den sena renässansen i Italien och norr

Jacopo da Pontormo, Entombment, Capponi kapell, Santa Felicitborico, Florens, 1525-1528 (foto av Pontormo – boksökning (Manfred Wundram: Renaissance, S. 69, K Ubikln: Verlag Taschen 2007, ISBN: 3-8228-5295-3 / ISBN 978-3-8228-5295-8), offentligt område, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4303272)

den sena renässansen, ofta även kallad Mannerist, period, kännetecknas av konstverk som vanligtvis tog andra konstverk som modeller. Deras primära ämne var människokroppen ofta långsträckt, överdriven, elegant och ordnad i vridna poser. Detta var domstolarnas stil, och många av verken innehåller dolda betydelser och visuella spel, avsedda att testa tittarnas intellektuella skarpsinne. Många av konstnärerna i både Italien och norr påverkades av den intensiva politiska och militära oron, med 3 huvudsakliga saker som orsakade mycket av denna oro: Charles V: s utvidgande imperium och Romens säck; reformationen och framväxten av den protestantiska kyrkan; och den katolska motreformationen och inkvisitionen. Detta var också höjdpunkten i den så kallade ”Age of Discovery” i Europa, där de europeiska makterna började kolonisera Amerika och områden i Afrika och Oceanien också.

titta på Jacopo da Pontormos Fresco av Entombment ovan, Det finns en helt annan känsla från Högrenässansverk. Färgerna verkar sura; figurerna är långsträckta och i vridna poser; och det finns ökad känsla i figurernas ansikten (Pontormo inkluderade sig också på den högra kanten av stycket, bär en hatt och tittar ut på betraktaren). Många av formulärens poser gör väldigt lite rationell mening, eftersom det är ett annat inslag i denna sena renässansstil. Siffrorna tas bort från rationalitet hög renässans former, och återspeglar känslan av kaos och fruktan i Europa på 16-talet. Fresken över kapellet från begravningen, budskapet, återspeglar också dessa förändringar, eftersom både Maria och ängeln verkar flyta i det utrymme som de ska bo i. Fönstret som bryter upp scenen verkar lägga till denna känsla av viktlöshet.

Jacopo da Pontormo, Annunciation, Capponi kapell, Santa Felicitburk, Florens, 1525-1528 (foto av Pontormo – webbgalleri för konst: Bildinformation om konstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2152593)

en annan inflytelserik konstnär i denna tidiga period var Francesco Mazzola, bättre känd som Parmigianino. Det sägs att han målade sitt självporträtt i en konvex spegel för att imponera på påven och få uppdrag från honom. I vilket fall som helst visar detta arbete både den unga konstnärens talang och intresset för snedvridningar i slutet av renässansperioden, eftersom den konvexa spegeln som används av Parmigianino ger en ”fisköga” kvalitet till arbetet, snedvrider både hans form och rummet bakom honom.

Parmigianino, Självporträtt i en konvex spegel, 1524 (foto av Parmigianino – -galleryix.ru (5. Aug. 2014), allmän egendom, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1332007)

kanske är hans mest kända verk Madonna och Child with Angels (Madonna of The Long Neck). Här ser du verkligen förlängningen av Parmigianinos stil, liksom intresset för erotiken på platser som kan vara lite olämpliga, eftersom Madonnas kropp avslöjas av ”våt draperi” – tekniken i motsats till att döljas av hennes kläder, och ängeln på framsidan visar en hel del ben. Bakgrunden är också lite skärande och konstig, med figuren med rullningen i ryggen, ofta läst som antingen en gammal Testamentets profet eller en hednisk figur, som antingen kan lägga till en mening av förutsägelsen om Jesu ankomst eller kristendomens seger över hedendom, vilket skulle ha varit en referens under denna period till striderna mellan katolicism och Protestantism. Bakgrunden till målningen är oavslutad, och man tror att det skulle ha varit en annan figur, eventuellt en annan helgon bredvid den första.

Parmigianino, Madonna och barn med änglar (Madonna of The Long Neck), c. 1535( foto av Parmigianino-okänt, offentligt område, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1263067)

Agnolo Bronzino utsågs till hovkonstnär till Cosimo i de ’ Medici, den andra hertigen av Florens och första storhertigen av Toscana. Bronzino målade ett antal målningar för domstolen, inklusive en av periodens mest intressanta och gåtfulla, Venus, Cupid, dårskap och tid (allegori om Lust; exponering av lyx). Detta målades förmodligen som en gåva till kung Francis I av Frankrike, som var känd som en älskare av lärande, kvinnor och sexualitet, och som kanske har förstått alla referenser till arbetet. I mitten av förgrunden av arbetet delar Cupid och Venus en incestuös kyss, medan en annan liten, cupidliknande figur sprider rosor, den traditionella symbolen för Venus (som duvan vid Cupids Fötter). Bakom den figuren är en varelse med huvudet på en tjej, en orms kropp och 2 vänstra händer, ofta tolkade som dårskap, men vem kan vara både nöje och bedrägeri. På toppen drar en arg gammal man med vingar, tid, tillbaka gardinen och avslöjar en figur med ett trasigt huvud, som kan vara bedrägeri och glömska. Den skrikande figuren i ryggen kan vara ilska eller svartsjuka. Den övergripande innebörden är upp till debatt, men arbetet är verkligen en av de mest intressanta i slutet av renässansperioden.

Agnolo Bronzino, Venus, Cupid, dårskap och tid (allegori av Lust, exponering av lyx), c. 1545 (foto Bronzino , via Wikimedia Commons)

Bronzino målade också ett antal domstolsporträtt, inklusive av Cosimo I och hans fru, Eleonora av Toledo. Dessa betonade domstolens rikedom, liksom hertigens och hans hustrus makt. Men de innehöll också några av de typiska sena Renässansplattningarna av former, såsom hertigens och hertiginnans armar och händer. Målaren verkade mest intresserad av mönstret av tyget på Eleonoras klänning och rustningen av Cosimo I.

Angola Bronzino, Eleonora av Toledo och hennes Son Don Giovanni, 1545-1546 och Cosimo i de ’ Medici, 1545 (bilder av Bronzino – Yorck-projektet: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribueras av DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148348 och av Bronzino-Yorck-projektet: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribueras av DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=148346)

detta skifte i porträtt gäller också de målade av konstnärer vars karriär sträckte sig över både hög-och sen Renässansperioder. En av dessa var Titian, den venetianska målare, och en av de mest eftertraktade konstnärer av 16-talet. Om du jämför hans porträtt av 2 Doges, Niccol Bisexual Marcello och Andrea Gritti, märker du skiftet, även om det bara är över 4 år, från de skarpa linjerna i Marcellos porträtt till de måleriska formerna av Grittis. de mjukare formerna av Grittis porträtt är mer fria och uttrycksfulla, möjligen för att det här är ett postumt porträtt. Också, i mitten av 16-talet, kraften i Venedig var avtagande på grund av övergången i fokus för handeln till Atlanten från Medelhavet.

Titian, Doge Niccol Brasilian Marcello, c.1542 och Doge Andrea Gritti, 1546/1548 (bilder av Titian – eget arbete, 2006-08-02, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1025272 och av Titian – The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribueras av DIRECTMEDIA Publishing GmbH. , Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=159537)

den sena renässansen producerade också förändringar i Nordens konst, med konstnärer som skiftade fokus till genrescener och teman som skulle passa in i protestantisk ikonoklasm, men skulle fortfarande passa in i den moraliserande tonen i tidigare konst i norr. Kanske den mest intressanta av dessa konstnärer var Pieter Bruegel den äldre, som kom från en familj av konstnärer i Antwerpen i Nederländerna Från 16 och 17-talen. Han var mycket intresserad av panoramautsikt över naturen och landskapet, som ofta innehöll mindre bilder av ordspråk eller religiösa teman, såsom landskap med Icarus Fall. I detta stycke, Bruegel visar nedgången av den mytomspunna grekiska, men detta är en mycket liten del av scenen, och händer bredvid en caravel, en 16th century fartyg som används för att segla över haven. Inom resten av det norra landskapet, människor vallar får eller bearbetar fälten med den senaste 16-talets teknik. En av de mest intressanta delarna av detta stycke är det faktum att ingen av människorna i scenen uppmärksammar Icarus fall, vilket kan tolkas som en kommentar till verkligheten i den nya globaliserade världen där Bruegel bodde. Några av hans andra verk kommenterade den nya protestantiska reformationen och dess effekter på Europa, såsom Babels torn. Här, arbetarna bygger ordinarie tornet i mitten av en Norra 16th century landskap. Figurerna i den vänstra förgrunden representerar Nebukadnessar, hans hov och arbetarna, men de är också klädda i kläder samtida till Bruegel. Hans budskap här handlar om effekterna av Reformationen, religionskrigen och splittringarna i Europa på grund av den religiösa omvälvningen. Gamla testamentets historia har uppdaterats för att ha en 16th century betydelse. Nederländska ordspråken har en liknande betydelse, men med över 100 ordspråk av tiden avbildad på målningen, inklusive mannen som slår huvudet på väggen längst ner till vänster; pajerna på taket (”du kan inte kakel ett tak med pajer”); och mannen försöker nå 2 bröd på bordet (”Living loaf to loaf ”eller”paycheck to paycheck”).

Pieter Bruegel den äldre, landskap med Icarus Fall, c. 1554-1555 och Babels torn, 1563 (bilder av Pieter Brueghel den äldre (1526/1530–1569) – 1., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11974918 och av Pieter Brueghel den äldre (1526/1530–1569) – nivåer justerade Från fil:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_The_Tower_of_Babel_(Wien)_-_Google_Art_Project.jpg, ursprungligen från Google Art Project., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22179117)

Pieter Bruegel den äldre, Nederländska ordspråk, 1559 (foto av Pieter Brueghel den äldre (1526/1530-1569) – WwG8mD89xbELbQ på Google Cultural Institute, zoomnivå maximal, allmän egendom, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=13352840)

Bruegel fick också i uppdrag att göra 6 panelmålningar för en rik köpman i Antwerpen som var studier av årstidernas arbete. Jägarnas återkomst representerar vintern i norr, och skördarna representerar arbetet i början av hösten. I båda kan du se landskapet i norr och aktiviteterna hos folket under de olika årstiderna, och särskilt här bönderna. Landskapen i varje är stora, och verkligen ge en känsla av det dagliga livet, landskap, och arbetskraft i 16-talet. Men dessa är också sammansatta landskap, som inte nödvändigtvis representerar verkligheten i landskap i Nederländerna. Jägare i snön är mycket Alpin, kanske representerar ett landskap som Bruegel ser på sin resa till Italien.

Pieter Bruegel den äldre, jägare i snön och skördarna, 1565 (foto av av Pieter Brueghel den äldre (1526/1530-1569) – WgFmzFNNN74nUg på Google Cultural Institute maximal zoomnivå, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=22189570 och av Pieter Brueghel den äldre (1526/1530-1569) – foto av Szilas i Metropolitan Museum of Arts, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1173842)

det är också på 16-talet som kvinnliga konstnärer börjar få en röst och närvaro. Kvinnor ansågs fortfarande bara kunna måla porträtt; var inte tillåtna i figurritningskurser; och ansågs oförmögna att skapa stora historia verk. Giorgio Vasari nämnde dock i sin andra version av Lives 1 kvinnlig konstnär: skulptören från Bologna, Properzia de ’ Rossi, som fick ett uppdrag att skulptera en lättnad av Joseph och Potifars fru på katedralen. Vasari hävdade att utformningen av verket återspeglade de ’ Rossis liv, men om det är sant är tveksamt. Visst var de ’ Rossi en mycket kvalificerad skulptör, känd för att snida invecklade verk på persika gropar. Sammansättningen av Josef och Potifars fru är dynamisk och återspeglar trenderna i den sena renässansen.

Properzia de ’Rossi, Joseph och Potifars Fru, c. 1520 (foto av Properzia De’ Rossi – http://www.wga.hu/html_m/r/rossi_p/joseph.html, offentligt område, https://commons.wikimedia.ord/w/index.php?curid=45769802)

andra kvinnliga konstnärer blev eftertraktade porträttmålare, med Sofonisba Anguissola som fick en plats som hovmålare för Philip II av Spanien. En jämförelse av en av hennes självporträtt med ett självporträtt av Lavinia Fontana är en jämförelse av 2 utbildade, framgångsrika kvinnor, som ville visa sina förmågor och utbildning. Anguissola skildrade sig själv på staffliet, maulstick i handen, målar Madonna och Child, en förklaring om att hon kunde mer än porträtt. Fontana visade sig i sin studiolo, en arm på en bok, omgiven av skulpturer. Fontana, som också fick religiösa uppdrag, som hennes heliga Familj med heliga, ville flauta sina egna förmågor som konstnär. Marietta Robusti, dotter till konstnären Jacopo Robusti, bättre känd som Tintoretto, nämndes av Carlo Ridolfi i sina skrifter och var en berömd konstnär i sig själv. Hennes självporträtt visar henne med en musikbok i handen framför spinetta, en föregångare till pianot, ett sätt att förklara hennes konstnärliga förmågor såväl som hennes utbildning.

Sofonisba Anguissola, Självporträttmålning Madonna, 1556 och Lavinia Fontana, Självporträtt i Studiolo, 1579 (bilder av Sofonisba Anguissola-utvalt arbete 4 från Anthony Bond, Joanna Woodall (2005). Självporträtt: renässans till samtida. ISBN 978-1855143579, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11870777 och av Lavinia Fontana – http://pintura.aut.org/SearchProducto?Produnum=17709, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3176427)

Marietta Robusti, självporträtt framför Spinetta, c. 1580( foto av se filnamn eller kategori – http://ilpositivistaroseo.blogspot.it/2010/06/la-pittrice-marietta-robusti-detta-la.html, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24497939)

skulpturen förändrades också under denna period, med konstnärer som ansträngde sig för att få dramatiken och rörelsen att måla i sitt arbete. De flesta av dessa sena Renässansskulpturer är inte statiska, men är avsedda att ses från ett antal sidor. En av periodens mest kända skulptörer och guldsmeder, och en med ett otroligt färgstarkt liv, var Benvenuto Cellini, som också skrev en självbiografi som inte publicerades förrän 1728. Han är kanske mest känd för sin Saliera (saltcellar av Francis I), vilket återspeglar överflödet av domstolslivet på 16-talet, och saltets status som en lyxartikel. Salt var mycket eftertraktat och salthandeln var mycket lukrativ under perioden, eftersom det var det viktigaste konserveringsmedlet före kylning, även om andra kryddor, som peppar, också var viktiga för att både förbättra smaken på mat och täcka mat som var mindre välbevarad. Saltcellar, gjord i guld och delvis emaljerad, visar Neptun, med ett skepp för saltet bredvid honom, och Tellus, den romerska jordgudinnan, med en triumfbåge bredvid henne för peppar, liggande i omöjliga positioner, med benen sammanflätade för att representera det ömsesidiga beroendet mellan jord och hav. Runt basen finns bilder av vindarna och tiderna på dagen, passande bilder för Humanistiska domstolen i Francis I. figurerna är baserade på dem av Michelangelo i New Sacristy (Medici Chapel) för San Lorenzo i Florens. På gravarna Guiliano di Lorenzo de ’Medici och Lorenzo di Piero de’ Medici är figurer som representerar tiderna på dagen. Cellinis figurer av Neptunus och Tellus kommer från Michelangelos figurer av skymning och gryning på Lorenzos grav, som är tekniskt oavslutade.

Benvenuto Cellini, Saliera (saltcellar av Francis I), färdig 1543, (foton av Cstutz (eget arbete) , via Wikimedia Commons)

Michelangelos sena stil skiljer sig också radikalt från hans tidigare arbete, vilket kan ses genom att titta på 2 av hans senare Piet-kakor. En, även känd som Deponeringen, var förmodligen avsedd för hans grav, även om den lämnades oavslutad. Här ser vi Maria med Kristi kropp, som också stöds av Maria Magdalena och Josef från Arimathea (eller Nikodemus). Den senare siffran sägs vara ett självporträtt av Michelangelo, och det är uppenbart att figuren av Magdalena kompletterades av någon annan. Det sägs att Michelangelo försökte förstöra arbetet eftersom han var missnöjd, men hans studioassistenter övertygade honom om att låta dem rädda det. Skillnaden mellan detta och hans tidigare, högrenässans Piet Kazaki är tydlig i positioneringen av figurerna och känslorna i arbetet. Den sista Piet Sackarios han skapade Rondanini Piet Kazaki, lämnade ofullständig vid sin död, har ännu mer känslor än den tidigare, med mycket långsträckta figurer och konstig positionering. Arbetet, förmodligen på grund av dess oavslutade tillstånd, känns väldigt modernt.

Michelangelo, Piet Bisexual (The Deposition), c. 1547-1553 och Rondanini Piet Bisexual, c. 1555-1564 (bilder av Sailko (eget arbete) , via Wikimedia Commons)

Michelangelos senare arkitektur verkar också vara en reaktion mot den rationella klassicismen i högrenässansen. Påven Clement VII, En av Medici-påvarna, beställde Laurentian-biblioteket från honom samtidigt Medici-kapellet och för samma komplex av San Lorenzo, och han arbetade med dessa projekt från 1524-1534, när han återvände till Rom. Michelangelo designade ett radikalt ingångsutrymme med trasiga gavlar; engagerade kolumner och konsoler under dem, som båda har stödfunktioner; och möjligen den första fristående trappan i historien. Trappan är en av de mest slående funktionerna i utrymmet, eftersom den centrala delen verkar spilla ner från själva biblioteket som flytande, även om allt görs i samma pietra serena i kapellet. Biblioteket är också slående, med det varma coffered trätaket som matchar läskronorna. Här är arkitekturen mindre radikal och mer lugnande, lämplig för ett bibliotek. Glasmålningarna har både Medici och påvliga vapensköldar.

Michelangelo, Laurentian Library, 1524-1559 (bilder av I, Sailko, CC BY 2.5, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3810386)

andra arkitekter var också radikaler i sin inställning till rymden. Giulio Romano, en gång en studioassistent till Raphael, designade Palazzo Del T Brasilian i Mantua, på en ö mittemot huvudstaden. Detta var nöjesplatsen och häststallen i markisen, och Romano fick i uppdrag att slutföra det bråttom så att kejsaren, Charles V, kunde vara värd för middag. Gårdens fa-kubade återspeglar en del av samma uppror som Laurentian-biblioteket, med tung rustikering, avbrott i flödet av entablaturen och podiet i strukturen och blinda nischer och fönster. Förmodligen den mest radikalt sena renässansen / Manneristiska delen av strukturen är dock Sala dei Gigante, tänkt att vara palatsets matsal, fylld med virvlande mönster på golvet och en rörelsefylld fresco på taket och väggarna som visar Slaget vid de olympiska gudarna och titanerna. Här är allt i rörelse, och den optiska illusionen av kameran Picta i ducal palace of Mantua, målad av Mantegna på 15-talet, görs mer radikal, skarpare och humor är nu borttagen. På många sätt är fresken, även om den är en hänvisning till grekisk-romersk mytologi, också en hänvisning till både reformationen och striderna mellan katoliker och protestanter och striderna mellan Charles V och Francis I över Italien.

Giulio Roman, Palazzo Del Te, Mantua, 1525-1535 (foto av Marcok – Självpublicerat arbete av Marcok, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=625383)

Giulio Roman, Sala dei Gigante, Jättarnas och gudarnas Fall på Mount Olympus, Palazzo Del Te, Mantua, 1530-1532 (foto Giulio Roman, Palazzo Del Te, Mantua, 1525-1535 (bilder av Giulio Romano – http://www.wga.hu/art/g/giulio/gigant.jpg, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3664070 och Giulio Romano , via Wikimedia Commons)

den viktigaste arkitekten för sen renässans i Venedig var Andrea Palladio, känd för sina landspalatsdesigner innan han utsågs till chefarkitekt för Republiken Venedig. Han skrev också en bok som förblev viktig fram till början av 19-talet, De fyra böcker av arkitektur, som utvidgas och uppdateras skrifter Vitruvius. En av hans mest inflytelserika byggnader var Villa Rotunda i Vicenza, utanför Venedig, byggd för en präst, Paolo Almerico, efter att han gick i pension från Vatikanen. Villan har utsikt över hela platsen från dess kulle och designades som ett nöjespalats i motsats till huvudhuset på en fungerande gård. Byggnadens design har en centraliserad kupol över en rotunda, med en portik med utsikt I var och en av kardinalriktningarna. De porticos är utformade som klassiska tempel fa augasiades, och interiören är överdådigt rik.

Andrea Palladio, Villa Rotunda, Vicenza, c. 1566-70 (bilder av Quinok-eget arbete, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=35889390 och av Hans A. Rosbach-eget arbete, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2438725)

som chefsarkitekt i Venedig slutförde Palladio ett antal offentliga byggnader i den staden. En av de mest intressanta och viktiga var ombyggnaden av San Giorgio Maggiore, som han började 1565. Här står de förlovade kolumnerna i FA-kubaden på mycket höga podier, och det finns ett dubbelt pediment. Effekten är att lägga till höjd i strukturen och något visuellt intresse som matchar den konstiga formen på kyrkans transcept.

Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore, Venedig, påbörjad 1565 (foto av Andrea Palladio [CC BY-SA 4.0 (http://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)%5D, via Wikimedia Commons)

några av de mest radikala förändringarna av konst och arkitektur i de katolska dominerade områdena i Europa var motreformationen. Den katolska kyrkan tog ett tag att återhämta sig från reformationen och bilda en sammanhängande motattack mot de protestantiska påståendena. Från 1545-1563 samlades Trento-rådet i norra Italien och träffades intermittent under den perioden. Rådet gjorde några saker, men det viktigaste för kyrkan var att det fördömde Lutheranism och bekräftade katolska läran. Dess uttalade syfte var att förbättra utbildningen av präster och återupprätta påvliga myndighet utanför Italien, upprätta en inkvisition i Rom, ge den befogenhet att censurera konstverk, skrifter, och skapa en förbjuden bok lista (detta skulle ha en stor inverkan på Galileo Galilei), upprepade att konsten ska vara didaktisk, etiskt korrekt, anständigt och korrekt, paralleller mellan gamla och Nya Testamentet händelser skulle betonas, konst bör tilltala känslor snarare än förnuft. Dessa mål skulle ha omedelbara effekter på konsten och kulturen i Italien, och skulle också beröra separationen mellan den katolska kyrkan och vetenskapen, en separation som fortfarande känns idag.

en jämförelse av 2 sista måltiden målningar från Venedig visar effekterna av rådet i Trento och åter befogenhet inkvisitionen. En, målad av Paolo Veronese som en kommission för klostret San Giovanni e Paolo, är några 18 ft x 42 ft. På denna duk målade Veronese ett venetianskt stadsbild med en loggia på framsidan. I mitten av loggian är bilden av den sista måltiden, och runt den är drunkar, tiggare, buffoner, dvärgar, en hund som plockar på loppor och (värst av allt!) soldater klädda på tyska (kom ihåg reformationen började i Tyskland) Rustning. Veronese kallades före inkvisitionen 1573 och ifrågasattes varför han inkluderade alla främmande figurer i scenen. Hans svar var att duken var stor, och han hade någon konstnärlig licens, men inkvisitorerna var inte överens, vilket gav honom 3 månader att ändra målningen. Så, Veronese ändrade namnet på pjäsen att festa i huset Levi, och, som Levi var, enligt Bibeln, en skatteindrivare, med alla syndare det var nu acceptabelt. Detta står i kontrast till Jacopo Tintorettos sista måltid, målad för kyrkan San Giorgio Maggiore. Här sker scenen i ett mörkt rum, med smokey angels overhead och några tjänare (inget så radikalt som Veronese). Figurerna av Jesus och apostlarna har glorier, och Jesus är faktiskt innesluten i ljus när han antar eukaristins första sakrament mitt i nattvarden, delvis gjort som ett sätt att motverka den protestantiska nedgraderingen av detta sakrament. Judas har säkert flyttats tillbaka till andra sidan bordet, och hela stycket har en helt annan känsla än da Vinci från slutet av 15-talet. Här är betoningen mindre på förnuft än på känslor och tro.

Paolo Veronese, sista måltiden, bytt namn till fest i Levi-huset, 1573 och Jacopo Tintoretto, sista måltiden, 1592-1594 (bilder av Paolo Veronese – Yorck-projektet: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribueras av DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=160026 och av Tintoretto – Web Gallery of Art: Bildinformation om konstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15542295)

ett verk av Michelangelo ifrågasattes också så småningom av inkvisitionen, även om frågan löstes genom att ha en målare känd för historien som Britches Painter täcka upp naken. Detta var hans sista dom, målade på Altarväggen i det Sixtinska taket. Här är en sann tour de force av sen renässansmålning, med en virvlande scen av aktiva helgon och figurer. Kristus är i centrum, nästan naken och aktiv, med apostlarna och helgonen runt honom. Nedanför, till höger, stiger de döda från graven, och till vänster, Charon färjer de fördömda över floden Styx till helvetet. Inte mycket ses av detta helvete, annat än flammorna, och det är intressant att Michelangelo valde att inkludera grekisk-romersk mytologi i scenen. En av de mest intressanta passagerna i arbetet är bilden av St. Bartholomew, till vänster om Jesus, som håller sitt instrument för martyrskap, kniven och hans flådda hud i huvudet. Denna hud är ett självporträtt av konstnären själv, som talar till tankesättet hos en konstnär som blev äldre, var hängiven katolsk, gay och hade bevittnat mycket krig och omvälvning i sitt liv och karriär.

Michelangelo, sista dom, 1534-41 (bilder av Michelangelo – se nedan., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=16143987 och av Michelangelo – Web Gallery of Art: Bildinformation om konstverk, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=11426515)

en av konstnärerna som verkligen fångade mystiken och ortodoxin i Motreformationsstilen i konst var Domenikos Theotokopoulos, bättre känd som El Greco, som föddes på Kreta, men efter en kort tid i Italien tillbringade mycket av sin karriär i Spanien, främst Toledo. Hans arbete fokuserade på den spanska katolicismens mystiska natur, med fokus på det mirakulösa, och hans målningar fylldes ofta med konstiga färger och långsträckta figurer. Även hans landskap verkar röra sig och pulsera. Ett av hans mest kända verk är begravningen av greve Orgaz, som visar begravningen av den fromma greven som utförs av ett antal stadsfäder och kyrkfigurer från Toledo, inklusive St.Augustine och St. Stephen, eftersom det enligt legenden fanns ett antal mystiska omständigheter till denna begravning (räkningen dog 1323). Ovanför begravningsplatsen ber grevens själ att komma in i himlen med Jungfru Maria. Det finns väldigt lite som binder de 2 scenerna tillsammans, annat än färgen gul. El Grecos porträtt av kardinal Guevera, den främsta inkvisitorn i Spanien, förlorar lite av mystiken, men får en intressant psykologisk aspekt. Här sitter kardinalen i sina vattnade silkeskläder, med en hand fast i stolens arm och ett mystiskt papper vid hans fötter. Kardinalen verkar titta på betraktaren, som om han var engagerad i några av sina uppgifter som Chefsinkvisitor.

El Greco, begravningen av greve Orgaz, 1586-1588 (foto av El Greco-eget arbete, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38746498)

El Greco, porträtt av kardinal Fernando ni Kubolo de Guevera, 1600 (foto av El Greco – Yorck-projektet: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distribueras av DIRECTMEDIA Publishing GmbH., Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=152204)

det fanns också förändringar i arkitekturen under denna period, till exempel utformningen av kyrkan Il Gesubbi i Rom av Giacomo da Vignola. Detta var jesuitordens moderkyrka, en ny ordning av militanta munkar som bildades av motreformationen som tog löften om kyskhet, lydnad, fattigdom och ett specifikt löfte om lydnad mot påven. Dessa präster skulle fortsätta att vara lärare i den katolska kyrkan. Il ges Bisexuell betalades av Alexander Cardinal Farnese, vilket förklarar inskriptionen på framsidan, men är annars en förenklad version av många av de tidigare Renässanskyrkorna. Det finns hänvisningar till treenigheten, och planen har ett brett Skepp med sidokapell utan sidogångar. Interiören var färdig i en mer detaljerad barockstil än vad som ursprungligen var tänkt, men kyrkans förenklingar återspeglar uttalandena från Trento-rådet.

Giacomo da Vignola, Il Gesubbi, Rom, c.1575-1584, fasad och plan (bilder av i, Alejo2083, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=2449146)

den sena renässansen var en tid av stor omvälvning politiskt, religiöst och konstnärligt. På många sätt sätter denna period scenen för barocken så mycket som den fortsätter innovationerna i högrenässansen. Konstnärerna i denna period reagerade också på och på många sätt avvisade rationaliteten i Högrenässansperioden.