Michelangelo è uno dei più importanti artisti del Rinascimento italiano. La sua opera più riuscita è in mostra a Roma, Città del Vaticano, notoriamente, nella Basilica di San Pietro e la Cappella Sistina…
La ‘Pietà’ (1499) da Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni)
la statua, in marmo, è considerata da molti la più chiara espressione del genio di Michelangelo. È una fusione dello stile classico con un naturalismo molto più fluido. Il livello di lavorazione è eccezionale così come l’atmosfera di pace e serenità che evoca. Maria, lungi dall’essere sconvolta dal dolore, è invece mostrata accettare il sacrificio che lei e il figlio morto hanno fatto, consolati dalla loro completa fiducia nella Risurrezione.
Michelangelo spiegò che il volto giovanile della Vergine era basato sui ricordi di sua madre, morta quando aveva cinque anni. Questo, e l’intenzione di mostrarla come eterna e incorruttibile, portò la Maria della Pietà ad apparire molto più giovane e serena di molti altri trattamenti di questo soggetto.
L’artigianato tecnico è sorprendente, soprattutto se si considerano gli strumenti e le tecniche del tempo — solo martello e scalpello, utensili a mano e vari gradi di grana utilizzati per levigare e lucidare. Eppure le pieghe scolpite parlano di morbidezza del tessuto e la carne di pietra sembra cedere alla pressione del tatto.
La scultura è naturalistica, anche se non realistica. Entrambe le figure sono anatomicamente corrette, ma la proporzione è stata adattata per ragioni di equilibrio e simbolismo. Maria è troppo grande rispetto alla figura di Gesù. Questa distorsione deliberata le permette di tenere il corpo con apparente facilità. Crea anche la struttura piramidale della composizione, creando una dinamica ascendente per indicare il viaggio simbolico dalla terra al cielo nella prossima Ascensione.
Nell’arte antica, la dimensione di una figura spesso designava la loro importanza e questo approccio persisteva in alcuni esempi medievali. Qui, però, l’artista sta manipolando il suo linguaggio visivo a fini diversi. Il gioco sottile su scala aiuta a suscitare la risposta emotiva che intende e introduce anche una narrazione.
Michelangelo ripropone Cristo bambino e così chiude il cerchio della storia, rendendo l’opera più sulla rinascita che sulla morte, sottolineando al contempo il legame tra madre e figlio. Lo spettatore ricorda le molte altre raffigurazioni di Madre Maria che tiene il Bambino Gesù all’inizio della sua vita che avrebbe portato a questo momento, 33 anni dopo. Questo è un momento tra la Crocifissione e la Risurrezione in cui tutto ciò che Maria deve consolarla è la fede — un motivo centrale nel cristianesimo e centrale per la festa religiosa di Pasqua.
Michelangelo aveva 24 anni quando ricevette questa commissione. Sarebbe stato il monumento funerario del cardinale Jean de Bilhères, ma in seguito fu spostato nella sua cappella dedicata all’interno della Basilica di San Pietro, Città del Vaticano. E ‘ l’unica statua che ha firmato. Si dice che si vergognasse di questo atto, sostenendo di essere diventato troppo emotivo quando ha sentito qualcuno attribuire erroneamente la statua a un artista rivale. Più tardi si sentì colpevole di orgoglio. Non ha mai più firmato nessuna delle sue opere. È stata a lungo applaudita come la più grande opera della scultura rinascimentale e rimane fino ad oggi un punto di riferimento rispetto al quale viene giudicata tutta la statuaria figurativa — se non poteva sentirsi orgoglioso di questo risultato!allora lascia che sia una lezione per tutti noi!
La Cappella Sistina Dipinti (1508-1541) di Michelangelo
Questa sarebbe stata la più prestigiosa commissione per qualsiasi artista del tempo, ad essere impiegato dal Papa (Giulio II) per decorare una cappella maggiore nel Palazzo del Vaticano. Michelangelo inizialmente rifiutato! Voleva concentrarsi su commissioni scultoree, una delle quali era per la tomba del Papa.
Il Papa, però, non accetterebbe alcun rifiuto e, dopo continue trattative, alla fine convinse Michelangelo ad assumere l’incarico. Sembra che il fattore vincente sia stato che il Papa ha accettato di consentire a Michelangelo la libertà artistica di decidere cosa avrebbe dipinto sul soffitto e come lo avrebbe ritratto. Il Papa ha insistito perché le immagini fossero ricche di significato, ma per il resto ha lasciato il contenuto a discrezione dell’artista, soggetto a continue revisioni e approvazioni, ovviamente.
Un’altra clausola del contratto era che Michelangelo fosse autorizzato a lavorare esclusivamente sul progetto. Lo scrittore Vasari ci dice che Michelangelo ha lavorato da solo sui dipinti, non permettendo nemmeno agli assistenti di macinare e mescolare i suoi pigmenti. Questo è stato molto insolito come la maggior parte dei maestri del Rinascimento avrebbe disegnato full-size ‘cartoni animati’ per una tale impresa, e poi aveva un team di assistenti e studenti tracciare i disegni e fill-in la maggior parte dei colori. Il Maestro sarebbe solo allora poi intervenire per lavorare sui dettagli ‘importanti’ come mani e volti.