15 najlepszych albumów klasycznego rocka na winylu

jeśli chodzi o słuchanie kawałka klasycznego rocka, solidna i niezawodna płyta winylowa jest zawsze dość wyjątkowa – a kiedy obracasz woskiem na najlepszych gramofonach na świecie, może to być sonic bliss.

spójrzmy prawdzie w oczy, nie ma nic lepszego niż odkładanie igły, bujanie się, a następnie eksplorowanie opakowania albumu w poszukiwaniu notatek, zdjęć zespołu i przeszukiwanie okładki, aby zebrać coraz więcej szczegółów. Spróbuj to zrobić w wersji cyfrowej!

nie wydaje się, że dawno temu winyl był wrzucany bezceremonialnie na złom, podczas gdy nowy kid of the block, CD, był reklamowany jako przyszłość. Tak, wciąż lubimy nasze kolekcje płyt, ale winyl jest po prostu bardziej wyjątkowy.

i znalazło to odzwierciedlenie w sprzedaży w ostatnich latach, w których winyl po raz kolejny zyskał popularność – niezwykłe osiągnięcie ze względu na dominację usług strumieniowych online.

w rzeczywistości, w 2019 roku brytyjski przemysł Fonograficzny zameldował się, aby zgłosić, że aż 4.W całym kraju sprzedano 3 miliony płyt winylowych, co czyni go dwunastym z rzędu wzrostem sprzedaży winylu.

rozmawiając z klasycznym rockiem, autorka Jennifer Otter Bickerdike wyjaśniła: „zajęło nam podróż na skraj wymarcia, aby uświadomić sobie, jak ważny jest fizyczny zapis w definiowaniu siebie, społeczności i kultury.”

ale z dużą ilością winylu w sklepach i online, od czego zacząć, jeśli jesteś fanem rocka, który chce zacząć budować swoją kolekcję? Aby pomóc, wybraliśmy 15 z tego, co uważamy za najlepsze rockowe albumy, jakie kiedykolwiek nagrano.

• nasz wybór najlepszych gramofonów budżetowych
• fajne pomysły na przechowywanie płyt winylowych
• 10 najlepszych albumów rockowych z Lat 90. do posiadania na winylu
• Najlepsze słuchawki na winylu: uzyskaj jak najwięcej ze swoich płyt
• jak czyścić płyty winylowe, radzić sobie z zadrapaniami i nie tylko

AC / DC-Back In Black (1980, Albert/Atlantic)

Wydali serię udanych płyt, w końcu złamali Stany Zjednoczone z ich albumem Highway To Hell, i byli gotowi nagrać album, który ostatecznie stał się z powrotem w czerni. Jednak w lutym tego roku frontman Bon Scott został znaleziony martwy w Londynie. Po jego pogrzebie – i z pewną zachętą ze strony rodziców – pozostali członkowie AC / DC zaczęli szukać nowego wokalisty-i w ciągu kilku miesięcy Brian Johnson został ogłoszony nowym wokalistą.

zespół złożył hołd Scottowi czarną okładką albumu: płyta miała być całkowicie czarna z wytłoczonymi napisami, jednak wytwórnia nalegała na umieszczenie szarego logo zespołu. Back In Black również zaczyna się od dzwonków dla Bon. Poza tym krótkim otwarciem nie ma refleksyjnych, żałobnych czy smutnych piosenek. Ogólnie rzecz biorąc, zespół trzymał się tego, co wiedzieli: hard-hitowego i starego dobrego rock ’ n ’ rolla.

Back In Black jest pełen mięsistych riffów, których każdy początkujący gitarzysta spróbuje nauczyć się przynajmniej raz, a także szczyci się solówkami, które doświadczeni gracze chcieliby naśladować. Utwory takie jak You Shook Me All Night Long mają infection Chorus, które pasują do ogromnych Aren, które w końcu wypełnią, a Shoot to Thrill to pełen adrenaliny rockowy hymn, który byłby używany w ścieżkach dźwiękowych do filmów lata po premierze.

chwytliwe riffy i cytowane teksty Back in Black są tak synonimem muzyki rockowej, że są znane nawet najbardziej przypadkowym słuchaczom, podczas gdy utwory pozostały na scenie AC / DC przez lata.

Black Sabbath-Paranoid (1970, Vertigo/Warner Bros)

jak każdy, kto lubi niesłusznie głośną muzykę powie, powszechnie uważa się, że heavy metal narodził się w 1970 roku, kiedy to Brummie headbangers Black Sabbath wydali swój debiutancki album. Pójdźmy dalej i sugerujmy, że heavy metal po raz pierwszy osiągnął swój pierwszy krok z drugim albumem Sabbath, Paranoid, cięższym, bardziej groźnym i bardziej dopracowanym zbiorem piosenek.

jeden-dwa pierwsze ujęcie War Pigs i Paranoid same w sobie po prostu nie mogą być lepsze w świecie metalu. Ten pierwszy, krytyk wojny, a w szczególności polityki rządu amerykańskiego w odniesieniu do Wietnamu, widzi w szczytowej formie liryka i basistę Geezera Butlera – nawet jeśli nie może znaleźć lepszego sposobu na rymowanie „mas” niż ze sobą w dwuwierszu „generałowie zebrani w swoich masach / tak jak czarownice na czarnych masach”.

ten ostatni, zippy paean to mental destability, jest prawdopodobnie najbardziej znanym utworem Sabbath ’ a, wykonanym w rzadkim, nie doomowym tempie. Następnie album przenosi się do zmysłowej instrumentalnej planety Caravan, pięknej, malowniczej piosenki, przed pulverising hammer blow Iron Mana.

to nie sama moc sprawia, że Paranoid jest wyjątkowym albumem, chociaż ma to na uwadze: to żywa świadomość dynamiki pisania piosenek, którą pokazują Butler, wokalista Ozzy Osbourne, gitarzysta Tony Iommi i perkusista Bill Ward, wszyscy jeszcze w bardzo wczesnych latach dwudziestych w momencie nagrywania. To, że płyta taka jak ta została napisana i wydana przez tak młodych muzyków, jest niczym cudownym, choć w sensie piekielnym, a nie niebiańskim.

Thin Lizzy-Live And Dangerous (1978, Vertigo)

Thin Lizzy, Hard rockowi Tytani z ikonicznym irlandzkim piosenkarzem Philem Lynottem, wydali już siedem albumów w ciągu sześciu lat, zanim zdążyli wydać kolekcję na żywo – ale kiedy przyszło, to był potwór. Podwójny album z utworami nagranymi na żywo w różnych lokalizacjach, Live And Dangerous był jednym z najwcześniejszych koncertów, które dorównywały, a nawet przewyższały umiejętności studyjne zespołu, który go stworzył.

stworzony przez producenta Tony ’ ego Viscontiego, którego osiągnięcia z Davidem Bowie, T-Rexem i innymi artystami uczyniły z niego coś w rodzaju króla w jego zawodzie, album ściąga sztuczkę brzmienia zarówno na żywo, jak i dopracowanego.

Rosalie była singlem wydanym na LP, ale szczerze mówiąc, każda liczba piosenek równie dobrze reprezentuje jej czystą energię – nie tylko opening cut, Jailbreak i wściekłe spojrzenie na to, co jest prawdopodobnie najsłynniejszą piosenką Lizzy, The Boys Are Back In Town. Tekstury ich materiału na żywo zostały poprawione bez końca przez saksofonistę, Johna Earle 'a i nikogo innego jak Huey Lewis – tak, tego niesławnego Huey’ a Lewisa, który sam jeszcze pięć lat dzieli od globalnego sukcesu.

podobnie jak wydany trzy lata później album No Sleep 'Til Hammersmith zespołu Motorhead, Live And Dangerous pozostaje jednym z kwintesencji albumów live złotej ery hard rocka.

The Rolling Stones-Sticky Fingers (1971, Rolling Stones)

żaden kolekcjoner płyt nie chce sticky fingers na winylu. Sticky Fingers na winylu to jednak inna historia. Nagrany w ciągu dwóch lat w trzech lokalizacjach (Muscle Shoals Sound Studio w Alabamie, frontman Mick Jagger ’ s own country home I Olympic Studios w Londynie), Sticky Fingers był pierwszym LP The Rolling Stones, który został wydany przez ich własne Rolling Stones Records. Album jest również pierwszym, w którym wystąpił Mick Taylor, który zastąpił gitarzystę Briana Jonesa w 1969 roku. Wśród garstki muzyków, którzy pojawili się na płycie, Pete Townshend jest prawdopodobnie najbardziej godny uwagi, uważa się, że przyczynił się do powstania chórki.

a także czczony jako jeden z najlepszych The Rolling Stones, Sticky Fingers szczyci się jedną z najbardziej klasycznych okładek albumów w rocku. Grafika-zaprojektowana przez znanego artystę Andy 'ego Warhola – została sfotografowana przez Billy 'ego Name’ a i posiada w pełni działający zamek błyskawiczny na większości oryginalnych tłoczeń.

ze względu na unikalną konstrukcję płyty, pod okładką ukryty jest drugi nadruk prawdopodobnie tego samego modelu rozebranych majtek ozdobionych imieniem Warhola i ciekawą linijką: „to zdjęcie może nie być-itp.”Model był powszechnie uważany za samego Jaggera po wydaniu płyty, choć obecnie wiadomo, że tak nie jest.

w rzeczywistości tożsamość właściciela krocza pozostaje tajemnicą. I choć na rewersie płyty tylko małe, Sticky Fingers po raz pierwszy użyto ikonicznego logo tongue and lips The Rolling Stones.

The Beatles-Sgt Pepper ’ s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone/Capitol)

zanim Sgt Pepper został wydany w 1967, sprawy wyglądały ponuro dla The Beatles. W 1966 roku zespół ogłosił, że wycofa się z występów na żywo i pojawiły się pogłoski o ich rozstaniu. Fakt, że wszyscy czterej członkowie wzięli trzymiesięczną przerwę, nie uspokoił plotek.

ale potem Fab Four wyruszy na swój najbardziej ambitny projekt – i taki, który pobije rekordy sprzedaży, pomimo braku singli, które go promują. Po wydaniu, BBC szybko zakazało piosenki a Day In the Life ze względu na interpretację tekstu jako zachęcającego do zażywania narkotyków, a tekst „4,000 holes in Blackburn” miał odnosić się do dziur w ramieniu narkomana. Chociaż te insynuacje nigdy nie zostały potwierdzone lub zaprzeczone przez grupę, odpowiedź Paula McCartneya była dosadna, gdy powiedział: „nie obchodzi nas, czy zakazują naszych piosenek. To może pomóc punkcji.”

Beatlesi dodali kilka rzeczy do wydania winylowego, aby wrażenia słuchowe fanów w domu były bardziej interaktywne. Sgt Pepper był pierwszym rockowym LP, na którym teksty piosenek były drukowane na okładce, wcześniej zwykle drukowano je w czasopismach. Oryginalne tłoczenie winylu było również z kawałkiem karty z licznymi wycięciami, w tym opadającymi wąsami, paskami sierżanta i podstawką czterech Beatlesów.

na przestrzeni lat wydano wiele kolorowych tłoczeń winylowych, w tym w czerwonym, żółtym, pomarańczowym, kanadyjskim wydaniu różowym i szarym marmurkowym, a także płytę z obrazkami z kultową okładką albumu.

Def Leppard-Hysteria (1987, Mercury/Phonogram)

Jeśli w Pyromanii z 1983 Def Leppard zanurzył palec w wodach popu, histeria była kulą armatnią na głębokim końcu. Od początku, koncepcja albumu pozostała taka sama – być hard rockową wersją Thrillera Michaela Jacksona, na którym każdy utwór mógł być hitem-i rzeczywiście siedem z 12 utworów było, jeden singiel więcej niż Thriller. Z ponad 25 milionami sprzedanych egzemplarzy na całym świecie, Hysteria pozostaje najlepiej sprzedającą się płytą zespołu.

czwarta płyta Def Lepparda z turbodoładowaniem trwała prawie cztery lata i kosztowała zaledwie 5 milionów dolarów. W czasie około 63 minut histeria naprawdę rozciągnęła granice tego, jak długi może być standardowy album w tym czasie-niestety dla audiofilów, ze szkodą dla tłoczeń winylowych.

ponad godzina muzyki to o wiele za dużo, aby wycisnąć ją na jednym talerzu i zachować wysoki standard jakości dźwięku. Nowsze winylowe wydania albumu zaradzą temu, wydając dwie płyty LP, w szczególności reedycję winylową gatefold 30th anniversary, zawierającą w pełni zremasterowane utwory na uderzająco przezroczystym pomarańczowym wosku 180g.

Neil Young-Harvest (1972, Reprise)

kiedy Neil Young wydał Harvest w 1972 roku, został wyniesiony do rangi sławy, głównie ze względu na cieszące się uznaniem piosenki Heart of Gold oraz The Needle And the Damage Done. Ten pierwszy jest bardziej lekkostrawny i chwytliwy; ten drugi jest ciemniejszy, bardziej ponury w tonie i produkcji, ponieważ został nagrany na żywo, a także lepszy. The Needle And the Damage Done, nagrane podczas koncertu na UCLA w poprzednim roku, były paeanem dla przyjaciół Younga, którzy ulegli przedawkowaniu heroiny, w szczególności jego poprzedni basista Danny Whitten. Kończy się nagle, w połowie sekwencji akordów, nadając temu skądinąd zgrabnemu albumowi groźną przewagę.

krytycy nie dali Harvestowi szczególnie dobrych recenzji w momencie wydania: niektórzy uważali, że zbyt łatwo powtarza formułę After The Gold Rush. Jednak w następnych latach album został uznany za klasykę wszech czasów – nawet przez członków Lynyrd Skynyrd, którego piosenka Sweet Home Alabama została napisana w odpowiedzi na anty-Południowe sentymenty wyrażone przez Younga w piosence Alabama.

Eagles – Hotel California (1976, Asylum)

„Witamy w hotelu California.”Na piątym studyjnym albumie The Eagles wyczarowali alegoryczny hotel jako środek do wyrażenia rozczarowania rzekomym „amerykańskim snem” – zaledwie początek szerszego komentarza na temat autodestrukcyjnej natury ówczesnego przemysłu rockowego, Stanów Zjednoczonych i całego świata.

bezsprzecznie jeden z najbardziej kultowych albumów rockowych wszech czasów, Hotel California zdobył nagrodę Grammy (Płyta Roku za utwór tytułowy albumu) i sprzedał się w ponad 30 milionach egzemplarzy (drugi najlepiej sprzedający się album the Eagles, po sukcesie ich największych przebojów (1971-1975).

Hotel California był debiutem gitarzysty Joe Walsha, a także ostatnim LP z basistą Randym Meisnerem. Album został nagrany w Criteria Studios na Florydzie i Record Plant Studios w Kalifornii z producentem Billem Szymczykiem, który pracował również nad poprzednią płytą the Eagles, One of These Nights. Sesje nagraniowe w Criteria Studios były często zakłócane przez hałas z Black Sabbath pracującego nad Technical Ecstasy w studio obok.

Led Zeppelin-III (1970, Atlantic)

w rzeczywistości Led Zeppelin był kierowany przez Jimmy 'ego Page’ a i nikt inny-co wyjaśnia kierunek, w jakim obrał Led Zeppelin III. Podczas gdy debiutancki album Zep i kontynuacja, oba wydane w 1969 roku, były zasadniczo LP z hard rockowymi utworami z kilkoma akustycznymi partiami tu i tam, III był w większości unplugged. Spokojniejszy, słodszy, bardziej zrelaksowany klimat przeniknął w rezultacie płytę, a sam fakt, że Page i Robert Plant skomponowali piosenki w odległej walijskiej chacie o nazwie Bron-Yr-Aur. Bez bieżącej wody i elektryczności, dwójka wyciągnęła gitary akustyczne, zaczęła pisać-i w ten sposób ugruntowała wielką rockową tradycję „spotkania w kraju”.

Usiądź wygodnie w beanbagu, załóż słuchawki i zanurz się w otwierającym cięciu, najcięższej piosence na płycie. Klasyczny gitarowy riff Page ’ a oparty na oktawie, podczas gdy Plant wydaje okrzyk, z którego już stał się sławny. Friends to głębsza piosenka, mimo że jest w dużej mierze akustyczna: wyróżnia się niezwykłą orkiestracją indyjskich instrumentów smyczkowych.

wszyscy zgadzamy się, że Led Zeppelin III jest dziś znakomitym albumem, ale krytycy po prostu tego nie rozumieli. Ani wystarczająco ciężki dla headbangerów, ani wystarczająco progresywny dla fanów Jethro Tull, wpadł między dwa stołki, uważano. Jak bardzo się mylili i jak wspaniałe jest spojrzenie z perspektywy czasu.

Fleetwood Mac-Rumours (1977, Warner Bros)

na ich jedenastej płycie Fleetwood Mac stworzył słodko-gorzkie arcydzieło napędzane być może jednym z najbardziej niesławnych melodramatów rocka. Wydany w 1977 roku album stał się siódmym najlepiej sprzedającym się albumem studyjnym wszech czasów z ponad 45 milionami sprzedanych egzemplarzy na całym świecie. W 1978 roku album zdobył nagrodę Grammy w kategorii Album Roku, a w 1978 roku został wyróżniony nie tylko najlepszym dziełem Fleetwood Mac, ale także najlepszymi piosenkami wszech czasów.

na przełomowym LP pojawiło się piąte wcielenie zespołu – Duet gitarzysty Lindsey Buckingham i wokalisty Stevie Nicks, do którego dołączyli Mick Fleetwood, Christine McVie i John McVie dwa lata wcześniej po odejściu Boba Welcha. W 1975 roku, po wydaniu tytułowego albumu, Rumours dopełnia progresję Fleetwood Mac z zespołu bluesowych klisz do jednego z jasnych popowych singli i nieskazitelnego pisania piosenek.

wśród mnóstwa oficjalnych i nieoficjalnych powtórek w ciągu ostatnich 40 lat, audiofile będą rozkoszować się wersją z 2011 roku, która została wydana na US Record Store Day, która została wycięta z prędkością 45 obr. / min na ciężkim winylu 180g i zremasterowana z oryginalnych taśm analogowych, aby osiągnąć maksymalną jakość dźwięku.

The Jimi Hendrix Experience-Are You Experienced (1967, utwór)

często uważany za jeden z najlepszych albumów wszech czasów, i utwierdzając Status Jimiego Hendrixa jako oryginalnego Guitar hero, Are You Experienced pozostaje kamieniem milowym w historii muzyki rockowej ponad 50 lat od jej wydania.

nagrywanie albumu odbywało się pomiędzy napiętym harmonogramem występów na żywo, chociaż trio notorycznie układało całe utwory przy minimalnym zamieszaniu. Przede wszystkim, The Wind Cries Mary został podobno nagrany w jednym ujęciu, który został napisany przedwczoraj przez Hendrixa. Szacuje się, że produkcja albumu nie przekraczała 1500 funtów.

oryginalne wydanie LP w Wielkiej Brytanii w maju 1967 zawierało miks mono, ale miks stereo został również wyprodukowany, gdy płyta dotarła do USA w sierpniu tego samego roku. Istnieje kilka różnic między tymi dwoma miksami, w tym bęben na May This Be Love i dźwięk Hendrixa obracających strony tekstów, które nie są słyszalne na miksie mono.

Guns N ’ Roses-Appetite For Destruction (1987, Geffen)

do dziś Appetite For Destruction jest najlepiej sprzedającym się debiutanckim albumem i jednym z najlepiej sprzedających się albumów wszech czasów. Guns N ’ Roses wniosło nowy wymiar muzyki rockowej w studiu i poza nim, czego nie było widać od czasów The Rolling Stones.

Appetite For Destruction zawiera single Welcome To The Jungle, Sweet Child O’ Mine i Paradise City, które znalazły się w pierwszej dziesiątce amerykańskich list przebojów. Otwarcie Welcome To The Jungle doskonale uchwyci Cię, drażniąc się lekkim echem gitary przed zbudowaniem, a następnie eksplodując w bluesowym głównym riffie. Appetite For Destruction ma Stronę G i R, A strona Guns zawiera piosenki o drugs I life in Hollywood, a strona Roses składa się z piosenek o miłości i seksie.

oryginalne wydanie winylowe miało inną okładkę niż kultowy Krzyż celtycki z czaszkami każdego członka zespołu. Pierwsze wydanie płyty zawierało grafikę Roberta Williamsa przedstawiającą kobietę napastowaną seksualnie przez robota i potwora, który miał zaatakować robota. Sklepy odmówiły magazynowania albumu, a wytwórnia zastąpiła szatę graficzną tą, którą wszyscy znamy.

wersja z zakazanymi grafikami nie jest trudna do znalezienia, jeśli przeglądasz internetowe serwisy aukcyjne, ale powinieneś oczekiwać, że zapłacisz co najmniej dwukrotnie więcej za ten sam album z ponownie wydaną grafiką.

śmieszna reedycja Appetite For Destruction jest już dostępna i z pewnością zadowoli nawet najbardziej zapalonych audiofilów lubiących GNR… nawet jeśli jest to wymuszone!

Pink Floyd-The Dark Side Of The Moon (1973, Harvest)

Pink Floyd zawsze był eksperymentalny w swoim podejściu do muzyki, ale grupa naprawdę chciała przesunąć kopertę ze swoim nowym projektem i odpowiednio wzmocnić psychodeliczne dźwięki, które tak mocno występowały na wcześniejszych albumach. Oprócz tego, grupa zajęła się chorobą psychiczną, chciwością, przemijaniem czasu i konfliktem, z których wszystkie znalazły się w takich utworach jak Money, Us and Them I Brain Damage (który był pierwotnie znany jako Lunatic podczas sesji nagraniowych i występów na żywo).

jest to prawdopodobnie jeden z najbardziej dostępnych utworów, które zespół wykonał i stał się idealnym punktem wyjścia dla każdego, kto jest nowy w grupie. Wpłynął on na ogromną liczbę tak różnorodnych zespołów jak Radiohead, My Morning Jacket czy The Flaming Lips, którzy w 2009 roku zremasterowali album.

więc jeśli chodzi o Ciemną Stronę Księżyca, główną decyzją jest, którą wersję powinieneś wybrać? Oryginalna wersja Harvest pressing z 1973 roku może sprzedać się nawet za 250 funtów, podczas gdy wersja amerykańska zobaczy zmianę z 20 funtów. Remaster wydany w 2009 roku przez Mobile Fidelity Sound Lab jest podobnie wyceniony do amerykańskiego oryginału, podczas gdy wersja wydana z okazji 30-lecia albumu w 2003 roku jest nieco droższa, sprzedając się nawet za 100 funtów.

Alternatywnie możesz po prostu wskoczyć do lokalnego emporium record i odebrać reedycję z 2016 roku, co jest wysoce zalecane.

The Who-Quadrophenia (utwór/MCA, 1973)

w całości napisany przez Pete ’ a Townshenda, Quadrophenia podąża za nastolatkiem Jimmym: odmieńcem, który stara się wypracować swoje miejsce na świecie – dopóki nie odkryje ruchu mod I Who. Ma dość życia w domu, ślepej Roboty i Relacji z przyjaciółmi i rodziną, przenosi się z Londynu do Brighton. Jimmy cierpi na schizofrenię i ma cztery osobowości, co wyjaśnia tytuł albumu. Każda z osobowości odzwierciedla członka zespołu i eksploruje temat, który powtarza się w albumie. Kwadrofenia przemawiała do ówczesnych nastolatków, którzy mogli odnosić się do nastoletnich lęków.

na płycie winylowej, wewnątrz gatefold znajduje się podsumowanie fabuły Quadrophenia, a także książeczka ze zdjęciami przedstawiającymi Brighton i Londyn podczas sceny mod, kiedy to powstał album.

Queen-a Night At the Opera (EMI/Elektra, 1975)

a Night At the Opera cementowała Queen jako nazwę domową i – przepraszam za kalambur – muzykę królewską. Album zawiera normalną różnorodność gatunków Queen, a także eksperymentowanie z dźwiękami i technikami nagrywania. Są utwory, które są całkowicie rockowe, ale zespół nie wydaje się traktować siebie zbyt poważnie w swojej muzyce. Weźmy na przykład Seaside Rendezvous, gdzie Freddie Mercury imituje Instrumenty Dęte Drewniane tylko swoim głosem.

mają jednak okazjonalne poważne momenty, takie jak w otwierającym utwór Death On Two Legs, który jest podobno nienawistną piosenką skierowaną do pierwotnego menedżera Queen. Love of My Life został napisany przez Mercury 'ego o jego ówczesnej dziewczynie Mary Austin, ale Brian May później przearanżował piosenkę i po śmierci Mercury’ ego zadedykował mu ją podczas grania na żywo.

nie można wspomnieć o nocy w Operze bez przywołania Bohemian Rhapsody, najlepiej sprzedającego się komercyjnego singla wszech czasów w Wielkiej Brytanii i jednej z najbardziej znanych piosenek zespołu. Był to również najdroższy singel do wyprodukowania w momencie wydania, nagrywając go w wielu studiach i zajmując ponad trzy tygodnie. Był dwukrotnie dłuższy od większości singli i otrzymał wówczas tylko mieszane recenzje, if you can believe it.

Teraz jest to jedna z najbardziej znanych piosenek rockowych wszech czasów; jest na szczycie list przebojów na całym świecie i pozostaje popularnym wyborem wśród pijanych piosenkarzy karaoke na całym świecie.