The 15 best classic rock albums to own on vinyl

Wenn es darum geht, ein Stück klassischen Rock zu hören, ist eine solide und zuverlässige Vinyl–Cd immer etwas ganz Besonderes – und wenn Sie das Wachs auf einigen der besten Plattenspieler der Welt drehen, kann es klangliche Glückseligkeit sein.

Seien wir ehrlich, es gibt nichts Schöneres, als die Nadel zu setzen, zu rocken und dann die Albumverpackung nach Liner Notes, Bildern der Band und dem Cover-Artwork zu durchsuchen, um jedes kleine Detail zu finden. Versuchen Sie ES mit einem digitalen Download!

Es scheint noch nicht so lange her zu sein, dass Vinyl kurzerhand auf den Schrotthaufen geworfen wurde, während das neue Kind des Blocks, die CD, als die Zukunft angepriesen wurde. Ja, wir mögen immer noch unsere CD-Sammlungen, aber Vinyl ist nur ein bisschen spezieller.

Und das hat sich in den letzten Jahren in den Verkäufen niedergeschlagen, bei denen Vinyl wieder an Popularität gewonnen hat – eine bemerkenswerte Leistung angesichts der Dominanz der Online-Streaming-Dienste.

Tatsächlich hat die britische Phonoindustrie im Jahr 2019 eingecheckt, um zu berichten, dass satte 4.3 Millionen Vinyl-LPs wurden im ganzen Land verkauft, Damit ist es das 12. Jahr in Folge, in dem Vinyl einen Umsatzanstieg verzeichnet hat.

Im Gespräch mit Classic Rock erklärte Autorin Jennifer Otter Bickerdike: „Es dauerte eine Reise an den Rand des Aussterbens, bis wir erkannten, wie wichtig die physische Platte für die Definition von Selbst, Gemeinschaft und Kultur ist.“

Aber mit einer Fülle von Vinyl zurück in den Läden und online, wo fängst du an, wenn du ein Rockfan bist, der mit dem Aufbau deiner Sammlung beginnen möchte? Um Ihnen zu helfen, haben wir 15 der besten Rockalben ausgewählt, die wir je aufgenommen haben.

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AC / DC – Zurück in Schwarz (1980, Albert / Atlantic)

AC / DC schien 1980 auf dem Weg nach oben zu sein. Sie hatten eine Reihe erfolgreicher Platten veröffentlicht, brach schließlich die USA mit ihrem Album Highway To Hell, und sollten das Album aufnehmen, das schließlich wieder in Schwarz werden würde. Im Februar dieses Jahres wurde Frontmann Bon Scott in London tot aufgefunden. Nach seiner Beerdigung – und mit etwas Ermutigung seiner Eltern – suchten die verbleibenden Mitglieder von AC / DC nach einem neuen Sänger – und innerhalb weniger Monate wurde Brian Johnson als neuer Sänger bekannt gegeben.

Die Band würdigte Scott mit dem schwarzen Cover des Albums: Es sollte komplett schwarz mit geprägtem Schriftzug sein, das Plattenlabel bestand jedoch darauf, Grau für das Bandlogo aufzunehmen. Back In Black beginnt auch mit Glockenläuten für Bon. Abgesehen von dieser kurzen Eröffnung gibt es keine nachdenklichen, trauernden oder traurigen Lieder. Im Allgemeinen blieb die Band bei dem, was sie wussten: knallharter und guter altmodischer Rock’n’Roll.

Back In Black ist voll von fleischigen Riffs, die jeder Anfänger Gitarrist mindestens einmal zu lernen versuchen wird, und es bietet auch Soli, die erfahrene Spieler wünschen, sie könnten emulieren. Tracks wie You Shook Me All Night Long haben großartige Refrains, die zu den riesigen Arenen passen, die sie schließlich füllen würden, während Shoot To Thrill eine adrenalingeladene Rockhymne ist, die Jahre nach ihrer Veröffentlichung auf Filmsoundtracks verwendet wird.

Back In Blacks eingängige Riffs und zitierfähige Texte sind so synonym für Rockmusik, dass sie selbst den lässigsten Zuhörern bekannt sind, während die Songs im Laufe der Jahre bei AC / DCS Live-Auftritten eine feste Größe geblieben sind.

Black Sabbath – Paranoid (1970, Vertigo / Warner Bros)

Wie jeder, der unsozial laute Musik mag, Ihnen sagen wird, wurde Heavy Metal im Volksmund 1970 geboren, als Brummie Headbangers Black Sabbath ihr selbstbetiteltes Debütalbum veröffentlichten. Gehen wir noch einen Schritt weiter und schlagen vor, dass Heavy Metal mit Sabbaths zweitem Album Paranoid, einer schwereren, bedrohlicheren und nuancierteren Sammlung von Songs, zum ersten Mal richtig auf Touren kommt.

Der Doppelpack von War Pigs und Paranoid selbst kann in der Metal-Welt einfach nicht besser sein. Ersteres, eine Kritik an der Kriegsführung und insbesondere an der Vietnampolitik der amerikanischen Regierung, sieht Lyriker und Bassist Geezer Butler in Höchstform – auch wenn er keinen besseren Weg findet, ‚Massen‘ zu reimen als mit sich selbst im Couplet ‚Generals gathered in their masses/Just like witches at black masses‘.

Letzteres, ein flotter Lobgesang auf psychische Instabilität, ist wahrscheinlich Sabbaths bekanntestes Lied, das in einem seltenen, nicht doomigen Tempo ausgeführt wird. Das Album geht dann weiter zum sinnlichen Instrumental Planet Caravan, ein wunderschöner, landschaftlich gestalteter Song, vor dem pulverisierenden Hammerschlag von Iron Man.

Es ist nicht die schiere Kraft, die Paranoid zu einem einzigartigen Album macht, obwohl es das zu bieten hat: Es ist das scharfe Bewusstsein für die Songwriting-Dynamik von Butler plus Sänger Ozzy Osbourne, Gitarrist Tony Iommi und Schlagzeuger Bill Ward, die zum Zeitpunkt der Aufnahme noch sehr früh 20 waren. Dass eine solche Platte von so jungen Musikern geschrieben und geliefert wurde, ist ein Wunder, wenn auch eher im höllischen als im himmlischen Sinne.

Thin Lizzy – Live And Dangerous (1978, Vertigo)

Thin Lizzy, die Hardrock–Titanen um den legendären irischen Sänger Phil Lynott, hatten bereits sieben Alben in sechs Jahren veröffentlicht, als sie eine Live-Sammlung herausbrachten – aber als es dazu kam, war es ein Monster. Ein Doppelalbum mit Live-Songs, die an verschiedenen Orten aufgenommen wurden, Live And Dangerous war eine der frühesten In-Concert-Sammlungen, die mithalten konnten, oder sogar übertreffen, die Studiofähigkeiten der Band, die es geschaffen hat.

Masterminded von Produzent Tony Visconti, dessen Track Record mit David Bowie, T-Rex und anderen Künstlern ihn zu einem König seines Fachs gemacht hatte, schafft das Album den Trick, sowohl live als auch poliert zu klingen.

Rosalie war die Single, die von der LP veröffentlicht wurde, aber ehrlich gesagt repräsentieren jede Menge Songs ihre schiere Energie gleichermaßen – nicht zuletzt der Eröffnungsschnitt, der Jailbreak und eine wütende Version von Lizzys wohl berühmtestem Song The Boys Are Back In Town. Die Texturen ihres Live-Materials wurden ohne Ende von einem Saxophonisten verbessert, John Earle, und kein anderer als Huey Lewis – ja, dieser berüchtigte Huey Lewis, selbst noch fünf Jahre vom globalen Erfolg entfernt.

Wie Motörheads No Sleep ‚Til Hammersmith, das drei Jahre später veröffentlicht wurde, bleibt Live And Dangerous eines der wichtigsten Live-Alben des goldenen Zeitalters des Hard Rock.

The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971, Rolling Stones)

Kein Plattensammler will Sticky Fingers auf Vinyl. Sticky Fingers auf Vinyl ist jedoch eine andere Geschichte. Sticky Fingers wurde über zwei Jahre an drei Orten aufgenommen (Muscle Shoals Sound Studio in Alabama, Frontmann Mick Jaggers eigenes Landhaus und Olympic Studios in London) und war die erste LP der Rolling Stones, die auf ihren eigenen Rolling Stones Records veröffentlicht wurde. Das Album ist auch das erste mit Mick Taylor, der 1969 den Gitarristen Brian Jones ersetzte. Unter den wenigen Gastmusikern, die auf der Platte erscheinen, ist Pete Townshend von The Who vielleicht der bemerkenswerteste, von dem angenommen wird, dass er Backing Vocals zu Sway beigetragen hat.

Sticky Fingers wird nicht nur als einer der besten Rolling Stones verehrt, sondern verfügt auch über eines der klassischsten Albumcover im Rock. Das Artwork – entworfen vom renommierten Künstler Andy Warhol – wurde mit seinem Namen fotografiert und verfügt über einen voll funktionsfähigen Reißverschluss auf den meisten Originalpressungen.

Aufgrund der einzigartigen Konstruktion der LP ist unter dem Cover ein zweiter Druck des vermutlich gleichen Modells versteckt, das mit Warhols Namen und der merkwürdigen Zeile verziert ist: „This photograph may not be – etc.“ Es wurde allgemein angenommen, dass das Model Jagger selbst war, als die Platte veröffentlicht wurde, obwohl jetzt bekannt ist, dass dies nicht der Fall ist.

Tatsächlich bleibt die Identität des Besitzers des Autos ein Rätsel. Und obwohl nur klein auf der Rückseite der Platte, Sticky Fingers war das erste Mal, dass das mittlerweile ikonische Zungen- und Lippenlogo der Rolling Stones verwendet wurde.

The Beatles – Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone / Capitol)

Bevor Sgt Pepper 1967 veröffentlicht wurde, sahen die Dinge für die Beatles düster aus. Die Band gab 1966 bekannt, dass sie sich von Live-Auftritten zurückziehen würden und es gab Gerüchte über ihre Trennung. Die Tatsache, dass alle vier Mitglieder eine dreimonatige Pause eingelegt hatten, beruhigte die Gerüchte nicht.

Aber die Fab Four würden sich dann auf ihr ehrgeizigstes Projekt einlassen – und eines, das Verkaufsrekorde brechen würde, obwohl keine Singles veröffentlicht wurden, um es zu promoten. Nach der Veröffentlichung verbot die BBC das Lied A Day In The Life schnell, da der Text als ermutigend für den Drogenkonsum interpretiert wurde, wobei der Text ‚4.000 Löcher in Blackburn‘ auf Löcher im Arm eines Drogenkonsumenten Bezug nahm. Während diese Anspielungen von der Gruppe nie bestätigt oder geleugnet wurden, war Paul McCartneys Antwort unverblümt, als er sagte: „Es ist uns egal, ob sie unsere Songs verbieten. Es könnte der LP helfen.“

Die Beatles haben der Vinyl-Veröffentlichung ein paar Dinge beigefügt, um das Hörerlebnis der Fans zu Hause interaktiver zu gestalten. Sgt Pepper war die erste Rock-LP, auf der die Texte ihrer Songs auf dem Cover gedruckt waren, vorher, Zeitschriften würden sie normalerweise drucken. Originalpressungen des Vinyls kamen auch mit einem Stück Karte mit zahlreichen Ausschnitten, darunter ein herabhängender Schnurrbart, Sergeant-Streifen und ein Ständer der vier Beatles.

Im Laufe der Jahre wurden eine Reihe von farbigen Vinyl-Pressungen veröffentlicht, darunter in Rot, Gelb, Orange, eine nur in Kanada erhältliche rosa und grau marmorierte Edition sowie eine Picture Disc mit dem legendären Albumcover.

Def Leppard – Hysteria (1987, Mercury / Phonogram)

Wenn 1983’s Pyromania Def Leppard ihren Zeh in Pops Wasser tauchen ließen, war Hysterie eine Kanonenkugel am tiefen Ende. Von Anfang an war das Konzept des Albums dasselbe geblieben – eine Hardrock-Version von Michael Jacksons Thriller zu sein, auf der jeder Track eine Hit-Single sein konnte – und tatsächlich waren sieben der 12 Tracks eine Single mehr als Thriller. Mit etwas mehr als 25 Millionen verkauften Exemplaren weltweit bleibt Hysteria das meistverkaufte Album der Band.

Def Leppards vierter Rekord mit Turbolader dauerte fast vier Jahre und kostete nur knapp 5 Millionen US-Dollar. Bei einer Laufzeit von rund 63 Minuten hat Hysteria die Grenzen dessen, wie lang ein Standardalbum sein konnte, wirklich erweitert – leider für Audiophile, zu Lasten der Vinyl-Pressungen.

Über eine Stunde Musik ist viel zu viel, um sich auf eine einzige Platte zu quetschen und einen hohen Standard an Audioqualität beizubehalten. Neuere Vinyl-Veröffentlichungen des Albums beheben dies, indem sie über zwei LPs laufen, vor allem die 30th Anniversary Gatefold Vinyl Re-Issue, mit vollständig remasterten Tracks auf einem auffallend durchscheinenden orangefarbenen 180g-Wachs.

Neil Young – Harvest (1972, Reprise)

Als Neil Young Harvest 1972 veröffentlichte, wurde er zum Status eines bekannten Namens erhoben, vor allem wegen der hochgelobten Songs Heart Of Gold und The Needle And The Damage Done. Ersteres ist leichter verdaulich und eingängiger; Letzteres ist dunkler, düsterer in Ton und Produktion, weil es live aufgenommen wurde, und auch besser. The Needle And The Damage Done, aufgenommen im Konzert an der UCLA im vergangenen Jahr, war ein Loblied auf diejenigen von Youngs Freunden, die Heroinüberdosierungen erlegen waren, insbesondere auf seinen früheren Bassisten Danny Whitten. Es endet plötzlich in der Mitte einer Akkordfolge und verleiht diesem ansonsten glatten Album eine bedrohliche Note.

Kritiker gaben Harvest zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung keine besonders guten Kritiken: Einige hatten das Gefühl, dass er die Formel nach dem Goldrausch etwas zu leicht wiederholte. Jedoch, In den kommenden Jahren wurde das Album als Klassiker aller Zeiten anerkannt – sogar von den Mitgliedern von Lynyrd Skynyrd, Dessen Lied Sweet Home Alabama wurde als Reaktion auf einige anti-südliche Gefühle geschrieben, die Young im Lied Alabama zum Ausdruck brachte.

Eagles – Hotel California (1976, Asyl)

„Willkommen im Hotel California.“ Auf dem fünften Studioalbum der Eagles beschworen sie das allegorische Hotel als Mittel, um ihre Desillusionierung über den vermeintlichen“amerikanischen Traum“ zu vermitteln – nur der Anfang eines umfassenderen Kommentars über die selbstzerstörerische Natur der damaligen Rockmusikindustrie, der Vereinigten Staaten und der ganzen Welt.

Unbestreitbar eines der kultigsten Rockalben aller Zeiten, Hotel California gewann die Band einen Grammy Award (Rekord des Jahres für den Titeltrack des Albums) und hat mehr als 30 Millionen Exemplare verkauft (das zweithöchste Album der Eagles von allen, nach dem Erfolg ihrer größten Hits (1971-1975).

Hotel California markierte das Banddebüt von Gitarrist Joe Walsh und gleichzeitig die letzte LP mit Bassist Randy Meisner. Das Album wurde in den Criteria Studios in Florida und den Record Plant Studios in Kalifornien mit Produzent Bill Szymczyk aufgenommen, der auch an der vorherigen Platte der Eagles, One Of These Nights, gearbeitet hatte. Aufnahmesitzungen in den Criteria Studios wurden oft durch den Lärm von Black Sabbath gestört, der im Studio nebenan an technischer Ekstase arbeitete.

Led Zeppelin – III (1970, Atlantic)

In Wirklichkeit wurden Led Zeppelin von Jimmy Page und niemand anderem geführt – was die Richtung erklärt, in die Led Zeppelin III ging. Während Zeps Debütalbum und das Follow-up, beide 1969 veröffentlicht, im Wesentlichen LPs von Hardrock-Songs mit ein paar akustischen Parts hier und da waren, war III größtenteils unplugged. Eine ruhigere, süßere, entspanntere Atmosphäre durchdrang die Platte als Ergebnis, selbst unterstützt durch die Tatsache, dass Page und Robert Plant die Songs in einem abgelegenen walisischen Cottage namens Bron-Yr-Aur komponierten. Ohne fließendes Wasser oder Strom, Die beiden zogen Akustikgitarren heraus, begann zu schreiben – und begründete damit die große Rocktradition von ‚getting it together in the country‘.

Lehnen Sie sich zurück in Ihren Sitzsack, schlagen Sie ein paar Kopfhörer auf und tauchen Sie ein in den Eröffnungsschnitt Immigrant Song – den schwersten Song des Albums. Pages klassisches oktavbasiertes Gitarrenriff erklingt, während Plant das Jammern liefert, für das er bereits berühmt geworden war. Friends ist ein tieferes Lied, obwohl es größtenteils akustisch ist: Wo es sich auszeichnet, ist seine ungewöhnliche Orchestrierung indisch klingender Streicher.

Wir sind uns alle einig, dass Led Zeppelin III heutzutage ein großartiges Album ist, aber Kritiker haben es damals einfach nicht verstanden. Weder schwer genug für Headbanger noch progressiv genug für Jethro Tull-Fans, es fiel zwischen zwei Stühlen, es wurde gedacht. Wie falsch sie waren, und wie wunderbar im Nachhinein.

Fleetwood Mac – Rumours (1977, Warner Bros)

Auf ihrem 11. Album schufen Fleetwood Mac ein bittersüßes Meisterwerk, das von einem der vielleicht berüchtigtsten Melodramen des Rock befeuert wurde. Das 1977 veröffentlichte, sehr persönliche Album ist mit mehr als 45 Millionen verkauften Exemplaren weltweit das siebthöchste Studioalbum aller Zeiten. Das legendäre Album, das 1978 auch den fünffachen a Grammy Award für das Album des Jahres gewann, enthält nicht nur Fleetwood Macs beste Arbeit, sondern auch einige der besten Songwriter aller Zeiten.

Die bahnbrechende LP zeigte die fünfte Inkarnation der Band – das Duo aus Gitarrist Lindsey Buckingham und Sänger Stevie Nicks, das sich zwei Jahre zuvor nach dem Weggang von Bob Welch Mick Fleetwood, Christine McVie und John McVie anschloss. Rumours, ein Übergang, der mit der gleichnamigen Veröffentlichung von 1975 ausgelöst wurde, vervollständigt Fleetwood Macs Entwicklung von einer Band mit Blues-Klischees zu einer Band mit hellen Pop-Singles und makellosem Songwriting.

Unter den zahlreichen offiziellen und inoffiziellen Neuveröffentlichungen der letzten 40 Jahre werden Audiophile die 2011er Version genießen, die zum US Record Store Day veröffentlicht wurde und mit 45 U / min auf schwerem 180g-Vinyl geschnitten und von den analogen Originalbändern remastert wurde, um maximale Audioqualität zu erzielen.

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967, Track)

Oft als eines der größten Alben aller Zeiten angesehen und Jimi Hendrix ‚Status als ursprünglicher Gitarrenheld zementiert, bleibt Are You Experienced über 50 Jahre nach seiner Veröffentlichung ein bedeutender Meilenstein in der Geschichte der Rockmusik.

Die Aufnahmen für das Album wurden zwischen einem vollen Terminkalender mit Live-Auftritten gemacht, obwohl das Trio notorisch ganze Tracks mit minimalem Aufwand niederlegte. Vor allem The Wind Cries Mary wurde Berichten zufolge in einem einzigen Take aufgenommen, der erst am Abend zuvor von Hendrix geschrieben worden war. Es wird geschätzt, dass die Produktion des Albums nicht mehr als £ 1500 kostete.

Die ursprüngliche britische Veröffentlichung der LP im Mai 1967 enthielt einen Mono-Mix, aber auch ein Stereo-Mix wurde produziert, als die Platte im August desselben Jahres in die USA gelangte. Es gibt mehrere Unterschiede zwischen den beiden Mischungen, einschließlich einer Trommelwirbel auf May This Be Love und dem Klang von Hendrix, der Seiten mit Texten umblättert, die auf dem Mono-Mix nicht hörbar sind.

Guns N’Roses – Appetite For Destruction (1987, Geffen)

Bis heute ist Appetite For Destruction das meistverkaufte Debütalbum und eines der meistverkauften Alben aller Zeiten. Guns N ‚Roses brachte eine Kante zur Rockmusik innerhalb und außerhalb des Studios, die seit den Tagen der Rolling Stones nicht mehr gesehen worden war.

Appetite For Destruction enthält die Singles Welcome To The Jungle, Sweet Child O’Mine und Paradise City, die es alle in die Top 10 der US-Charts schafften. Die Eröffnung von Welcome To The Jungle fängt Sie perfekt ein, indem Sie mit leicht hallender Gitarre necken, bevor Sie bauen und dann in das Blues-groovende Hauptriff explodieren. Anstatt eine Seite A und Seite B zu haben, hat Appetite For Destruction eine G- und R-Seite, wobei die Guns-Seite die Songs über Drogen und das Leben in Hollywood und die Roses-Seite Songs über Liebe und Sex enthält.

Die ursprüngliche Vinyl-Veröffentlichung hatte ein anderes Cover als das ikonische keltische Kreuz mit dem Schädel jedes Bandmitglieds. Die erste Veröffentlichung des Albums enthielt Kunstwerke von Robert Williams von einer Frau, die von einem Roboter und einem Monster, das den Roboter angreifen wollte, sexuell angegriffen wurde. Die Läden weigerten sich, das Album auf Lager zu haben, und das Plattenlabel ersetzte das Artwork durch das, das wir alle kennen.

Die Version mit dem gesperrten Artwork ist nicht schwer zu finden, wenn man sich Online-Auktionsseiten anschaut, aber man sollte damit rechnen, mindestens das Doppelte zu bezahlen, was man für das gleiche Album mit dem neu aufgelegten Artwork zahlen würde.

Die lächerliche Neuauflage von Appetite For Destruction ist jetzt ebenfalls erhältlich und wird selbst den schärfsten GNR-liebenden Audiophilen gefallen… obwohl es erpresserisch ist!

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (1973, Harvest)

Pink Floyd war in seiner Herangehensweise an Musik immer experimentell gewesen, aber die Gruppe wollte mit ihrem neuen Projekt wirklich den Umschlag weiter verschieben und die psychedelisch-getriebenen Sounds, die auf früheren Alben so stark vertreten waren, angemessen verbessern. Daneben befasste sich die Gruppe mit psychischen Erkrankungen, Gier, dem Lauf der Zeit und Konflikten, die alle stark in Songs wie Money , Us And Them und Brain Damage (das ursprünglich während der Aufnahmesitzungen und Live-Auftritte des Albums als Lunatic bekannt war) vorkommen.

Es ist wohl eines der zugänglichsten Werke, die die Band gemacht hat, und ist der perfekte Ausgangspunkt für jeden, der neu in der Gruppe ist. Es hat eine große Anzahl von so unterschiedlichen Bands wie Radiohead, My Morning Jacket und The Flaming Lips beeinflusst, die das Album 2009 neu interpretierten.

Wenn es also um die dunkle Seite des Mondes geht, ist die Hauptentscheidung, für welche Version Sie sich entscheiden sollten? Eine originale Erntepresse aus dem Jahr 1973 kann für bis zu £ 250 verkauft werden, während die US-Version von £ 20 geändert wird. Ein Remaster, der 2009 von Mobile Fidelity Sound Lab veröffentlicht wurde, ist ähnlich teuer wie das US-Original, während die Version, die 2003 zum 30-jährigen Jubiläum des Albums veröffentlicht wurde, etwas teurer ist und für bis zu £ 100 verkauft wird.

Alternativ können Sie einfach in Ihrem lokalen Record Emporium vorbeischauen und die Neuauflage 2016 abholen, die sehr zu empfehlen ist.

The Who – Quadrophenia (Track / MCA, 1973)

Quadrophenia wurde vollständig von Pete Townshend geschrieben und folgt dem Teenager Jimmy: einem Außenseiter, der darum kämpft, seinen Platz in der Welt zu finden – bis er die Mod-Bewegung und die Who entdeckt. Er hat genug von seinem Leben zu Hause, seinem Sackgassenjob und den Beziehungen zu Freunden und Familie und zieht von London nach Brighton. Jimmy leidet an Schizophrenie und hat vier Persönlichkeiten, was den Albumtitel erklärt. Jede der Persönlichkeiten spiegelt ein Mitglied der Band wider und erforscht ein Thema, das im Album wiederkehrt. Quadrophenia sprach mit Teenagern der Zeit, die sich auf ihre Teenager-Angst beziehen konnten.

Auf der Vinyl-Veröffentlichung befindet sich im Gatefold eine Zusammenfassung der Handlung von Quadrophenia sowie ein Booklet mit Fotos, die Brighton und London während der Mod-Szene zeigen, als das Album aufgenommen wurde.

Queen – Eine Nacht in der Oper (EMI / Elektra, 1975)

Eine Nacht in der Oper zementierte Queen als einen bekannten Namen und – verzeihen Sie das Wortspiel – Musiklizenz. Das Album bietet Queens normale Vielfalt an Genres sowie Experimente mit Klängen und Aufnahmetechniken. Es gibt Tracks, die All-out-Rock sind, aber die Band scheint sich in ihrer Musik nicht zu ernst zu nehmen. Nehmen wir zum Beispiel Seaside Rendezvous, wo Freddie Mercury Holzblasinstrumente nur mit seiner Stimme imitiert.

Sie haben jedoch gelegentlich ernsthafte Momente wie im Eröffnungssong Death On Two Legs, der ein Hasslied sein soll, das sich an Queens ursprünglichen Manager richtet. Love Of My Life wurde von Mercury über seine damalige Freundin Mary Austin geschrieben, aber Brian May würde das Lied später neu anordnen und nach Mercurys Tod, widme es ihm, wenn du es live spielst.

Man kann einen Abend in der Oper nicht erwähnen, ohne Bohemian Rhapsody zu erwähnen, die meistverkaufte kommerzielle Single aller Zeiten in Großbritannien und einer der bekanntesten Songs der Band. Es war auch die teuerste Single, die zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung produziert wurde, Aufnahme in mehreren Studios und über drei Wochen dauern. Es war doppelt so lang wie die meisten Einzel und erhielt zu der Zeit nur gemischte Kritiken, wenn du es glauben kannst.

Jetzt ist es einer der bekanntesten Rocksongs aller Zeiten; es hat Charts auf der ganzen Welt gekrönt und bleibt eine beliebte Wahl mit betrunkenen Karaoke-Sängern überall zu sein.