I 15 migliori album di rock classico da possedere su vinile

Quando si tratta di ascoltare una fetta di rock classico, un disco solido e affidabile di vinile è sempre piuttosto speciale – e quando si gira la cera su alcuni dei migliori giradischi del mondo, può essere beatitudine sonora.

Ammettiamolo, non c’è niente di meglio che abbassare l’ago, dondolare e poi esplorare la confezione dell’album per le note di copertina, le foto della band e perlustrare la copertina per raccogliere sempre piccoli dettagli. Prova a farlo su un download digitale!

Non sembra molto tempo fa che il vinile fosse stato scaricato senza troppe cerimonie sul mucchio di rottami mentre il nuovo kid of the block, il CD, veniva pubblicizzato come il futuro. Sì, ci piacciono ancora le nostre collezioni di CD, ma il vinile è solo un po ‘ più speciale.

E questo si è riflesso nelle vendite degli ultimi anni, che hanno visto il vinile salire ancora una volta in popolarità – un risultato notevole dato il predominio dei servizi di streaming online.

In effetti, nel 2019, l’industria fonografica britannica ha effettuato il check-in per segnalare che un enorme 4.3 milioni di lp in vinile erano stati venduti in tutto il paese, il che rende il 12 ° anno consecutivo che il vinile ha visto un aumento delle vendite.

Parlando con Classic Rock, l’autrice Jennifer Otter Bickerdike ha spiegato: “Ci è voluto un viaggio sull’orlo dell’estinzione per renderci conto di quanto sia importante il disco fisico nel definire sé, comunità e cultura.”

Ma con un’abbondanza di vinile nei negozi e online, da dove inizi se sei un fan del rock che vuole iniziare a costruire la tua collezione? Per aiutare, abbiamo raccolto a mano 15 di quello che consideriamo essere i migliori album rock mai registrati.

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AC/DC – Back In Black (1980, Albert/Atlantic)

AC/DC sembrava di essere sul loro modo nel 1980. Avevano pubblicato una serie di dischi di successo, finalmente rotto gli Stati Uniti con il loro album Highway To Hell, e sono stati impostati per registrare l’album che alla fine sarebbe diventato di nuovo In nero. Tuttavia, nel febbraio dello stesso anno, il frontman Bon Scott fu trovato morto a Londra. Dopo il suo funerale – e con qualche incoraggiamento dai suoi genitori-i restanti membri degli AC/DC iniziarono a cercare un nuovo cantante-e nel giro di un paio di mesi, Brian Johnson fu annunciato come nuovo cantante.

La band ha reso omaggio a Scott con la copertina nera dell’album: doveva essere interamente nera con scritte in rilievo, tuttavia, l’etichetta discografica ha insistito per includere il grigio per il logo della band. Torna In nero inizia anche con campane che suonano per Bon. A parte quella breve apertura, non ci sono canzoni riflettenti, tristi o tristi. In generale, la band ha bloccato con quello che sapevano: hard-colpire e buon vecchio stile rock’n’roll.

Back In Black è pieno di riff carnosi che ogni chitarrista alle prime armi tenterà di imparare almeno una volta, e vanta anche assoli che i giocatori esperti vorrebbero poter emulare. Tracce come You Shook Me All Night Long hanno cori di infezione che si adattano alle enormi arene che alla fine riempirebbero, mentre Shoot To Thrill è un inno rock pieno di adrenalina che verrà utilizzato sulle colonne sonore dei film anni dopo la sua uscita.

I riff orecchiabili di Back In Black e i testi quotabili sono così sinonimi di musica rock che sono conosciuti anche dal più casuale degli ascoltatori, mentre le canzoni sono rimaste graffette nelle esibizioni dal vivo degli AC/DC nel corso degli anni.

Black Sabbath – Paranoid (1970, Vertigo/Warner Bros)

chiunque ami unsociably musica ad alto volume vi dirà, l’heavy metal è comunemente pensato per essere nato nel 1970, quando Brummie headbangers Black Sabbath hanno pubblicato il loro album di debutto omonimo. Andiamo oltre e suggeriamo che l’heavy metal ha davvero colpito il suo passo per la prima volta con il secondo album dei Sabbath, Paranoid, una raccolta di canzoni più pesante, più minacciosa e più sfumata.

Il colpo di apertura uno-due di War Pigs e Paranoid stesso semplicemente non può essere migliore nel mondo metal. Il primo, una critica alla guerra e in particolare alle politiche del governo americano riguardo al Vietnam, vede il paroliere e bassista Geezer Butler in forma di picco-anche se non riesce a trovare un modo migliore per rimare “masse” che con se stesso nel distico “Generali riuniti nelle loro masse/Proprio come streghe alle masse nere”.

Quest’ultimo, un inno zippy all’instabilità mentale, è probabilmente la canzone più conosciuta dei Sabbath, eseguita a un tempo raro e non doomy. L’album passa poi alla sensuale strumentale Planet Caravan, una bellissima canzone paesaggistica, prima del polverizzante colpo di martello di Iron Man.

Non è il potere puro che rende Paranoid un album unico, anche se ha quello da risparmiare: è la consapevolezza acuta delle dinamiche di songwriting mostrata da Butler più il cantante Ozzy Osbourne, il chitarrista Tony Iommi e il batterista Bill Ward, tutti ancora sui 20 anni al momento della registrazione. Che un disco come questo è stato scritto e consegnato da tali giovani musicisti è a dir poco miracoloso, anche se in senso infernale piuttosto che celeste.

Thin Lizzy – Live E Pericolosi (1978, Vertigini)

Thin Lizzy, l’hard rock titani trova di fronte l’iconica cantante Irlandese Phil Lynott, aveva già pubblicato sette album in sei anni, dal momento in cui hanno preso in giro per il rilascio di un live collection – ma quando è arrivato, era un mostro. Un doppio album di brani dal vivo registrati in varie località, Live And Dangerous è stata una delle prime raccolte in concerto per abbinare, o addirittura superare, le abilità in studio della band che lo ha creato.

Ideato dal produttore Tony Visconti, il cui track record con David Bowie, T-Rex e altri artisti lo aveva reso qualcosa di un re tra la sua professione, l’album tira fuori il trucco di suonare sia dal vivo che lucido.

Rosalie è stato il singolo estratto dall’LP, ma francamente qualsiasi numero di canzoni rappresenta la sua pura energia altrettanto bene – non ultimo il taglio di apertura, il jailbreak e una furiosa interpretazione di quella che è probabilmente la canzone più famosa di Lizzy, The Boys Are Back In Town. Le trame del loro materiale dal vivo sono state migliorate senza fine da un sassofonista, John Earle, e nientemeno che Huey Lewis-sì, quel famigerato Huey Lewis, lui stesso ancora a cinque anni di distanza dal successo globale.

Come No Sleep ‘Til Hammersmith dei Motorhead, pubblicato tre anni dopo, Live And Dangerous rimane uno degli album live per eccellenza dell’età d’oro dell’hard rock.

I Rolling Stones Sticky Fingers (1971, Rolling Stones)

Nessun record collector vuole sticky fingers in vinile. Sticky Fingers su vinile, tuttavia, è una storia diversa. Registrato nel corso di due anni in tre sedi (Muscle Shoals Sound Studio in Alabama, frontman Mick Jagger casa di campagna e Olympic Studios a Londra), Sticky Fingers è stato il primo LP dei Rolling Stones ad essere pubblicato sulla propria Rolling Stones Records. L’album è anche il primo con Mick Taylor, che ha sostituito il chitarrista Brian Jones nel 1969. Tra la manciata di musicisti ospiti ad apparire sul disco, Pete Townshend degli Who è forse il più notevole, creduto di aver contribuito cori a Sway.

Oltre ad essere venerato come uno dei migliori dei Rolling Stones, Sticky Fingers vanta una delle copertine degli album più classici del rock. L’opera – ideata dal famoso artista Andy Warhol – è stata fotografata da Billy Name e presenta una zip completamente funzionante sulla maggior parte delle stampe originali.

A causa della costruzione unica dell’LP, nascosta sotto la copertina è una seconda stampa di presumibilmente lo stesso modello spogliato mutande abbellito con il nome di Warhol e la linea curiosa: “Questa fotografia non può essere-etc.”Il modello è stato ampiamente creduto di essere Jagger stesso al momento dell’uscita del disco, anche se ora è noto che non è il caso.

In realtà l’identità del proprietario del cavallo rimane un mistero. E anche se solo piccolo sul retro del disco, Sticky Fingers è stata la prima volta che i Rolling Stones’ ormai iconica lingua e labbra logo era stato utilizzato.

I Beatles Sgt pepper’s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone/Capitol)

Prima di Sgt Pepper è stato pubblicato nel 1967, le cose stavano cercando desolante per I Beatles. La band annunciò nel 1966 che si sarebbero ritirati dalle esibizioni dal vivo e si vociferava della loro rottura. Il fatto che tutti e quattro i membri hanno preso una pausa di tre mesi non ha aiutato a calmare le voci.

Ma i Fab Four sarebbero poi intraprendere il loro progetto più ambizioso – e uno che avrebbe continuato a battere i record di vendite, pur non avendo alcun singolo rilasciato per promuoverlo. Al momento del rilascio, la BBC si affrettò a vietare la canzone A Day In The Life a causa del testo interpretato come incoraggiante uso di droghe, con il testo, ‘4,000 holes in Blackburn’ pensato per fare riferimento a buchi nel braccio di un tossicodipendente. Mentre queste insinuazioni non sono mai state confermate o negate dal gruppo, la risposta di Paul McCartney è stata schietta quando ha detto: “Non ci interessa se vietano le nostre canzoni. Potrebbe aiutare la LP.”

I Beatles includevano un paio di cose con la versione in vinile per rendere l’esperienza di ascolto dei fan a casa più interattiva. Sgt Pepper è stato il primo LP rock ad avere i testi delle loro canzoni stampate sulla copertina, prima di allora, le riviste di solito li stampavano. Stampe originali del vinile è venuto anche con un pezzo di carta con numerosi ritagli tra cui un baffi cadenti, strisce sergente e uno stand dei quattro Beatles.

Nel corso degli anni sono state pubblicate numerose stampe in vinile colorato, tra cui in rosso, giallo, arancione, un’edizione marmorizzata solo rosa e grigia in Canada e un picture disc con l’iconica copertina dell’album.

Def Leppard – Hysteria (1987, Mercurio/Phonogram)

Se 1983, Piromania aveva Def Leppard immergendo il loro ingresso nel mondo del pop acque, L’isteria era una palla di cannone alla fine profonda. Fin dall’inizio, il concetto dell’album era rimasto lo stesso – essere una versione hard rock di Thriller di Michael Jackson, in cui ogni traccia poteva essere un singolo di successo – e in effetti sette delle 12 tracce erano, uno più singolo di Thriller. Con poco più di 25 milioni di copie vendute in tutto il mondo, Hysteria rimane il disco più venduto della band.

Il quarto disco turbocompresso di Def Leppard ha richiesto tristemente quasi quattro anni per essere prodotto e ad un costo di appena 5 milioni di dollari. Con un tempo di esecuzione di circa 63 minuti, Hysteria ha davvero allungato i limiti di quanto potesse essere lungo un album standard all’epoca-sfortunatamente per gli audiofili, a scapito delle stampe in vinile.

Oltre un’ora di musica è troppo per spremere su un singolo piatto e mantenere un elevato standard di qualità audio. Le versioni in vinile più recenti dell’album rimediano a questo eseguendo due LP, in particolare la ristampa in vinile apribile del 30 ° anniversario, con tracce completamente rimasterizzate su una cera arancione 180g sorprendentemente traslucida.

Neil Young – Harvest (1972, Reprise)

Quando Neil Young rilasciato Raccolto nel 1972, fu elevata al rango di nome di famiglia, in gran parte a causa del grande fama canzoni dal Cuore D’Oro e L’Ago E Il Danno Fatto. Il primo è più facilmente digeribile e orecchiabile; il secondo è più scuro, più cupo nel tono e nella produzione perché è stato registrato dal vivo, e anche meglio. The Needle And The Damage Done, registrato in concerto alla UCLA l’anno precedente, era un inno a quelli degli amici di Young che avevano ceduto a overdose di eroina, in particolare il suo precedente bassista Danny Whitten. Finisce improvvisamente, a metà di una sequenza di accordi, prestando questo album altrimenti slick un bordo minaccioso.

I critici non hanno dato a Harvest recensioni particolarmente buone al momento della sua uscita: alcuni hanno ritenuto che stesse ripetendo la formula After The Gold Rush un po ‘ troppo facilmente. Tuttavia, negli anni a venire l’album è stato riconosciuto come un classico di tutti i tempi-anche dai membri dei Lynyrd Skynyrd, la cui canzone Sweet Home Alabama è stata scritta in risposta ad alcuni sentimenti anti – meridionali espressi da Young nella canzone Alabama.

Eagles-Hotel California (1976, Asylum)

” Benvenuti all’Hotel California.”Nel quinto album in studio degli Eagles, hanno evocato the allegorical hotel come mezzo per trasmettere la loro disillusione con il presunto “sogno americano” – solo l’inizio di un commento più ampio sulla natura autodistruttiva dell’industria musicale rock all’epoca, degli Stati Uniti e del resto del mondo.

Indiscutibilmente uno degli album rock più iconici di tutti i tempi, Hotel California ha vinto alla band un Grammy Award (Record Of The Year per la title track dell’album) e ha venduto più di 30 milioni di copie (il secondo album più venduto degli Eagles di tutti, dopo il successo dei loro Greatest Hits (1971-1975).

Hotel California ha segnato il debutto del chitarrista Joe Walsh, mentre anche l’ultimo LP con il bassista Randy Meisner. L’album è stato registrato ai Criteria Studios, Florida e Record Plant Studios, California con il produttore Bill Szymczyk che aveva anche lavorato al precedente disco degli Eagles, One Of These Nights. Le sessioni di registrazione ai Criteria Studios erano spesso interrotte dal rumore dei Black Sabbath che lavoravano all’Ecstasy tecnica nello studio accanto.

Led Zeppelin III (1970, Atlantico)

In realtà, I Led Zeppelin sono stati guidati da Jimmy Page e nessun altro – che spiega la direzione Led Zeppelin III ha preso. Mentre l’album di debutto e il seguito di Zep, entrambi pubblicati nel 1969, erano stati essenzialmente LP di canzoni hard rock con alcune parti acustiche qua e là, III era per lo più unplugged. Di conseguenza, un’atmosfera più calma, dolce e rilassata permeò il disco, aiutato dal fatto che Page e Robert Plant composero le canzoni in un remoto cottage gallese chiamato Bron-Yr-Aur. Senza acqua corrente o elettricità, la coppia tirato fuori chitarre acustiche, ha iniziato a scrivere-e in tal modo stabilito la grande tradizione rock di ‘getting it together in the country’.

Sedetevi nel vostro beanbag, schiaffo alcune cuffie e immergersi nel taglio di apertura, Immigrant Song – la canzone più pesante dell’album. Il classico riff di chitarra basato su ottave di Page risuona, mentre Plant offre il lamento per il quale era già diventato famoso. Friends è una canzone più profonda, pur essendo in gran parte acustica: dove eccelle è con la sua insolita orchestrazione di archi dal suono indiano.

Siamo tutti d’accordo sul fatto che Led Zeppelin III sia uno splendido album al giorno d’oggi, ma la critica non l’ha capito all’epoca. Né abbastanza pesante per headbangers né abbastanza progressiva per i fan Jethro Tull, è caduto tra due sgabelli, si pensava. Quanto erano sbagliati, e quanto è meraviglioso il senno di poi.

Fleetwood Mac – Voci (1977, Warner Bros)

Sul loro 11 ° record, Fleetwood Mac predisposto un agrodolce capolavoro alimentati da forse una delle rock più famoso di melodrammi. Pubblicato nel 1977, the intensamente personal Rumors è diventato il settimo album in studio più venduto di tutti i tempi con più di 45 milioni di copie vendute in tutto il mondo. Anche vincendo il cinque pezzi un Grammy award per l’Album dell’anno nel 1978, il disco iconico presenta non solo il miglior lavoro di Fleetwood Mac, ma alcuni dei migliori songwriting di tutti i tempi.

Il seminale LP ha caratterizzato la quinta incarnazione della band – il duo di chitarrista Lindsey Buckingham e cantante Stevie Nicks unirsi Mick Fleetwood, Christine McVie e John McVie due anni prima dopo la partenza di Bob Welch. Una transizione innescata dall’eponimo rilascio del 1975, Rumours completa la progressione di Fleetwood Mac da una band di cliché blues a uno dei singoli pop brillanti e un songwriting immacolato.

Tra la pletora di repliche ufficiali e non ufficiali negli ultimi 40 anni, gli audiofili si divertiranno nella versione 2011 che è stata rilasciata per il Record Store Day degli Stati Uniti, che è stata tagliata a 45rpm su vinile pesante 180g e rimasterizzata dai nastri analogici originali per ottenere la massima qualità audio.

La Jimi Hendrix Experience – Are You experienced (1967, Traccia)

Spesso considerato uno dei migliori album di tutti i tempi, e la cementazione di Jimi Hendrix stato come l’originale guitar hero, Are You experienced rimane una pietra miliare nella storia della musica rock oltre 50 anni dal suo rilascio.

La registrazione per l’album è stata fatta tra un fitto calendario di esibizioni dal vivo, anche se il trio notoriamente ha deposto intere tracce con il minimo sforzo. In particolare, The Wind Cries Mary è stato registrato in un singolo take essendo stato scritto solo la sera prima da Hendrix. Si stima che l’album non sia costato più di £1500 da produrre.

L’uscita originale dell’LP nel Regno Unito nel maggio 1967 presentava un mix mono, ma anche un mix stereo è stato prodotto quando il disco è arrivato negli Stati Uniti nell’agosto dello stesso anno. Ci sono diverse differenze tra i due mix, tra cui un rullo di tamburi su May This Be Love e il suono di Hendrix girando pagine di testi che non sono udibili sul mix mono.

Guns N ‘ Roses-Appetite For Destruction (1987, Geffen)

Fino ad oggi, Appetite For Destruction è l’album di debutto più venduto, e uno degli album più venduti, di tutti i tempi. I Guns N ‘ Roses hanno portato un vantaggio alla musica rock dentro e fuori lo studio che non si vedeva dai tempi dei Rolling Stones.

Appetite For Destruction presenta i singoli Welcome To The Jungle, Sweet Child O ‘ Mine e Paradise City, che hanno raggiunto la top 10 nelle classifiche statunitensi. L’apertura di Welcome To The Jungle ti cattura perfettamente prendendo in giro con la chitarra echeggiante prima di costruire e poi esplodere nel riff principale blues-grooving. Piuttosto che avere un lato A e lato B, Appetite For Destruction ha un lato G e R, con il lato Guns con le canzoni sulla droga e la vita a Hollywood e il lato Roses composto da canzoni su amore e sesso.

La versione originale in vinile aveva una copertina diversa dall’iconica croce celtica con il teschio di ogni membro della band. La prima versione del disco presentava opere d’arte di Robert Williams di una donna aggredita sessualmente da un robot e un mostro in procinto di attaccare il robot. I negozi hanno rifiutato di immagazzinare l’album e l’etichetta discografica ha sostituito l’artwork con quello che tutti conosciamo.

La versione con l’artwork vietato non è difficile da trovare se si guarda attraverso siti di aste online, ma si dovrebbe aspettare di pagare almeno il doppio di quello che si farebbe per lo stesso album con l’artwork ristampato.

La ridicola riedizione di Appetite For Destruction è ora disponibile, e sicuramente piacerà anche agli audiofili più accaniti della GNR… anche se è esorbitante!

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (1973, Vendemmia)

Pink Floyd era sempre stato sperimentale nel suo approccio alla musica, ma il gruppo voleva davvero spingere la busta di più con il suo nuovo progetto, opportunamente migliorare la psichedelica-driven suoni che avevano caratterizzato fortemente album precedenti. Accanto a questo, il gruppo ha affrontato la malattia mentale, l’avidità, il passare del tempo e il conflitto, tutti presenti pesantemente in canzoni come Money, Us And Them e Brain Damage (che era originariamente conosciuto come Lunatic durante le sessioni di registrazione dell’album e le esibizioni dal vivo).

E ‘ probabilmente uno dei pezzi più accessibili di lavoro che la band ha fatto, ed è diventato il punto di partenza perfetto per chiunque sia nuovo al gruppo. Ha influenzato un gran numero di band diverse come Radiohead, My Morning Jacket e The Flaming Lips, che hanno re-immaginato l’album nel 2009.

Quindi, quando si tratta del lato oscuro della Luna, la decisione principale è quale versione dovresti scegliere? Una spremitura originale del raccolto del 1973 può essere venduta fino a £250, mentre la versione statunitense vedrà il cambiamento da £20. Un remaster pubblicato nel 2009 da Mobile Fidelity Sound Lab ha un prezzo simile all’originale statunitense, mentre la versione pubblicata per celebrare il 30 ° anniversario dell’album nel 2003 è un po ‘ più costosa, vendendo fino a £100.

In alternativa, si può semplicemente pop giù il vostro emporio record locale e prendere la ristampa 2016, che è altamente raccomandato.

The Who – Quadrophenia (Traccia/MCA, 1973)

Interamente scritto da Pete Townshend, Quadrophenia segue adolescente Jimmy: un ragazzino disadattato che lottano per lavori di fuori del suo posto nel mondo – fino a quando, cioè, egli scopre la mod movimento e Il Che. Stufo della sua vita a casa, il suo lavoro senza uscita e le relazioni con amici e familiari, si trasferisce da Londra a Brighton. Jimmy soffre di schizofrenia e ha quattro personalità, il che spiega il titolo dell’album. Ognuna delle personalità riflette un membro della band, ed esplora un tema che si ripresenta nell’album. Quadrophenia ha parlato con gli adolescenti del tempo che potrebbero riguardare la sua angoscia adolescenziale.

Sulla versione in vinile, all’interno del gatefold è un riassunto della trama di Quadrophenia così come un booklet di fotografie che mostrano Brighton e Londra durante la scena mod, quando poi album è stato impostato.

Queen – A Night at The Opera (EMI/Elektra, 1975)

Una Notte All’Opera cementato Regina come un nome di famiglia e – scusate il gioco di parole – musica royalty. L’album presenta la normale varietà di generi dei Queen, così come la sperimentazione di suoni e tecniche di registrazione. Ci sono tracce che sono rock a tutto campo, ma la band non sembra prendersi troppo sul serio nella loro musica. Prendiamo ad esempio Seaside Rendezvous, dove Freddie Mercury imita strumenti a fiato usando solo la sua voce.

Tuttavia, hanno un momento serio occasionale come nella traccia di apertura Death On Two Legs, che si dice sia una canzone d’odio diretta verso il manager originale dei Queen. Love Of My Life è stato scritto da Mercury circa la sua allora fidanzata Mary Austin, ma Brian May avrebbe poi riorganizzare la canzone e dopo la morte di Mercury, dedicarlo a lui quando si gioca dal vivo.

Non si può parlare di una notte all’Opera senza portare Bohemian Rhapsody, il singolo commerciale più venduto di tutti i tempi nel Regno Unito e una delle canzoni più note della band. E ” stato anche il singolo più costoso da produrre al momento della sua uscita, essendo la registrazione in più studi e prendendo più di tre settimane per fare. E ” stato il doppio della lunghezza della maggior parte dei singoli e ha ricevuto solo recensioni contrastanti al momento, se si può credere.

Ora è una delle canzoni rock più conosciute di tutti i tempi; ha superato le classifiche di tutto il mondo e rimane una scelta popolare con cantanti karaoke ubriachi ovunque.