Quando i leader americani discutono come l’immigrazione ha plasmato gli Stati Uniti, non hanno mai parlare di teatro musicale. Forse dovrebbero.
“Non ci sarebbero musical di Broadway se le porte dell’America non fossero state spalancate agli immigrati”, dice David Armstrong, istruttore affiliato alla UW School of Drama, che vede l’ascesa del musical di Broadway come in gran parte una storia di immigrazione. Armstrong condivide quella storia in un nuovo corso, il musical di Broadway: come immigrati, finocchi, ebrei e afroamericani hanno creato la forma d’arte firma dell’America.
David Armstrong al di fuori del teatro 5th Avenue, dove ha servito come produttore esecutivo e direttore artistico per quasi due decenni.Credito multimediale: Mark Kitaoka
La passione per il teatro musicale di Armstrong iniziò quando aveva solo sette anni. Sua madre, con l’intenzione di portare lui e sua sorella a vedere il film Dumbo, li portò erroneamente al film musical Gypsy invece, su una spogliarellista. Era ipnotizzato.
“Fortunatamente mia madre non era tesa, quindi non ci ha fatto lasciare il teatro”, ride Armstrong, la cui carriera nel teatro ha incluso 18 anni come produttore esecutivo e direttore artistico del teatro 5th Avenue di Seattle. “Sono interessato a tutti i tipi di teatro, ma penso che il teatro musicale sia il più incisivo perché ci colpisce a tutti i livelli-intellettuale, fisico ed emotivo.”
Armstrong spiega che il teatro musicale ha avuto il suo inizio a seguito di una grande ondata di immigrazione irlandese alla fine del 1800. Di particolare importanza è stato George M. Cohan, i cui nonni erano tra quegli immigrati irlandesi. Cohan era uno scrittore, regista, produttore e performer che ha lanciato il teatro musicale come un genere distinto nei primi anni del 1900. “Questa era l’era del ‘irlandese non deve applicarsi'”, dice Armstrong. “La discriminazione contro gli immigrati irlandesi era dilagante. Quando George M. Cohan si alzò sul palco e cantò “I’m a Yankee Doodle Dandy”, fu una grande dichiarazione politica.”
Nello stesso periodo, gli immigrati ebrei arrivarono dall’Europa orientale e gli afroamericani si trasferirono a New York dal Sud, sviluppando ulteriormente la forma d’arte. Come gli irlandesi, questi gruppi hanno affrontato la discriminazione e hanno avuto poche opportunità di avanzamento. Ma il pubblico della classe media e superiore che assisteva agli spettacoli teatrali guardava dall’alto in basso l’esibizione come professione, lasciando quel campo aperto per le classi inferiori. Per coloro che avevano talento, il teatro musicale era una via d’uscita dalla povertà.
Non ci sarebbero musical di Broadway se le porte dell’America non fossero state spalancate agli immigrati.
Questo è stato il caso di Irving Berlin, che è venuto negli Stati Uniti dalla Russia all’età di cinque anni ed è cresciuto ballando per pochi centesimi sul Lower East Side. Con poca istruzione e nessuna formazione musicale formale, Berlin è diventato il vincitore del cantautore americano, scrivendo migliaia di canzoni tra cui God Bless America, White Christmas e Easter Parade, oltre a 17 colonne sonore complete per musical e riviste di Broadway, tra cui Annie Get Your Gun.
David Armstrong spera che il suo corso cambierà per sempre il modo in cui gli studenti guardano i musical. Media di credito: Sasha Im
Il famoso cantautore Cole Porter e altri membri della comunità queer erano anche tra coloro che lavoravano ai più alti livelli del teatro musicale fin dall’inizio. “Per la comunità queer, l’inizio del 20 ° secolo è stato un periodo molto aperto”, afferma Armstrong. “La gente non era abbastanza apertamente gay, ma quasi. Erano apprezzati e ampiamente accettati in quel mondo.”
Armstrong presenta tutti questi pionieri del teatro musicale nel suo corso, intrecciando l’enorme influenza di scrittori e interpreti afroamericani, e il contributo meno visibile ma significativo delle donne che lavorano come cantautori, lighting designer e coreografi. Ripercorre poi la strada accidentata del teatro musicale, che ha compreso periodi di grande popolarità seguiti da declino ed evoluzione.
Il primo declino del genere avvenne durante la Grande Depressione, quando solo l’élite sofisticata poteva permettersi i biglietti. Il numero di produzioni diminuì della metà e gli spettacoli divennero più urbani e sofisticati per attirare un pubblico. Hollywood ha iniziato a produrre musical cinematografici durante questo periodo, ampliando il pubblico. Poi nel 1943, l’Oklahoma di Rogers e Hammerstein arrivò a Broadway. Ha integrato la sua storia, canzone, e la danza più coesa di qualsiasi spettacolo prima, inaugurando un periodo d ” oro per i musical che sarebbe durato quasi 30 anni.
“Tutti i classici provengono da quel periodo”, dice Armstrong, che spiega che prima dell’Oklahoma, operette, riviste e commedie musicali erano divertenti ma molto vagamente costruite. La nuova forma di Oklahoma e il successo fenomenale hanno portato ad altri spettacoli costruiti intorno alla storia e ai personaggi. “È stata un’evoluzione, ma sembrava più una trasformazione”, afferma Armstrong. “È diventato una forma d’arte molto più di impatto.”
È la nostra grande forma d’arte americana, e sono entusiasta di condividerla.
Un altro shakeup è venuto con la guerra del Vietnam, quando un crescente cinismo ha portato a spettacoli come Cabaret e Sweeney Todd che ha caratterizzato temi più scuri e antieroi. Compositori di Broadway inizialmente irritato la popolarità della musica rock and roll, ma alla fine incorporato rock e altri stili pop, una tendenza che ha continuato. Hamilton di grande successo di oggi, con musica hip hop, ha inaugurato un altro Rinascimento e ha introdotto una nuova generazione a Broadway.
La maggior parte degli studenti ha familiarità con Hamilton, ma i compiti a casa li introducono agli spettacoli che sono venuti prima. Armstrong assegna versioni cinematografiche di musical selezionati, spesso accoppiando spettacoli di epoche diverse per esplorare somiglianze tematiche. (Sia Gypsy che Hairspray, per esempio, presentano donne trasgressive che si rifiutano di seguire le regole.) Presenta anche clip in classe, e ha studenti frequentano una produzione UW e due musical al Teatro 5th Avenue durante il trimestre-quest’ultimo ad una frazione del prezzo usuale grazie alle sue connessioni.
Attraverso questa immersione, gli studenti scoprono temi comuni nei musical. Il più onnipresente è race, da Showboat nel 1920 a West Side Story nel 1950 a Hamilton oggi. “Nel corso dei 120 anni di storia del teatro musicale, circa 37 musical hanno trattato la razza come argomento principale”, dice Armstrong, che trascorre una sessione di lezione completa esplorando il tema.
Verso la fine del trimestre, gli studenti sogneranno le proprie idee per un nuovo musical, che presenteranno a un gruppo di professionisti del settore, sperando di dimostrare come la loro storia trarrebbe beneficio da questa forma unica di narrazione. È improbabile che gli studenti escano con il prossimo Hamilton, ma Armstrong spera che il progetto di classe e il corso cambino per sempre il modo in cui guardano i musical.
“Dopo questa lezione, questi studenti non vedranno mai più i musical allo stesso modo”, afferma Armstrong. “Avranno un apprezzamento per la forma e la vedranno come un’importante pietra di paragone culturale. È la nostra grande forma d’arte americana, e sono entusiasta di condividerla.”