Lorsque les dirigeants américains discutent de la façon dont l’immigration a façonné les États-Unis, ils ne mentionnent jamais le théâtre musical. Peut-être devraient-ils le faire.
« Il n’y aurait pas de comédies musicales de Broadway si les portes de l’Amérique n’avaient pas été largement ouvertes aux immigrants », explique David Armstrong, instructeur affilié à la UW School of Drama, qui considère l’essor de la comédie musicale de Broadway comme une histoire d’immigration. Armstrong partage cette histoire dans un nouveau cours, The Broadway Musical: How Immigrants, Queers, Jews, and African Americans Created America’s Signature Art Form.
David Armstrong devant le théâtre de la 5e Avenue, où il a été producteur exécutif et directeur artistique pendant près de deux décennies.Crédit média : Mark Kitaoka
La passion de longue date d’Armstrong pour le théâtre musical a commencé alors qu’il n’avait que sept ans. Sa mère, ayant l’intention de l’emmener avec sa sœur voir le film Dumbo, les a emmenés par erreur au film musical Gypsy à la place, à propos d’une strip-teaseuse. Il était hypnotisé.
« Heureusement, ma mère n’était pas crispée, alors elle ne nous a pas obligés à quitter le théâtre », s’amuse Armstrong, dont la carrière au théâtre a inclus 18 ans en tant que producteur exécutif et directeur artistique du 5th Avenue Theatre de Seattle. « Je m’intéresse à toutes sortes de théâtre, mais je pense que le théâtre musical est le plus percutant car il nous affecte à tous les niveaux — intellectuel, physique et émotionnel. »
Armstrong explique que le théâtre musical a commencé après une énorme vague d’immigration irlandaise à la fin des années 1800. George M. Cohan, dont les grands-parents faisaient partie de ces immigrants irlandais, était particulièrement important. Cohan était un écrivain, réalisateur, producteur et interprète qui a lancé le théâtre musical en tant que genre distinct au début des années 1900. « C’était l’ère du « besoin irlandais de ne pas s’appliquer » », dit Armstrong. « La discrimination à l’égard des immigrants irlandais était endémique. Lorsque George M. Cohan est monté sur scène et a chanté « Je suis un Dandy de Doodle Yankee », c’était une énorme déclaration politique. »
À peu près à la même époque, des immigrants juifs sont arrivés d’Europe de l’Est et des Afro-Américains ont déménagé à New York du Sud, développant davantage la forme d’art. Comme les Irlandais, ces groupes étaient victimes de discrimination et avaient peu de possibilités d’avancement. Mais les publics des classes moyennes et supérieures qui assistaient à des représentations théâtrales méprisaient la profession, laissant ce champ grand ouvert aux classes inférieures. Pour ceux qui avaient du talent, le théâtre musical était un moyen de sortir de la pauvreté.
Il n’y aurait pas de comédies musicales à Broadway si les portes de l’Amérique n’avaient pas été ouvertes aux immigrants.
C’était le cas d’Irving Berlin, qui est arrivé de Russie aux États-Unis à l’âge de cinq ans et a grandi dansant pour des sous dans le Lower East Side. Avec peu d’éducation et aucune formation musicale formelle, Berlin est devenu le lauréat de l’auteur-compositeur américain, écrivant des milliers de chansons dont God Bless America, White Christmas et Easter Parade, ainsi que 17 partitions complètes pour des comédies musicales et des revues de Broadway, dont Annie Get Your Gun.
David Armstrong espère que son cours changera à jamais la façon dont les étudiants regardent les comédies musicales. Crédit média: Sasha Im
Le célèbre auteur-compositeur Cole Porter et d’autres membres de la communauté queer faisaient également partie de ceux qui travaillaient au plus haut niveau du théâtre musical dès le début. » Pour la communauté queer, le début du 20e siècle a été une période très ouverte « , explique Armstrong. « Les gens n’étaient pas tout à fait ouvertement gays, mais presque. Ils étaient appréciés et largement acceptés dans ce monde. »
Armstrong présente tous ces pionniers du théâtre musical dans son cours, tissant l’énorme influence des écrivains et des interprètes afro-américains, et la contribution moins visible mais significative des femmes travaillant comme compositrices, concepteurs d’éclairage et chorégraphes. Il retrace ensuite la route cahoteuse du théâtre musical, qui a connu des périodes de grande popularité suivies de déclin et d’évolution.
Le premier déclin du genre est survenu pendant la Grande Dépression, lorsque seule l’élite sophistiquée pouvait se permettre des billets. Le nombre de productions a diminué de moitié et les spectacles sont devenus plus urbains et sophistiqués pour attirer un public. Hollywood a commencé à produire des comédies musicales au cours de cette période, élargissant le public. Puis en 1943, l’Oklahoma de Rogers et Hammerstein est venu à Broadway. Il a intégré son histoire, sa chanson et sa danse de manière plus cohérente que n’importe quel spectacle auparavant, inaugurant un âge d’or pour les comédies musicales qui durerait près de 30 ans.
« Tous les classiques proviennent de cette période », explique Armstrong, qui explique qu’avant Oklahoma, les opérettes, les revues et les comédies musicales étaient divertissantes mais très vaguement construites. La nouvelle forme de l’Oklahoma et son succès phénoménal ont conduit à d’autres spectacles construits autour de l’histoire et des personnages. « C’était une évolution, mais cela ressemblait plus à une transformation », explique Armstrong. « C’est devenu une forme d’art beaucoup plus percutante. »
C’est notre grande forme d’art américain, et je suis ravi de la partager.
Un autre bouleversement est venu avec la guerre du Vietnam, quand un cynisme croissant a conduit à des spectacles comme Cabaret et Sweeney Todd qui présentaient des thèmes plus sombres et des antihéros. Les compositeurs de Broadway ont d’abord été choqués par la popularité de la musique rock and roll, mais ont finalement incorporé du rock et d’autres styles pop, une tendance qui s’est poursuivie. Le grand succès d’aujourd’hui de Hamilton, mettant en vedette de la musique hip hop, a inauguré une autre Renaissance et introduit une nouvelle génération à Broadway.
La plupart des élèves connaissent Hamilton, mais les devoirs les initient aux spectacles qui les ont précédés. Armstrong attribue des versions cinématographiques de comédies musicales sélectionnées, associant souvent des spectacles de différentes époques pour explorer des similitudes thématiques. (Gypsy et Hairspray, par exemple, mettent en scène des femmes transgressives qui refusent de suivre les règles.) Il présente également des clips en classe, et invite les élèves à assister à une production UW et à deux comédies musicales au théâtre de la 5e Avenue pendant le trimestre — ce dernier à une fraction du prix habituel grâce à ses relations.
À travers cette immersion, les élèves découvrent des thèmes communs dans les comédies musicales. La course est la plus omniprésente, de Showboat dans les années 1920 à West Side Story dans les années 1950 en passant par Hamilton aujourd’hui. « Au cours des 120 ans d’histoire du théâtre musical, environ 37 comédies musicales ont traité de la race comme sujet principal », explique Armstrong, qui passe une session de classe complète à explorer le thème.
Vers la fin du trimestre, les élèves imagineront leurs propres idées pour une nouvelle comédie musicale, qu’ils présenteront à un panel de professionnels de l’industrie, dans l’espoir de démontrer comment leur histoire bénéficierait de cette forme unique de narration. Il est peu probable que les étudiants proposent le prochain Hamilton, mais Armstrong espère que le projet de classe et le cours changeront à jamais leur façon de voir les comédies musicales.
« Après ce cours, ces élèves ne verront plus jamais les comédies musicales de la même manière », dit Armstrong. « Ils apprécieront la forme et la verront comme une pierre de touche culturelle importante. C’est notre grande forme d’art américain, et je suis ravi de le partager. »