Les Meilleurs Films Érotiques de Tous les Temps

C’est en 1964 que le juge Potter Stewart de la Cour suprême a statué contre une affaire d’obscénité interdisant The Lovers de Louis Malle, offrant la définition ultime de la pornographie: « Je le sais quand je le vois. »L’érotisme est encore plus vivant à ce niveau de subjectivité, et sur le film, il teste les limites extérieures de l’ambiguïté — à tel point que nous ne savons peut-être même pas quand nous le voyons. Tant d’histoires de réveils sexuels commencent par un baiser ou un câlin partagé; un regard étendu entre deux personnages n’a jamais voulu être ensemble; un ourlet ou un vêtement de quelques centimètres plus haut, ou plus court, que ce que l’on voit dans la vie quotidienne d’un spectateur; et même un mot ou une phrase accentuée faisant allusion à un sens indicible, même involontaire. Et bien sûr, il est parfois assez évident que tout le monde le remarque, lorsqu’un acteur ou une actrice se met à nu, se débat avec un partenaire de scène ou simule une intimité sous un éclairage idyllique et somptueux.

Tout cela pour dire que sélectionner les meilleurs films érotiques revient un peu à décoder un test de Rorschach des appétits et des intérêts d’un écrivain. Parce que les films ne se contentent pas de documenter les fantasmes sexuels et romantiques, ils les découvrent. Combien de cinéphiles ont regardé, disons, une comédie pour adolescents où leur première star préférée est apparue en maillot de bain, a appliqué du rouge à lèvres ou s’est présentée à une patinoire ressemblant à l’incarnation de l’attraction? Ou se sont-ils retrouvés à fantasmer sur un coup de langue ou un toucher des doigts après une scène où deux personnages se sont simplement brossés le corps de l’autre? L’érotisme est, encore une fois, profondément subjectif. En conséquence, cette liste rassemble certains des moments de référence captés sur le film, ceux qui ont abordé des sujets auparavant considérés comme tabous, mis en scène et acteur ou actrice dans un rôle qui a répondu ou transformé les attentes du public, ou simplement capturé des moments de beauté, de passion ou de sexualité de manière provocante, excitante ou transcendante. Certains sont drôles. Certains peuvent être un peu effrayants. D’autres semaient le risque, le regret, la mélancolie ou l’humanité irrépressible. Mais tous sont plus qu’un peu chauds.

Dernier Tango à Paris (1972)

Le Conformiste de Bernardo Bertolucci n’a pas réussi à figurer dans cette liste qu’en raison de son thème central – à savoir que le désir individuel reste réprimé, ignoré ou éclipsé par l’obligation politique, sinon aussi la répression émotionnelle et physique. Mais deux ans plus tard, le cinéaste a choisi l’un des acteurs les plus acclamés au monde pour dépeindre un scénario opposé – un homme tellement assailli par la tragédie qu’il ne peut que s’échapper dans la dépravation sexuelle. La controverse sur la scène du « beurre » et la caractérisation de l’expérience par l’actrice Maria Schneider (de la scène scénarisée de sexe simulé, elle a dit « Je me suis sentie un peu violée ») vont, et devraient peut-être, absolument colorer la façon dont on voit les performances et le film dans son ensemble. Mais en tant que cinéaste qui a exploré à plusieurs reprises la sexualité comme (alternativement) une façade et une fenêtre sur la vie émotionnelle des individus, cela reste une œuvre essentielle et sérieuse qui a mis l’érotisme au premier plan dans la narration mainstream.

Emmanuelle 2 (1975)

Juste Emmanuelle de Jaeckin et les dizaines d’imitateurs et imitateurs homonymes (se débarrassant des lettres à son nom comme des vêtements) ont créé un héritage mondial de l’érotisme des années 1970 où des jeunes femmes fortunées parcouraient le monde, couchaient avec de belles partenaires anonymes et bafouaient les tabous de la société dite « décente ». Mais même si le roman confessionnel sur lequel repose cette franchise phare n’a pas été écrit par la vraie Emmanuelle Arsan mais par son mari, Emmanuelle 2 (sous-titré Les Joies d’une Femme) a donné au personnage-titre une agence et une autonomisation contrairement à pratiquement tous les autres épisodes, y compris le film original. Francis Jacobetti, photographe pour le magazine d’érotisme français Lui, a effectivement été le pionnier du look sexy à la lumière douce qui est devenu synonyme de l’imagerie nudie de l’époque, et sur film, il rend l’actrice Sylvia Kristel plus magnifique que jamais alors qu’elle se glisse dans et hors du lit avec des hommes et des femmes, emmenant cette fois un protégé dans un carnet de voyage pour les libertins et ceux qui ont la chance, ou n’ont pas peur, de satisfaire leurs fantasmes, que ce soit dans un club de polo, un bain public ou lors d’une séance d’acupuncture. Ce film vaut la peine d’être regardé juste pour la cinématographie et pour la musique onirique de Pierre Bachelet, mais chaque scène de sexe est absolument brûlante.

La faim (1983)

Juste un an après que Paul Schrader a rebaptisé Cat People de Jacques Tourneur en parabole sexuelle pour l’ère post-disco, Tony Scott a fait ses débuts de réalisateur avec cette histoire sexuellement chargée du couple de vampires le plus séduisant de l’éternité (David Bowie et Catherine Deneuve) essayant de faciliter leur héritage, et leur longévité, à une époque de science et d’affluence. Scott monte le style à onze alors qu’il dépeint Miriam (Deneuve) trouvant du réconfort dans les bras de la scientifique Sarah Roberts (Susan Sarandon) tandis que John (Bowie) cherche un remède à sa décrépitude croissante. Je ne suis pas tout à fait sûr que le film réussisse son atterrissage – évidemment les producteurs ont opté pour quelque chose de plus ouvert, sinon absurde, pour laisser la place à une éventuelle suite – mais l’énergie sexuelle entre Deneuve et Sarandon est positivement indéniable, laissant dans son sillage l’un des grands dilemmes prometteurs de l’histoire du cinéma: si vous étiez asservi pour l’éternité à une femme, laquelle des deux choisiriez-vous?

9 ½ Semaines (1986)

Une grande partie de la filmographie d’Adrian Lyne est composée d’histoires chargées d’érotisme, pas toutes aussi réussies les unes que les autres, mais la plupart d’entre elles sont distinctives et réfléchies à leur manière. (Son adaptation de Lolita, par exemple, est, à mon avis, une adaptation supérieure du livre de Nabokov.) 9 Semaines ½, sa suite à Flashdance semble presque piétonne par rapport aux normes contemporaines, mais les jeux de rôle de genre, les relations sexuelles en public et l’utilisation de la nourriture comme aphrodisiaque étaient toutes des nouveautés, du moins dans le cinéma grand public, lorsque Lyne a représenté ces actes avec Kim Basinger et Mickey Rourke. Ce qui est particulièrement remarquable, c’est que le film ne traite pas la chimie sexuelle de ces personnages et la santé relative de leur relation comme synonymes; en fin de compte, il ne prétend pas que leur dysfonctionnement qui se chevauche parfois est un signe d’engagement émotionnel ou d’amour plus profond, mais une transmission et une amplification temporaires d’un désir riche et satisfaisant, ne serait-ce qu’à court terme.

Instinct de base (1992)

Avant que Paul Verhoeven ne fasse irruption à Hollywood avec Robocop, il a poussé les tabous sexuels dans ses Pays-Bas natals avec Turkish Delight, Spetters et The Fourth Man. Basic Instinct ressemblait à un acte de provocation, testant les limites de l’étreinte du mélodrame et même du camp d’un public (poussé plus loin, à un effet presque parodique, avec des Showgirls), alors que Nick Curran, le détective des homicides de Michael Douglas, est entraîné dans une relation sexuelle avec Catherine Tramell, romancière décomplexée et suspecte de meurtre de Sharon Stone. Les critiques ont eu raison de souligner la façon dont le scénario de Joe Eszterhas a réitéré les représentations de personnages gays et bisexuels comme dangereux ou mentalement instables, mais ce qui reste unique, attrayant et même responsabilisant, c’est la façon dont Tramell de Stone se livre sans vergogne à sa propre sexualité, objectifie son partenaire masculin et exerce un contrôle à la fois dans et hors de la chambre.

L’amant (1992)

Adaptant le roman semi-autobiographique de Marguerite Duras, Jean-Jaques Annaud met en scène une relation entre une adolescente et un riche Chinois qui se déroule, et évolue, alors que les deux se débattent avec leurs désirs, et comptent avec leur poste, et leurs obligations. En tant que jeune fille (son seul nom dans le film), Jane March apporte non seulement une sexualité adolescente à leur relation, mais un contrôle astucieux à leurs rencontres, alors même que le personnage se bat pour résister aux sentiments plus profonds qu’elle commence à développer pour le bel homme plus âgé qu’elle visite chaque jour après l’école. En tant que « Le Chinois », Tony Leung Ka-fai est aussi beau et souple que March, offrant un portrait attrayant de la sexualité masculine (et de la sensualité) rarement représentée à l’écran. La sexualité sans entraves de March lui a valu un rôle principal face à Bruce Willis dans le thriller érotique Color of Night du réalisateur Richard Rush, mais c’est à cause de son humanité lumineuse dans cette histoire d’amour douce-amère, pas simplement en se déshabillant, qu’elle a captivé le public.

Le Piano (1993)

Jane Campion a écrit et réalisé ce film extraordinaire sur une Écossaise muette nommée Ada (Holly Hunter) vendue en mariage avec un frontiste néo-zélandais (Sam Neill) pour tomber amoureuse d’un forestier nommé Baines (Harvey Keitel) embauché pour fournir du travail de jour. Ce qui commence comme une histoire de servitude pour cette femme devient un voyage d’autonomisation alors que Baines négocie avec Ada, d’abord pour son piano, et plus tard, pour une affection physique qui se transforme en un amour de plus en plus profond. Hunter donne à Ada une autorité désespérée qui devient plus digne alors qu’elle commence à reconnaître sa propre autonomie, et finalement, le contrôle de ces deux hommes confondus et intimidés par elle. Campion se déroule à une époque et dans un lieu où les rôles de genre étaient rigidement appliqués, crée un chef-d’œuvre féministe érotique qui parvient à être à la fois sexy et substantiel.

Accident (1996)

La seule lacune durable de l’adaptation de ce J.G. par David Cronenberg. Le roman de Ballard est qu’il partage un titre en commun avec un lauréat de l’Oscar du meilleur film qui a malheureusement attiré plus d’attention avec beaucoup moins à dire sur les gens. L’extraordinaire habileté de Cronenberg avec le travail de Ballard ne fait pas nécessairement du fétiche des personnages pour la mort, et en particulier le sexe lié aux accidents de voiture, un fétiche que nous partagerons ou même devrions partager. C’est plutôt qu’il communique pourquoi cela les motive et les manipule, et encourage le public à regarder vers l’intérieur les appétits idiosyncratiques qui les animent. Le fait qu’il présente également un casting incroyablement attrayant, y compris James Spader, Deborah Kara Unger et Holly Hunter, à différentes étapes du déshabillage ne fait que solidifier les lignes parallèles de beauté et de beauté entre un châssis de véhicule brillant et les corps humains en quête de satisfaction dans, sur et autour d’eux.

Sexe et Lucie (2001)

Le scénariste-réalisateur Julio Medem a créé cette histoire sur le passé et le présent, le sexe et l’amour, la clarté et la confusion entre Lucia (Paz Vega), son petit ami Lorenzo (Tristan Ulloa), et les événements – beaucoup sexuels ou liés au sexe – qui définissent leur relation. Lucia de Vega prend en charge leur relation, mais il y a une réelle réciprocité car ils se donnent du plaisir, découvrant le corps de l’autre comme une question de mémoire musculaire (sans jeu de mots) et créant des moments cruciaux pour leur vie émotionnelle. En explorant leur vie sexuelle, émotionnelle et créative, le film de Medem met en valeur les nombreuses connexions inattendues et pourtant inextricables entre le sexe et les expériences qui se produisent en dehors de l’intimité, alimentant la croissance et le changement.

Et Tu Mama Tambien (2001)

Avant de devenir un pionnier oscarisé, Alfonso Cuaron a réalisé et coécrit ce drame intime sur deux meilleurs amis adolescents (Diego Luna et Gael Garcia Bernal) qui se lancent dans un voyage révélateur de découverte de soi avec une femme espagnole plus âgée (Maribel Verdu) pendant l’été précédant le collège. Bourré de beaucoup de sexe et de discussions sexuelles, la prémisse suggère qu’une entrée sur le forum Penthouse prenne vie, ou une chronique de hijinks adolescents. Mais au lieu de cela, Cuaron se penche en profondeur sur la vie des jeunes garçons – leur statut social, leurs affrontements culturels, leurs droits et leurs angoisses – tels qu’ils sont révélés par les opportunités qui se présentent devant eux avec cette femme plus âgée qui semble d’abord retenue mais se révèle plus honnête et mature que l’une ou l’autre, d’une manière qui se révèle torride, tendre et éclairante – pour eux et pour le public.

Secrétaire (2002)

L’écriture de Mary Gaitskill est remplie de rencontres sexuelles qui jonglent entre le profane et l’intime, le dur et le tendre, le complexe et le lucide. L’adaptation par Steven Shainberg de son livre sur la relation BDSM entre un avocat (James Spader) et sa secrétaire (Maggie Gyllenhaal) résume toutes ces impulsions, car elle soutient que les relations avec une dynamique de pouvoir intense et emphatique peuvent être aussi saines et aimantes que les relations traditionnelles ou conventionnelles. Shainberg, comme Cronenberg avec automobiles in Crash, identifie ce qui excite d’abord le Lee de Gyllenhaal dans cette relation, mais examine plus tard ce qu’il répare chez une personne qui s’automutile – un exercice de contrôle sûr et protecteur. En même temps, il met en évidence l’idée que la « normale » entre deux adultes consentants peut être extrêmement différente car elle est fonctionnelle, nourrissante – tout en offrant un peu de kinkiness pour garder les choses imprévisibles.

Infidèle (2002)

Si Adrian Lyne s’est livré au mélodrame, établissant même un langage visuel pour que les imitateurs puissent suivre en dépeignant des actes « érotiques » à l’écran, il a rasé son propre langage visuel (et bon nombre des lynchages moraux et émotionnels de ses films précédents) avec ce drame sur une femme qui commence une liaison extraconjugale qui transforme sa relation auparavant heureuse avec son mari. Ce que le film aborde sur des affaires que beaucoup d’autres n’ont pas, c’est le fait que Connie (Diane Lane) et Edward (Richard Gere) n’ont pas de problèmes avant qu’elle ne cède aux charmes de Paul (Olivier Martinez) – que la curiosité et la nouveauté peuvent être des attracteurs aussi puissants que des problèmes non résolus ou profondément enracinés. Lane a obtenu des nominations aux Golden Globes et aux Oscars pour sa performance, ce qui obligeait l’actrice à jouer des scènes érotiques avec Martinez, mais surtout, à dépeindre le mélange de réactions inconfortables et enivrantes que Connie subit après avoir trahi son mari – peur, excitation, satisfaction – alors même que sa liaison provoque le chaos, et finalement plus du mélodrame à l’ancienne de Lyne, alors qu’elle tente de s’extirper.

Les Rêveurs (2003)

Des décennies après Le Dernier Tango à Paris, Bernardo Bertolucci a adapté « l’esprit, mais pas la lettre » du roman de Gilbert Adair sur trois jeunes étudiants qui se lancent dans une odyssée sexuelle et personnelle à Paris en 1968. Mettant en vedette Michael Pitt, Louis Garrel et la nouvelle venue de l’époque Eva Green, le roman d’Adair équilibre les indiscrétions érotiques du trio avec leurs influences artistiques en évolution et leurs convictions politiques naissantes alors que Bertolucci dresse un portrait presque prototypique du jeune adulte – c’est-à-dire si trois personnes incroyablement magnifiques avec plus de ressources que d’inhibitions ont choisi de repousser les limites de leur sagesse et de leur expérience. Capturant astucieusement les impulsions et les attachements émotionnels qui minent la libido pure, The Dreamers réitère la vérité que la jeunesse est souvent gaspillée sur les jeunes, tout en soulignant à quel point il peut être amusant et excitant pour les téléspectateurs de regarder cette découverte se dérouler.

Bus court (2006)

Cinq ans après Hedwig et the Angry Inch, John Cameron Mitchell est revenu avec cet ensemble pansexuel odyssey qu’il a créé pour « employer le sexe de nouvelles manières cinématographiques parce que c’est trop intéressant de laisser au porno. »Contrairement à tant d’autres entrées de cette liste, Mitchell reconnaît les émotions complexes du sexe, mais se souvient toujours du plaisir et utilise ses rencontres pour révéler des informations sur ses personnages, plutôt que l’inverse. Le fait que les personnages soient confus et excités en même temps devient un gros avantage car ils prennent des risques et explorent des éléments de leur sexualité que le public peut réellement voir à l’écran – s’ils sont fictifs, du moins explicitement honnêtes. Et sa large gamme d’actes sexuels différents, de l’autofellatio à la domination en passant par le sexe en groupe, offre une variété inégalée de choix et de modes de vie pour le public à explorer et à découvrir.

Luxure, prudence (2007)

Ang Lee avait déjà lutté contre un désir sexuel masquant une honnêteté et une identité émotionnelles plus profondes en 2004 avec Brokeback Mountain lorsqu’il a décidé de réaliser ce film NC-17 sur un étudiant nommé Chia Chi (Tang Wei) pendant la Deuxième Guerre sino-japonaise qui accepte de séduire Mr. Yee (Tony Leung Chiu-Wai), un agent spécial dont l’assassinat profitera aux Chinois. Là où dans Brokeback les personnages ont résisté et succombé avec peur aux sentiments qu’ils refusaient de reconnaître, la ruse de Chia Chi devient la performance ultime pour une femme qui veut être actrice – dans ce cas, un amant capable de satisfaire ses besoins sexuels et émotionnels. Les manœuvres politiques compliquées du film s’harmonisent avec celles sexuelles des personnages, et Lee met en scène les scènes de sexe avec une théâtralité fascinante qui souligne la façon dont ces individus jouent des rôles, s’acquittent de leurs responsabilités et luttent pour maintenir leur propre identité alors que la proximité du sexe défie leur objectivité.

Je suis Amour (2010)

La propre vie romantique de Tilda Swinton, qui comprendrait un partenaire de longue date ainsi qu’un amant stationné dans une cabine juste à l’extérieur de l’enceinte de sa maison, semble pouvoir créer son propre drame érotique. Certes, sa filmographie est remplie de projets où elle explore le genre et la sexualité de manière unique et puissante. I Am Love de Luca Guadagnino ressemble à bien des égards autant à une lettre d’amour à l’Italie qu’à Swinton, mais en tant que figure de proue maternelle d’une famille puissante, elle transmet la complexité accablante d’une femme frappée par le désir d’un homme beaucoup plus jeune malgré son mariage, et ses engagements plus importants envers la famille et l’héritage, d’une manière à la fois alléchante et tragique. Guadagnino traite son dilemme avec le même genre de tendresse – et de sex- qu’il emploie plus tard dans Call Me By Your Name – car il la dépeint non seulement succombant à ce désir dans l’instant, mais révèle tout le spectre de son sens alors qu’elle récupère sa propre identité et son avenir dans son sillage explosif.

Week-end (2011)

Écrit et réalisé par Andrew Haigh, Weekend capture non seulement le frisson d’un rendez-vous à court terme, mais l’intimité qui peut se développer entre deux personnes même lorsqu’elles ne le recherchent pas. Quand Russell et Glen se connectent après une réunion dans un club gay, les deux hommes s’installent dans un rythme imprévisible et révélateur d’interaction physique et émotionnelle car leurs intentions, croyances et valeurs sont testées par la proximité qu’ils ressentent. Comme on peut s’y attendre pour le futur showrunner de Looking, Haigh aborde un certain nombre de sujets sociologiques compliqués au milieu de leur navigation l’un sur l’autre et de ce qu’ils ont l’intention de passer un temps limité ensemble. Mais le fait que le film ne lésine ni sur le sexe ni sur le sens qui évolue à partir d’une connexion que chacun tient initialement à bout de bras ne fait que souligner l’exhaustivité et le sens qui peuvent provenir d’une rencontre sexuelle.

Le bleu est la couleur la plus chaude (2014)

Avec le réalisateur Abdellatif Kechiche à la barre, des questions légitimes persistent sur la mesure dans laquelle cet opus explore réellement une relation lesbienne du point de vue féminin et dans quelle mesure elle se livre au regard masculin (ainsi que sur l’endroit où tracer la ligne entre nourrir des performances authentiques et traiter mal les acteurs et l’équipe). Mais après que le Festival de Cannes a décerné ses plus grands honneurs non seulement à Kechiche, mais aux actrices Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulous, l’héritage du film honore solidement leur travail autant ou plus que le sien puisque deux jeunes femmes tombent dans une relation qui se transforme et les guide à travers des découvertes importantes dans leur vie. Les scènes intimes dégagent une sexualité crue, mais aussi une intimité indéniable, car ce qui se passe entre les deux n’est pas seulement une attraction physique, mais les rythmes profondément évocateurs de l’amour, qui refluent et coulent, avec les idiosyncrasies des individus qui explorent et apprennent les uns sur les autres, et eux-mêmes.

La Servante (2016)

Park Chan-wook a déjà réalisé Thirst, Stoker et le très fou Oldboy avant de s’attaquer au thriller érotique de bonne foi The Handmaiden pour élever et concentrer les impulsions avec lesquelles il flirtait et compliquait dans ces autres films. Dans cette montagne russe d’obsession sexuelle, de manipulation et de trahison, Lady / Izumi Hideko (Kim Min-hee) succombe aux avances de sa bonne Nam Sook-hee (Kim Tae-ri), et les deux doivent contourner l’influence dominante de l’homme qui, selon elles, dicte leur destin. Park-chan Wook manipule de la même manière le public en lui donnant des séquences d’attraction et de consommation entre les femmes – des rythmes de mélodrame sordide – qu’il dévoile plus tard comme des découvertes plus substantielles non seulement de désir, mais d’affection authentique. Comme les meilleures histoires érotiques, La Servante capture à la fois les pulsions et les énergies irrésistibles partagées entre les partenaires ainsi que les connexions qui permettent aux relations de durer et de prospérer entre les rencontres sexuelles.

Appelez-Moi Par Votre Nom (2018)

Les histoires de passage à l’âge adulte offrent des opportunités familières, voire intemporelles, pour différentes sortes de découvertes personnelles – ainsi que des entrées permettant aux cinéastes de les explorer sur film. L’adaptation par Luca Guadagnino du roman du même nom d’Andre Aciman (écrit par James Ivory, exceptionnellement habile à saisir le désir) plonge aussi profondément dans les ramifications émotionnelles de la découverte sexuelle d’un jeune adolescent que dans les ramifications physiques, communiquant à la fois la chaleur de l’aventure d’Elio (Timothée Chalamet) avec Oliver (Armie Hammer) et la substance qui les lie avant et après. L’amour du film pour ces deux corps beaux et différents permet à leurs rencontres sexuelles d’être révélatrices, chaudes et tendres à la fois, laissant le public aussi accablé, dévasté et reconnaissant qu’Elio après la fin de leur temps ensemble.