bevor sie mit Xerographie oder dem APT-Verfahren auf Cels kopiert wurden. Diese Technik wurde in Disney-Filmen wie Oliver and Company (1988) und The Little Mermaid (1989) verwendet. Dieser Prozess wurde mehr oder weniger durch die Verwendung von Cel-Shading abgelöst.

Im Zusammenhang mit der Rotoskopie stehen die Methoden der Vektorisierung von Live-Action-Filmmaterial, um ein sehr grafisches Aussehen zu erzielen, wie in Richard Linklaters Film A Scanner Darkly.

Live-Action-Hybridebearbeiten

Ähnlich wie bei den oben beschriebenen Hybriden aus Computeranimation und traditioneller Animation kombiniert eine Produktion gelegentlich sowohl Live-Action- als auch Animationsmaterial. Die Live-Action-Teile dieser Produktionen werden normalerweise zuerst gefilmt, Die Schauspieler geben vor, mit den animierten Charakteren zu interagieren, Requisiten, oder Landschaft; Animation wird dann später in das Filmmaterial aufgenommen, damit es so aussieht, als wäre es schon immer da gewesen. Wie das Rotoskopieren wird diese Methode selten verwendet, aber wenn es so ist, kann es mit grandioser Wirkung durchgeführt werden und das Publikum in eine Fantasiewelt eintauchen, in der Menschen und Cartoons nebeneinander existieren. Frühe Beispiele sind die Cartoons silent Out of the Inkwell (begonnen 1919) von Max Fleischer und Walt Disneys Alice-Komödien (begonnen 1923). Live-Action und Animation wurden später in Features wie Mary Poppins (1964), Who Framed Roger Rabbit (1988), Space Jam (1996) und Enchanted (2007) kombiniert. Die Technik wurde auch in Fernsehwerbung erheblich eingesetzt, insbesondere für Frühstückscerealien, die an Kinder vermarktet werden, um sie zu interessieren und den Umsatz zu steigern.

Special effects animationEdit

Neben traditionell animierten Charakteren, Objekten und Hintergründen werden viele andere Techniken verwendet, um spezielle Elemente wie Rauch, Blitz und „Magie“ zu erzeugen und der Animation im Allgemeinen ein unverwechselbares visuelles Erscheinungsbild zu verleihen. Heute werden Spezialeffekte meist mit Computern gemacht, aber früher mussten sie von Hand gemacht werden. Um diese Effekte zu erzeugen, verwendeten die Animatoren verschiedene Techniken wie Trockenbürste, Airbrush, Kohle, Fettstift, hintergrundbeleuchtete Animation, Streusiebe, Filter oder Gele. Zum Beispiel hat das Nussknacker-Suite-Segment in Fantasia eine Feensequenz, in der punktierte Cels verwendet werden, die einen weichen Pastell-Look erzeugen.