CelsEdit
o cel é uma inovação importante para a animação tradicional, pois permite que algumas partes de cada quadro sejam repetidas de frame a frame, poupando assim o trabalho. Um exemplo simples seria uma cena com dois personagens na tela, um dos quais está falando e o outro em silêncio. Uma vez que o último personagem não está se movendo, ele pode ser exibido nesta cena usando apenas um desenho, em um cel, enquanto vários desenhos em vários cel são usados para animar o personagem falante.
para um exemplo mais complexo, considere uma sequência na qual um menino coloca um prato sobre uma tabela. A tabela permanece imóvel para toda a sequência, para que possa ser desenhada como parte do fundo. A placa pode ser desenhada junto com o personagem como o personagem coloca-o sobre a mesa. No entanto, depois que a placa está na mesa, a placa não se move mais, embora o menino continua a se mover enquanto ele tira seu braço para longe da placa. Neste exemplo, depois que o menino coloca o prato para baixo, o prato pode então ser desenhado em um cel separado do menino. Mais quadros apresentam novos cels do menino, mas a placa não precisa ser redesenhada como ele não está em movimento; o mesmo cel da placa pode ser usado em cada um dos restantes quadro que ele ainda está sobre a mesa. As tintas de cel foram realmente fabricadas em versões sombreadas de cada cor para compensar a camada extra de cel adicionada entre a imagem e a câmera; neste exemplo, a placa ainda seria pintada ligeiramente mais brilhante para compensar por ter sido movida uma camada para baixo. Na TV e outras produções de baixo orçamento, cels eram muitas vezes” cycled ” (ou seja, uma sequência de cels foi repetida várias vezes), e mesmo arquivado e reutilizado em outros episódios. Depois que o filme foi concluído, as enguias foram expulsas ou, especialmente nos primeiros dias de animação, lavadas e reutilizadas para o próximo filme. Em alguns casos, alguns dos cels foram colocados no “arquivo” para serem usados de novo e de novo para fins futuros, a fim de economizar dinheiro. Alguns estúdios salvaram uma parte dos cels e venderam-nos em lojas de estúdio ou apresentaram-nos como presentes aos visitantes.
Reproduzir mídia
No início caricaturas feitas antes do uso do cel, tais como Gertie the Dinosaur (1914), todo o pacote, incluindo o plano de fundo e todos os personagens e itens, foram desenhados em uma única folha de papel e, em seguida, fotografado. Tudo tinha que ser redesenhado para cada moldura contendo movimentos. Isto levou a uma aparência “nervosa”; imagine ver uma sequência de desenhos de uma montanha, cada um ligeiramente diferente do anterior. A animação pré-cel foi mais tarde melhorada usando técnicas como o sistema de corte e lágrima inventado por Raoul Barre; o fundo e os objetos animados foram desenhados em papéis separados. Uma moldura foi feita removendo todas as partes em branco dos papéis onde os objetos foram desenhados antes de serem colocados em cima dos fundos e finalmente fotografados. O processo de animação cel foi inventado por Earl Hurd e John Bray em 1915.
animationEdit
em produções de baixo orçamento, atalhos disponíveis através da técnica cel são usados extensivamente. Por exemplo, em uma cena em que um homem está sentado em uma cadeira e de falar, a cadeira e o corpo do homem pode ser o mesmo em cada quadro; somente a sua cabeça é redesenhada, ou talvez até sua cabeça permanece a mesma, enquanto apenas sua boca se move. Isto é conhecido como animação limitada. O processo foi popularizado em cartoons teatrais pela United Productions of America e usado na maioria das animações televisivas, especialmente a de Hanna-Barbera. O resultado final não parece muito realista, mas é barato para produzir, e, portanto, permite desenhos animados a ser feita em pequenos orçamentos de televisão.
“Shooting on twos” Edit
personagens em movimento são frequentemente filmados “on twos”, ou seja, um desenho é mostrado para cada dois quadros de filme (que geralmente é executado a 24 quadros por segundo), o que significa que existem apenas 12 desenhos por segundo. Embora a taxa de atualização da imagem seja baixa, a fluidez é satisfatória para a maioria dos sujeitos. No entanto, quando um personagem é necessário para realizar um movimento rápido, geralmente é necessário reverter para animar “on on ones”, como” twos ” são muito lentos para transmitir o movimento adequadamente. Uma mistura das duas técnicas mantém o olho enganado sem custos de produção desnecessários.
nomeado pela Academia animador Bill Plympton é conhecido por seu estilo de animação que usa muito poucos intermediários e seqüências que são feitas em 3s ou 4s, segurando cada desenho na tela de 1/8 a 1/6 de segundo. Enquanto Plympton usa quase constante de três moldura tem, por vezes, animação que simplesmente médias de oito desenhos por segundo é denominado também “em três” e é geralmente feito para atender às restrições de orçamento, juntamente com outras de corte de custos, como mantendo o mesmo desenho de um personagem por um tempo prolongado ou deslizamento sobre uma imagem, técnicas freqüentemente utilizadas em baixo-orçamento produções de TV. Também é comum em anime, onde a fluidez é sacrificada em vez de uma mudança para a complexidade nos desenhos e sombreamento (em contraste com os projetos mais funcionais e otimizados na tradição ocidental); mesmo recursos teatrais de alto orçamento, como o Studio Ghibli empregam a gama completa: desde animação suave “on ones” em cenas selecionadas (geralmente acentos de ação rápida) até animação comum “on threes” para diálogos regulares e cenas de ritmo lento.
Animation loopsEdit
criar circuitos de animação ou ciclos de animação é uma técnica de economia de trabalho para animar movimentos repetitivos, como um personagem andando ou uma brisa soprando através das árvores. No caso de andar, o personagem é animado dando um passo com o seu pé direito, em seguida, um passo com o seu pé esquerdo. O laço é criado de modo que, quando a sequência se repete, o movimento é sem costura.No entanto, como um ciclo de animação essencialmente usa o mesmo pedaço de animação várias vezes, ele é facilmente detectado e pode, de fato, se tornar uma distração para um público. Em geral, eles são usados apenas moderadamente por produções com orçamentos moderados ou altos.
Ryan Larkin ‘ s 1969 Academy Award-nominated National Film Board of Canada short Walking makes creative use of loops. Além disso, um promocionais vídeo da música do Cartoon Network Groovies com a Alma Tosse canção “Círculos” fazia piada com animação de loops como eles são muitas vezes vistos em Os Flintstones, em que Fred e Barney (junto com vários desenhos de Hanna-Barbera caracteres que foi ao ar no Cartoon Network), supostamente andando em uma casa, me pergunto por que eles continuam passando a mesma mesa e o vaso mais e mais novamente.
Multiplane processEdit
O multiplane processo é uma técnica usada principalmente para dar uma sensação de profundidade ou de paralaxe bidimensionais filmes de animação. Para usar esta técnica em animação tradicional, a arte é pintada ou colocada em camadas separadas chamadas planos. Estes planos, normalmente construídos com painéis de vidro transparente ou plexiglass, são então alinhados e colocados com distâncias específicas entre cada plano. A ordem em que os planos são colocados, e a distância entre eles, é determinada por que elemento da cena está no painel, bem como toda a profundidade pretendida da cena. Uma câmera, montada acima ou na frente das vidraças, move seu foco para ou longe dos planos durante a captura dos quadros de animação individuais. Em alguns dispositivos, os aviões individuais podem ser movidos para ou para longe da câmera. Isso dá ao espectador a impressão de que eles estão se movendo através das camadas separadas da arte como se em um espaço tridimensional.
HistoryEdit
predecessores desta técnica e os equipamentos usados para implementá-la começaram a aparecer no final do século XIX. Painéis de vidro pintados eram frequentemente usados em tiros de matte e tiros de vidro, como visto no trabalho de Norman Dawn. Em 1923, Lotte Reiniger e sua equipe de animação construíram uma das primeiras estruturas de animação multiplana, um dispositivo chamado Tricktisch. A sua concepção vertical, de cima para baixo, permite o ajuste de cima de Planos Individuais e estacionários. O truque foi usado nas filmagens das Aventuras do Príncipe Achmed, uma das obras mais conhecidas de Reiniger. Os futuros dispositivos de animação multiplano usariam geralmente o mesmo design vertical que o dispositivo de Reiniger. Uma exceção notável a esta tendência foi a câmera de revés, desenvolvida e usada pela Fleischer Studios. Este dispositivo usou modelos tridimensionais em miniatura de conjuntos, com cels animados colocados em várias posições dentro do conjunto. Esta colocação deu a aparência de objetos movendo-se na frente e atrás dos personagens animados, e foi muitas vezes referido como o método Tabletop.
o dispositivo mais famoso usado para a animação multiplane foi a câmera multiplane. Este dispositivo, originalmente projetado pelo ex-animador/diretor da Walt Disney Studios, Ub Iwerks, é um guindaste de câmera vertical, top-down que filmou cenas pintadas em vários planos de vidro individualmente ajustáveis. Os planos móveis permitiam uma profundidade variável dentro de cenas animadas individuais. Nos últimos anos, a Disney Studios adotaria esta tecnologia para seus próprios usos. Projetado em 1937 por William Garity, a câmera multiplane usada para o filme Branca de neve e os Sete Anões utilizavam arte pintada em até sete planos móveis separados, bem como uma câmera vertical, de cima para baixo.
o último filme de animação da Disney que contou com o uso de sua câmera multiplane foi A Pequena Sereia, embora o trabalho foi terceirizado como o equipamento da Disney estava inoperativo na época. O uso da câmera multiplane ou dispositivos similares diminuiu devido aos custos de produção e o aumento da animação digital. Começando em grande parte com o uso de CAPS, câmeras digitais multiplane ajudaria a simplificar o processo de adição de camadas e profundidade para cenas animadas.
ImpactEdit
the spread and development of multiplane animation helped animators tackle problems with motion tracking and scene depth, and reduced production times and costs for animated works. Em uma gravação de 1957, Walt Disney explicou por que o rastreamento de movimentos era um problema para os animadores, bem como o que a animação multiplane poderia fazer para resolvê-lo. Usando uma destilaria bidimensional de uma fazenda animada à noite, a Disney demonstrou que o zoom na cena, usando técnicas de animação tradicionais da época, aumentou o tamanho da lua. Na experiência da vida real, a lua não aumentaria em tamanho como um espectador se aproximou de uma fazenda. A animação Multiplane resolveu este problema separando a lua, fazenda e terra agrícola em aviões separados, com a Lua sendo a mais distante da câmera. Para criar o efeito zoom, os dois primeiros planos foram movidos para mais perto da câmera durante as filmagens, enquanto o avião com a lua permaneceu à sua distância original. Isso forneceu uma profundidade e plenitude para a cena que estava mais próxima na semelhança com a vida real, que era um objetivo proeminente para muitos estúdios de animação na época.
XerographyEdit
Aplicada a animação por Ub Iwerks no Walt Disney studio durante a década de 1950, o eletrostática copiar a técnica chamada de xerography permitiu que os desenhos sejam copiados diretamente para o cels, eliminando muita da “tinta” parte da tinta-e-processo de pintura. Isso economizou tempo e dinheiro, e também tornou possível para colocar mais detalhes e para controlar o tamanho do xeroxed objetos e personagens (isso substituiu a pouco conhecidos e raramente usado, fotográficos linhas técnica na Disney, utilizado para reduzir o tamanho da animação, quando necessário). No início, resultou em um olhar mais superficial, mas a técnica foi melhorada ao longo do tempo.
o animador e engenheiro da Disney Bill Justice patenteou um precursor do processo Xerox em 1944, onde desenhos feitos com um lápis especial seriam transferidos para um cel por pressão, e então corrigi-lo. Não se sabe se o processo já foi usado em animação.
o método xerográfico foi testado pela Disney em algumas cenas de Bela Adormecida e foi usado pela primeira vez no curta-metragem Golias II, enquanto o primeiro recurso inteiramente usando este processo foi cento e um Dálmatas (1961). O estilo gráfico deste filme foi fortemente influenciado pelo processo. Algumas entradas manuais ainda foram usadas juntamente com xerografia neste e em filmes subsequentes, quando linhas coloridas distintas eram necessárias. Mais tarde, toners coloridos tornaram-se disponíveis, e várias cores de linha distintas poderiam ser usadas, mesmo simultaneamente. Por exemplo, nos Salvadores os contornos dos personagens são cinza. Toners brancos e azuis foram usados para efeitos especiais, como neve e água.
the APT processEdit
Invented by Dave Spencer for the 1985 Disney film The Black Cauldron, the APT (Animation Photo Transfer) process was a technique for transfering the animators’ art into cels. Basicamente, o processo foi uma modificação de um processo repro-fotográfico; o trabalho dos artistas foi fotografado no filme litho de alto contraste, e a imagem no negativo resultante foi então transferido para um cel coberto com uma camada de tinta sensível à luz. O cel foi exposto pelo negativo. Os produtos químicos foram então usados para remover a porção não exposta. Pequenos e delicados detalhes ainda estavam à mão, se necessário. Spencer recebeu um Oscar por Realização Técnica para desenvolver este processo.
Cel overlayEdit
a cel overlay é uma cel com objetos inanimados usados para dar a impressão de um primeiro plano quando colocado em cima de um quadro pronto. Isso cria a ilusão de profundidade, mas não tanto quanto uma câmera multiplane faria. Uma versão especial do Cel overlay é chamada de line overlay, feita para completar o fundo em vez de fazer o primeiro plano, e foi inventada para lidar com a aparência vaga de desenhos xeroxed. O fundo foi primeiramente pintado como formas e figuras em cores planas, contendo alguns detalhes. Em seguida, um cel com linhas pretas detalhadas foi colocado diretamente sobre ele, cada linha é desenhada para adicionar mais informações à forma ou figura subjacente e dar ao fundo a complexidade necessária. Desta forma, o estilo visual do fundo irá coincidir com o do xeroxed caracter cels. À medida que o processo xerográfico evoluiu, a sobreposição de linhas foi deixada para trás.
Computadores e tradicional animationEdit
Os métodos acima mencionados descrever as técnicas de um processo de animação que originalmente dependia cels, na sua fase final, mas pintada cels são raros hoje em dia como o computador se move para o estúdio de animação, e o contorno desenhos são, normalmente, digitalizados no computador e cheios de desenho digital em vez de ser transferido para o cels e, em seguida, coloridas à mão. Os desenhos são compostos em um programa de computador em muitas “camadas” transparentes, muito da mesma forma que são com cels, e feitas em uma seqüência de imagens que podem então ser transferidas para o filme ou convertidas para um formato de vídeo digital.
agora também é possível para animadores desenhar diretamente em um computador usando um tablet gráfico, como um Cintiq ou um dispositivo similar, onde os esboços são feitos de uma forma semelhante ao que seria em papel. The Goofy short How To Hook Up Your Home Theater (2007) represented Disney’s first project based on the paperless technology available today. Algumas das vantagens são a possibilidade e potencial de controlar o tamanho dos desenhos enquanto trabalham neles, desenhando diretamente em um fundo multiplano e eliminando a necessidade de fotografar testes de linha e digitalização.Embora a animação tradicional seja geralmente feita com computadores, é importante diferenciar a animação tradicional assistida por computador da animação 3D, como Toy Story e Ice Age. No entanto, muitas vezes a animação tradicional e a animação em 3D será usada em conjunto, como no Titan A. E. De Don Bluth e Tarzan e Treasure Planet Da Disney. A maioria dos animes e muitas séries animadas ocidentais ainda usam animação tradicional hoje. O executivo da DreamWorks, Jeffrey Katzenberg, cunhou o termo “tradigital animation” para descrever filmes de animação produzidos por seu estúdio, que incorporou elementos de animação tradicional e de computador igualmente, como Spirit: Stallion of the Cimarron e Sinbad: Legend of the Seven Seas.Muitos jogos de vídeo como o “Viewtiful Joe”, A Lenda de Zelda: The Wind Waker and others use “cel-shading” animation filters or lighting systems to make their full 3D animation appear as though it were drawn in a traditional cel-style. Esta técnica também foi usada no filme de animação Appleseed, e animação 3D com sombra de cel é tipicamente integrada com animação cel em filmes da Disney e em muitos programas de televisão, como a série animada Futurama da Fox. Em uma cena do Filme de 2007 da Pixar Ratatouille, uma ilustração de Gusteau (em seu livro de receitas), fala com Remy (que, naquela cena, foi perdido nos esgotos de Paris) como um produto da imaginação de Remy; esta cena também é considerada um exemplo de CEL-sombreamento em um desenho animado. Mais recentemente, shorts animados como Paperman, Feast, e The Dam Keeper têm usado um estilo mais distinto de animação 3D com sombra de cel, capturando um olhar e se sentir semelhante a uma “pintura em movimento”.Rotoscopingedit
Rotoscoping é um método de animação tradicional inventado por Max Fleischer em 1915, no qual a animação é “traçada” sobre Imagens reais de filmes de atores e cenários. Tradicionalmente, o live-action será impresso frame por frame e registrado. Outro pedaço de papel é então colocado sobre as impressões live-action e a ação é traçada frame por frame usando uma caixa de luz. O resultado final ainda parece desenhado à mão, mas o movimento será notavelmente realista. Os filmes “Waking Life” e “American Pop” são filmes rotoscopados. A animação Rotoscoped também aparece nos vídeos musicais da canção “Take On Me” de A-ha e “Heartless”de Kanye West. Na maioria dos casos, rotoscopia é usado principalmente para ajudar a animação de seres humanos realisticamente renderizados, como na Branca de neve e os Sete Anões, Peter Pan, E A Bela Adormecida.
um método relacionado com rotoscopia convencional foi inventado mais tarde para a animação de objetos inanimados sólidos, tais como carros, barcos ou portas. Um pequeno modelo live-action do objeto requerido foi construído e pintado de branco, enquanto as bordas do modelo foram pintadas com finas linhas pretas. O objeto foi então filmado como necessário para a cena animada, movendo o modelo, a câmera, ou uma combinação de ambos, em tempo real ou usando animação stop-motion. As molduras do filme foram então impressas em papel, mostrando um modelo composto de linhas pretas pintadas. Depois que os artistas adicionaram detalhes ao objeto não presente na fotografia live-action do modelo, foi xeroxado em cels. Um exemplo notável é o carro de Cruella De Vil em Cento e um Dálmatas da Disney. O processo de transferência de objetos 3D para cels foi muito melhorado na década de 1980, quando a computação gráfica avançou o suficiente para permitir a criação de objetos 3D gerados por computador que poderiam ser manipulados de qualquer forma que os animadores queriam, e então impressos como esboços em papel antes de serem copiados para cels usando xerografia ou o processo APT. Esta técnica foi usada em filmes da Disney como Oliver and Company (1988) e The Little Mermaid (1989). Este processo foi mais ou menos substituído pelo uso de sombreamento cel.
relacionados à rotoscopia são os métodos de vetorizar imagens de ação ao vivo, a fim de alcançar um visual muito gráfico, como no filme de Richard Linklater um Scanner obscuro.HybridsEdit
semelhante à animação por computador e híbridos de animação tradicionais descritos acima, ocasionalmente uma produção irá combinar tanto live-action e animated footage. As partes live-action dessas produções são normalmente filmadas primeiro, os atores fingindo que eles estão interagindo com os personagens animados, adereços ou cenário; animação será então adicionada às filmagens mais tarde para fazer parecer que ele sempre esteve lá. Como rotoscopia, este método raramente é usado, mas quando é, pode ser feito para um efeito fantástico, imergindo o público em um mundo de fantasia onde humanos e desenhos animados coexistem. Os primeiros exemplos incluem o silent Out of the Inkwell (iniciado em 1919) cartoons de Max Fleischer e as comédias Alice de Walt Disney (iniciada em 1923). O Live-action e a animação foram mais tarde combinados em características como Mary Poppins (1964), que tramaram Roger Rabbit (1988), Space Jam (1996), e Enchanted (2007), entre muitos outros. A técnica também tem visto uso significativo em comerciais de televisão, especialmente para cereais de pequeno-almoço comercializados para as crianças para interessá-los e aumentar as vendas.
animationedit
além de personagens, objetos e fundos tradicionalmente animados, muitas outras técnicas são usadas para criar elementos especiais, como fumaça, relâmpago e “magia”, e para dar à animação, em geral, uma aparência visual distinta. Hoje os efeitos especiais são feitos principalmente com computadores, mas mais cedo tiveram que ser feitos à mão. Para produzir esses efeitos, os animadores usaram técnicas diferentes, como drybrush, airbrush, charcoal, grease pencil, backlit animation, difusing screens, filters, or gels. Por exemplo, o segmento de suíte Nutcracker em Fantasia tem uma seqüência de fadas onde células pontiagudas são usadas, criando um olhar pastel suave.