Les 15 meilleurs albums de rock classique à posséder sur vinyle

Quand il s’agit d’écouter une tranche de rock classique, un disque de vinyle solide et fiable est toujours assez spécial – et lorsque vous faites tourner la cire sur certaines des meilleures platines au monde, cela peut être un bonheur sonore.

Avouons-le, il n’y a rien de tel que de poser l’aiguille, de se balancer puis d’explorer l’emballage de l’album pour des notes de pochette, des photos du groupe et de récurer la pochette pour glaner toujours peu de détails. Essayez de le faire sur un téléchargement numérique!

Il ne semble pas qu’il y a si longtemps, le vinyle était jeté sans ménagement sur le tas de ferraille alors que le nouvel enfant du bloc, le CD, était présenté comme l’avenir. Oui, nous aimons toujours nos collections de CD, mais le vinyle est juste un peu plus spécial.

Et cela s’est reflété dans les ventes de ces dernières années, qui ont vu le vinyle gagner de nouveau en popularité – une réalisation remarquable compte tenu de la domination des services de streaming en ligne.

En fait, en 2019, l’industrie phonographique britannique s’est vérifiée pour signaler qu’un énorme 4.3 millions de disques vinyles ont été vendus à travers le pays, ce qui en fait la 12e année consécutive que les ventes de vinyles augmentent.

En parlant de Classic Rock, l’auteur Jennifer Otter Bickerdike a expliqué: « Il a fallu un voyage au bord de l’extinction pour que nous réalisions à quel point le disque physique est important pour définir soi, la communauté et la culture. »

Mais avec une abondance de vinyles en magasin et en ligne, par où commencer si vous êtes un fan de rock qui veut commencer à construire votre collection? Pour vous aider, nous avons sélectionné 15 de ce que nous considérons comme les meilleurs albums de rock jamais enregistrés.

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AC/DC – De retour en noir (1980, Albert/Atlantic)

AC/DC semblait être en route vers le haut en 1980. Ils avaient sorti une série de disques à succès, ont finalement battu les États-Unis avec leur album Highway To Hell, et étaient sur le point d’enregistrer l’album qui finirait par devenir Back In Black. Cependant, en février de la même année, le chanteur Bon Scott a été retrouvé mort à Londres. Après ses funérailles – et avec quelques encouragements de ses parents – les membres restants d’AC / DC ont commencé à chercher un nouveau chanteur – et en l’espace de quelques mois, Brian Johnson a été annoncé comme le nouveau chanteur.

Le groupe rend hommage à Scott avec la pochette noire de l’album: il devait être entièrement noir avec des lettres en relief, cependant, le label insiste pour inclure du gris pour le logo du groupe. Back In Black commence également avec des cloches sonnant pour Bon. En dehors de cette brève ouverture, il n’y a pas de chansons réfléchissantes, de deuil ou tristes. En général, le groupe est resté avec ce qu’il savait: un rock’n’roll percutant et bon à l’ancienne.

Back In Black regorge de riffs charnus que chaque guitariste débutant tentera d’apprendre au moins une fois, et il propose également des solos que les joueurs expérimentés souhaitent pouvoir imiter. Des morceaux comme You Shook Me All Night Long ont des refrains d’infection qui conviennent aux arènes massives qu’ils finiraient par remplir, tandis que Shoot To Thrill est un hymne rock rempli d’adrénaline qui serait utilisé sur les bandes sonores de films des années après sa sortie.

Les riffs accrocheurs et les paroles citables de Back In Black sont tellement synonymes de musique rock qu’ils sont connus même par les auditeurs les plus occasionnels, tandis que les chansons sont restées des incontournables des performances live d’AC / DC au fil des ans.

Black Sabbath – Paranoid (1970, Vertigo / Warner Bros)

Comme tous ceux qui aiment la musique peu sociable vous le diront, on pense généralement que le heavy metal est né en 1970 lorsque les Brummie headbangers Black Sabbath ont sorti leur premier album éponyme. Allons plus loin et suggérons que le heavy metal a vraiment frappé son élan pour la première fois avec le deuxième album de Sabbath, Paranoid, une collection de chansons plus lourde, plus menaçante et plus nuancée.

Le one-two opening shot de War Pigs et Paranoid lui-même ne peut tout simplement pas être amélioré dans le monde du métal. Le premier, critique de la guerre et en particulier de la politique du gouvernement américain vis–à-vis du Vietnam, voit le parolier et bassiste Geezer Butler au sommet de sa forme – même s’il ne trouve pas de meilleure façon de rimer « masses » qu’avec lui-même dans le couplet « Generals gathered in their masses / Just like witches at black messes ».

Cette dernière, un hymne à l’instabilité mentale, est probablement la chanson la plus connue de Sabbath, exécutée à un tempo rare et non doomy. L’album passe ensuite à l’instrumental sensuel Planet Caravan, une belle chanson paysagée, avant le coup de marteau pulvérisant d’Iron Man.

Ce n’est pas sheer power qui fait de Paranoid un album unique, même s’il a cela à perdre: c’est la vive conscience de la dynamique d’écriture de chansons affichée par Butler et le chanteur Ozzy Osbourne, le guitariste Tony Iommi et le batteur Bill Ward, tous encore dans la vingtaine au moment de l’enregistrement. Qu’un disque comme celui-ci ait été écrit et livré par de si jeunes musiciens est tout simplement miraculeux, bien qu’au sens infernal plutôt que céleste.

Thin Lizzy – Live And Dangerous (1978, Vertigo)

Thin Lizzy, les titans du hard rock dirigés par l’emblématique chanteur irlandais Phil Lynott, avait déjà sorti sept albums en six ans au moment de sortir une collection live – mais quand c’est arrivé, c’était un monstre. Un double album de morceaux live enregistrés dans divers lieux, Live And Dangerous, est l’une des premières collections en concert à égaler, voire à surpasser, les compétences en studio du groupe qui l’a créé.

Orchestré par le producteur Tony Visconti, dont les antécédents avec David Bowie, T-Rex et d’autres artistes avaient fait de lui un roi parmi sa profession, l’album réussit l’astuce de sonner à la fois live et poli.

Rosalie était le single sorti du LP, mais franchement, un certain nombre de chansons représentent tout aussi bien son énergie – notamment la coupe d’ouverture, le Jailbreak et une version furieuse de ce qui est sans doute la chanson la plus célèbre de Lizzy, The Boys Are Back In Town. Les textures de leur matériel live ont été améliorées sans fin par un saxophoniste, John Earle, et nul autre que Huey Lewis – oui, cet infâme Huey Lewis, lui-même encore à cinq ans du succès mondial.

Comme No Sleep’ Til Hammersmith de Motorhead, sorti trois ans plus tard, Live And Dangerous reste l’un des albums live par excellence de l’âge d’or du hard rock.

The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971, Rolling Stones)

Aucun collectionneur de disques ne veut de sticky fingers sur vinyle. Sticky Fingers sur vinyle, cependant, est une autre histoire. Enregistré sur deux ans dans trois lieux (Muscle Shoals Sound Studio en Alabama, la maison de campagne du chanteur Mick Jagger et Olympic Studios à Londres), Sticky Fingers est le premier LP des Rolling Stones à sortir sur leur propre label Rolling Stones Records. L’album est également le premier à présenter Mick Taylor, qui a remplacé le guitariste Brian Jones en 1969. Parmi la poignée de musiciens invités à apparaître sur le disque, Pete Townshend de The Who est peut-être le plus notable, soupçonné d’avoir contribué aux chœurs de Sway.

En plus d’être vénéré comme l’un des meilleurs des Rolling Stones, Sticky Fingers possède l’une des pochettes d’albums les plus classiques du rock. L’œuvre – conçue par le célèbre artiste Andy Warhol – a été photographiée par Billy Name et présente une fermeture éclair entièrement fonctionnelle sur la plupart des pressages originaux.

En raison de la construction unique du LP, se cache sous la pochette une deuxième impression du même modèle de caleçon dénudé orné du nom de Warhol et de la ligne curieuse: « Cette photographie n’est peut–être pas – etc. »Le modèle était largement considéré comme étant Jagger lui-même à la sortie du disque, bien qu’on sache maintenant que ce n’est pas le cas.

En fait, l’identité du propriétaire de l’entrejambe reste un mystère. Et bien que seulement petit au verso du disque, Sticky Fingers était la première fois que le logo désormais emblématique de la langue et des lèvres des Rolling Stones était utilisé.

The Beatles – Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone/ Capitol)

Avant la sortie de Sgt Pepper en 1967, les choses s’annonçaient sombres pour les Beatles. Le groupe a annoncé en 1966 qu’il se retirerait des concerts et il y avait des rumeurs sur leur rupture. Le fait que les quatre membres aient pris une pause de trois mois n’a pas aidé à calmer les rumeurs.

Mais les Fab Four se lanceraient alors dans leur projet le plus ambitieux – et celui qui battrait des records de ventes, malgré l’absence de singles pour le promouvoir. À sa sortie, la BBC n’a pas tardé à interdire la chanson Un jour dans la vie en raison des paroles interprétées comme encourageant la consommation de drogue, la chanson « 4,000 holes in Blackburn » faisant référence aux trous dans le bras d’un consommateur de drogue. Bien que ces insinuations n’aient jamais été confirmées ou démenties par le groupe, la réponse de Paul McCartney a été franche lorsqu’il a déclaré: « Nous nous fichons qu’ils interdisent nos chansons. Cela pourrait aider le LP. »

Les Beatles ont inclus quelques éléments avec la sortie en vinyle pour rendre l’expérience d’écoute des fans à la maison plus interactive. Sgt Pepper a été le premier LP rock à avoir les paroles de leurs chansons imprimées sur la couverture, avant cela, les magazines les imprimaient généralement. Les pressages originaux du vinyle étaient également accompagnés d’un morceau de carte avec de nombreuses découpes, notamment une moustache tombante, des rayures sergent et un stand des quatre Beatles.

Au fil des ans, un certain nombre de pressages vinyles de couleur ont été publiés, notamment en rouge, jaune, orange, une édition marbrée rose et grise réservée au Canada ainsi qu’un disque photo présentant l’illustration emblématique de l’album.

Def Leppard – Hysteria (1987, Mercury /Phonogram)

Si la Pyromanie de 1983 avait fait plonger Def Leppard dans les eaux de la pop, Hysteria était un boulet de canon au fond. Dès le début, le concept de l’album était resté le même – être une version hard rock de Thriller de Michael Jackson, sur laquelle chaque piste pouvait être un single à succès – et en effet sept des 12 pistes étaient, un single de plus que Thriller. Avec un peu plus de 25 millions d’exemplaires vendus dans le monde, Hysteria reste le disque le plus vendu du groupe.

Le quatrième disque turbocompressé de Def Leppard a pris près de quatre ans à produire et a coûté un peu moins de 5 millions de dollars. Avec une durée d’environ 63 minutes, Hysteria a vraiment étiré les limites de la durée d’un album standard à l’époque – malheureusement pour les audiophiles, au détriment des pressages de vinyles.

Plus d’une heure de musique est beaucoup trop pour se presser sur un seul plateau et conserver un niveau élevé de qualité audio. Des versions vinyles plus récentes de l’album y remédient en exécutant deux LP, notamment la réédition vinyle gatefold du 30e anniversaire, avec des pistes entièrement remastérisées sur une cire orange 180g remarquablement translucide.

Neil Young – Harvest (1972, Reprise)

Lorsque Neil Young a publié Harvest en 1972, il a été élevé au rang de nom familier, en grande partie à cause des chansons extrêmement acclamées Heart Of Gold et The Needle et The Damage Done. Le premier est plus digeste et plus accrocheur; le second est plus sombre, plus sombre dans le ton et la production car il a été enregistré en direct, et aussi mieux. The Needle And The Damage Done, enregistré en concert à l’UCLA l’année précédente, était un hommage à ceux des amis de Young qui avaient succombé à une overdose d’héroïne, en particulier son précédent bassiste Danny Whitten. Il se termine soudainement, à mi-chemin d’une séquence d’accords, donnant à cet album autrement lisse un avantage menaçant.

Les critiques n’ont pas donné de très bonnes critiques à Harvest au moment de sa sortie : certains ont estimé qu’il répétait un peu trop volontiers la formule de L’Après la Ruée vers l’or. Cependant, dans les années à venir, l’album a été reconnu comme un classique de tous les temps – même par les membres de Lynyrd Skynyrd, dont la chanson Sweet Home Alabama a été écrite en réponse à certains sentiments anti–sudistes exprimés par Young dans la chanson Alabama.

Eagles – Hotel California (1976, Asylum)

« Bienvenue à l’Hôtel California. »Sur le cinquième album studio des Eagles, ils ont évoqué l’hôtel allégorique comme un moyen de transmettre leur désillusion avec le supposé « rêve américain » – juste le début d’un commentaire plus large sur la nature autodestructrice de l’industrie de la musique rock à l’époque, aux États-Unis et dans le monde entier.

Incontestablement l’un des albums rock les plus emblématiques de tous les temps, Hotel California a remporté au groupe un Grammy Award (Record de l’année pour la chanson-titre de l’album) et s’est vendu à plus de 30 millions d’exemplaires (le deuxième album le plus vendu de tous les Eagles, après le succès de Leurs Plus grands Succès (1971-1975).

Hotel California a marqué les débuts du groupe du guitariste Joe Walsh, ainsi que le dernier album avec le bassiste Randy Meisner. L’album a été enregistré aux Studios Criteria en Floride et aux Studios Record Plant en Californie avec le producteur Bill Szymczyk qui avait également travaillé sur le précédent disque des Eagles, One Of These Nights. Les sessions d’enregistrement aux Studios Criteria ont souvent été perturbées par le bruit de Black Sabbath travaillant sur l’Extase technique dans le studio d’à côté.

Led Zeppelin-III (1970, Atlantic)

En réalité, Led Zeppelin a été guidé par Jimmy Page et personne d’autre – ce qui explique la direction prise par Led Zeppelin III. Alors que le premier album de Zep et la suite, tous deux sortis en 1969, étaient essentiellement des LP de chansons hard rock avec quelques parties acoustiques ici et là, III était principalement débranché. Une ambiance plus calme, plus douce et plus détendue a imprégné le disque, elle-même aidée par le fait que Page et Robert Plant ont composé les chansons dans un chalet gallois isolé appelé Bron-Yr-Aur. Sans eau courante ni électricité, le duo a sorti des guitares acoustiques, a commencé à écrire – et ce faisant, a établi la grande tradition rock de « se réunir dans le pays ».

Asseyez–vous dans votre pouf, enfilez des écouteurs et plongez dans la chanson d’ouverture, Immigrant Song – la chanson la plus lourde de l’album. Le riff de guitare classique à base d’octaves de Page résonne, tandis que Plant livre le gémissement pour lequel il était déjà devenu célèbre. Friends est une chanson plus profonde, bien qu’elle soit largement acoustique: là où elle excelle, c’est avec son orchestration inhabituelle de cordes aux sonorités indiennes.

Nous sommes tous d’accord pour dire que Led Zeppelin III est un album splendide de nos jours, mais les critiques ne l’ont tout simplement pas compris à l’époque. Ni assez lourd pour les headbangers ni assez progressif pour les fans de Jethro Tull, il est tombé entre deux tabourets, pensait-on. Comme ils avaient tort et comme le recul est merveilleux.

Fleetwood Mac – Rumours (1977, Warner Bros)

Sur leur 11e disque, Fleetwood Mac a conçu un chef-d’œuvre doux-amer alimenté par peut-être l’un des mélodrames les plus infâmes du rock. Sorti en 1977, the intensément personal Rumours est devenu le septième album studio le plus vendu de tous les temps avec plus de 45 millions d’exemplaires vendus dans le monde. Gagnant également du Grammy Award de l’album de l’année en 1978, ce disque emblématique présente non seulement le meilleur travail de Fleetwood Mac, mais aussi certaines des meilleures compositions de tous les temps.

L’album fondateur présentait la cinquième incarnation du groupe – le duo du guitariste Lindsey Buckingham et du chanteur Stevie Nicks rejoignant Mick Fleetwood, Christine McVie et John McVie deux ans auparavant après le départ de Bob Welch. Une transition déclenchée lors de la sortie éponyme de 1975, Rumours complète la progression de Fleetwood Mac d’un groupe de clichés blues à un simple pop brillant et une écriture de chansons immaculée.

Parmi la pléthore de reprises officielles et non officielles au cours des 40 dernières années, les audiophiles se délecteront de la version 2011 sortie pour le US Record Store Day, qui a été coupée à 45 tr / min sur un vinyle 180g lourd et remasterisée à partir des bandes analogiques originales pour obtenir une qualité audio maximale.

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967, Piste)

Souvent considéré comme l’un des plus grands albums de tous les temps, et cimentant le statut de Jimi Hendrix en tant que guitar hero original, Are You Experienced reste une étape importante dans l’histoire de la musique rock plus de 50 ans depuis sa sortie.

L’enregistrement de l’album s’est fait entre un horaire chargé de concerts, bien que le trio ait notoirement posé des morceaux entiers avec un minimum de tracas. Plus particulièrement, The Wind Cries Mary aurait été enregistré en une seule prise n’ayant été écrite que la veille par Hendrix. On estime que l’album ne coûte pas plus de £ 1500 à produire.

La sortie originale du LP au Royaume-Uni en mai 1967 comportait un mixage mono, mais un mixage stéréo a également été produit lorsque le disque est arrivé aux États-Unis en août de la même année. Il y a plusieurs différences entre les deux mixages, y compris un roulement de batterie sur May This Be Love et le son de Hendrix tournant des pages de paroles qui ne sont pas audibles sur le mixage mono.

Guns N’ Roses – Appetite For Destruction (1987, Geffen)

À ce jour, Appetite For Destruction est le premier album le plus vendu, et l’un des albums les plus vendus de tous les temps. Guns N’ Roses a apporté un avantage à la musique rock à l’intérieur et à l’extérieur du studio qui n’avait pas été vu depuis l’époque des Rolling Stones.

Appetite For Destruction comprend les singles Welcome To The Jungle, Sweet Child O’ Mine et Paradise City, qui ont tous atteint le top 10 des charts américains. L’ouverture de Welcome To The Jungle vous capte parfaitement en taquinant avec une guitare légère en écho avant de construire puis d’exploser dans le riff principal au groove blues. Plutôt que d’avoir une Face A et une Face B, Appetite For Destruction a un côté G et R, avec le côté Guns avec les chansons sur la drogue et la vie à Hollywood et le côté Roses composé de chansons sur l’amour et le sexe.

La version vinyle originale avait une couverture différente de l’emblématique croix celtique avec le crâne de chaque membre du groupe. La première version du disque présentait des illustrations de Robert Williams représentant une femme agressée sexuellement par un robot et un monstre sur le point d’attaquer le robot. Les magasins ont refusé de stocker l’album et la maison de disques a remplacé l’illustration par celle que nous connaissons tous.

La version avec l’œuvre interdite n’est pas difficile à trouver si vous parcourez les sites d’enchères en ligne, mais vous devez vous attendre à payer au moins le double de ce que vous feriez pour le même album avec l’œuvre rééditée.

La réédition ridicule d’Appetite For Destruction est également disponible dès maintenant, et ne manquera pas de plaire même aux audiophiles les plus férus de GNR… même si c’est exorbitant!

Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon (1973, Harvest)

Pink Floyd avait toujours été expérimental dans son approche de la musique, mais le groupe voulait vraiment pousser l’enveloppe plus loin avec son nouveau projet et améliorer convenablement les sons psychédéliques qui avaient si fortement figuré sur les albums précédents. Parallèlement à cela, le groupe s’est attaqué à la maladie mentale, à la cupidité, au passage du temps et aux conflits, qui figurent tous dans des chansons telles que Money, Us And Them et Brain Damage (qui était à l’origine connu sous le nom de Lunatic lors des sessions d’enregistrement et des performances live de l’album).

C’est sans doute l’une des œuvres les plus accessibles que le groupe ait faites, et est devenue le point de départ idéal pour toute personne novice dans le groupe. Il a influencé un grand nombre de groupes aussi divers que Radiohead, My Morning Jacket et The Flaming Lips, qui ont ré-imaginé l’album en 2009.

Alors quand il s’agit du Côté Obscur de La Lune, la décision principale est de choisir quelle version devriez-vous opter? Un pressage de récolte original de 1973 peut se vendre jusqu’à 250 £, tandis que la version américaine verra le changement à partir de 20 £. Un remaster sorti en 2009 par Mobile Fidelity Sound Lab est au même prix que l’original américain, tandis que la version sortie pour célébrer le 30e anniversaire de l’album en 2003 est un peu plus chère, se vendant jusqu’à £ 100.

Alternativement, vous pouvez simplement afficher votre magasin de disques local et récupérer la réédition de 2016, ce qui est fortement recommandé.

The Who – Quadrophenia (Track/MCA, 1973)

Entièrement écrit par Pete Townshend, Quadrophenia suit l’adolescent Jimmy : un gamin inadapté qui lutte pour trouver sa place dans le monde – jusqu’à ce qu’il découvre le mouvement mod et les Who. Marre de sa vie à la maison, de son travail sans issue et de ses relations avec ses amis et sa famille, il déménage de Londres à Brighton. Jimmy souffre de schizophrénie et a quatre personnalités, ce qui explique le titre de l’album. Chacune des personnalités reflète un membre du groupe, et explore un thème qui revient dans l’album. Quadrophenia a parlé aux adolescents de l’époque qui pouvaient se rapporter à son angoisse adolescente.

Sur la version vinyle, inside the gatefold est un résumé de l’intrigue de Quadrophenia ainsi qu’un livret de photographies montrant Brighton et Londres pendant la scène du mod, alors que l’album était en préparation.

Queen – Une Nuit À L’Opéra (EMI / Elektra, 1975)

Une Nuit À L’Opéra a cimenté Queen comme un nom familier et – pardonnez le jeu de mots – la royauté de la musique. L’album présente la variété normale des genres de Queen, ainsi que des expérimentations de sons et de techniques d’enregistrement. Il y a des morceaux qui sont tout rock mais le groupe ne semble pas se prendre trop au sérieux dans sa musique. Prenez par exemple Seaside Rendezvous, où Freddie Mercury imite les instruments à vent en utilisant uniquement sa voix.

Cependant, ils ont parfois des moments graves comme dans le morceau d’ouverture Death On Two Legs, qui serait une chanson de haine dirigée vers le manager original de Queen. Love Of My Life a été écrit par Mercury à propos de sa petite amie d’alors Mary Austin, mais Brian May réarrangera plus tard la chanson et, après la mort de Mercury, la lui dédiera en la jouant en direct.

On ne peut pas parler d’une nuit à l’Opéra sans évoquer Bohemian Rhapsody, le single commercial le plus vendu de tous les temps au Royaume-Uni et l’une des chansons les plus connues du groupe. C’était aussi le single le plus cher à produire au moment de sa sortie, étant enregistré dans plusieurs studios et prenant plus de trois semaines à faire. C’était deux fois plus long que la plupart des singles et n’a reçu que des critiques mitigées à l’époque, si vous pouvez le croire.

Maintenant, c’est l’une des chansons rock les plus connues de tous les temps; il a dépassé les classements dans le monde entier et reste un choix populaire auprès des chanteurs de karaoké ivres du monde entier.