Die Geschichte besagt, dass, als Francis Ford Coppolas verleumdeter und misbegottener Film von 1984, The Cotton Club, noch gedreht wurde, es Bedenken von Höheren gab, dass die schwarze Besetzung des Films – voller Koryphäen, darunter das echte, brüderliche Tanzpaar Gregory und Maurice Hines — zu sehr im Mittelpunkt stand. Sie sollen die weiße Handlung des Films in Szene setzen, die von einer noch größeren Crew bemerkenswerter Namen geleitet wurde: Richard Gere und Nicolas Cage, Diane Lane, Gwen Verdon, Bob Hoskins, James Remar, Fred Gwynne, Tom Waits – sogar Joe Dallesandro von Warhol.
Und der Direktor gab nach. vor 35 Jahren wurde der Cotton Club in verstümmelter Form freigelassen. Coppolas lebhafte Geschichte von zwei aufstrebenden Entertainern – Dixie Dwyer (Gere) und Sandman Williams (Gregory Hines) — wurde verkleinert, um sich mehr auf die Dwyer-Handlung zu konzentrieren, bei der der junge Trompeter einen Job bei einem Gangster annimmt und sich in das Mädchen des Gangsters verliebt (Lane), während sein Bruder (Cage) kopfüber in ein Leben voller Gewaltverbrechen eintaucht. Es ist eine Geschichte, die uns durch den Absturz von 1929 nach Hollywood und zurück und durch Harlem führt, mit besonderem Schwerpunkt auf den jüdischen und irischen Bandenkonflikten, die die Stadt erschüttern.
Der Umfang des Films, der vom Pulitzer-Preisträger William Kennedy mitgeschrieben wurde, ist jedoch nicht das Denkwürdige daran. Was unvergesslich ist, ist der fast mythische Ort seines Titels. Dies ist eine Geschichte, die es sich zur Aufgabe macht, die meiste Zeit im und um das Milieu von Harlems Cotton Club zu verbringen, auf dem der Film basiert, berühmt für seine atemberaubenden musikalischen Revuen mit Duke Ellington und Ethel Waters, Cab Calloway, The Nicholas Brothers und Lena Horne, unter vielen illustren anderen. Aber das Publikum war von Natur aus ganz weiß: Schwarze Darsteller waren die Attraktion, aber bis 1935 konnten sie nicht einmal durch die Haustür gehen, geschweige denn den Ort richtig bevormunden.
Das ist seit langem die Ironie der Kürzungen im Cotton Club. Der Film dokumentierte nicht nur diese Geschichte der Segregation: Als die meisten Szenen über schwarze Charaktere aus dem Film geschnitten wurden, wurde es ein weiteres Beispiel für die Art und Weise, wie sich die Unterhaltungswelt im späten 20.
Coppola, der sich den Änderungen seines Originalfilms widersetzte, sich aber letztendlich unter Druck verbeugte, ist zurück mit einem neu restaurierten Schnitt, The Cotton Club Encore, der am 5. Oktober auf dem New York Film Festival Premiere feierte und später in dieser Woche in New York und Los Angeles einen volleren Kinolauf bekommen wird. Unter anderem stellt der großartig aussehende neue Schnitt die Geschichte der Hines-Brüder und die Geschichten der schwarzen Charaktere des Films im Allgemeinen sowie einen guten Teil seiner atemberaubenden Cotton Club-Auftritte wieder her. Dies war zweifellos eine Liebesarbeit; Lustigerweise ist es Coppolas zweites Recut-Film-Event des Jahres. (Der erste war die Veröffentlichung seiner Apocalypse Now: Final Cut.)
In Übereinstimmung mit der Wende des Regisseurs in den 2000er Jahren, um seine eigenen Projekte zu finanzieren, gab Coppola ungefähr eine halbe Million Dollar seines eigenen Geldes für Encore aus, das 24 Minuten Material wiederherstellt und 13 Minuten aus dem ursprünglichen Kinostart schneidet, um seine parallelen Handlungen auszugleichen. Jetzt, anstatt sich wie ein Phantomglied zu fühlen, Die schwarze Handlung — mit ihren unsubtle, aber nützlichen Parallelen in der Gere—Handlung – hat ein Eigenleben. Gregory Hines ‚Sandman Williams ist Teil eines Stepptanzduos mit seinem Bruder, bis er sich in die schwüle Clubsängerin Lila Rose (Lonette McKee) verliebt, die davon träumt, es am Broadway zu schaffen — indem sie für White geht. Für die weißen Gangsteroberherren der anderen Hälfte des Films stellt der neue Schnitt ein Gefühl für die schwarze Unterwelt wieder her, die auch in Harlem funktionierte. Zum Aufstieg und Fall von Dixie Dwyers Karriere als Kornettist und späterer Hollywoodstar stellt The Cut den Aufstieg von Sandman und Lilas Erfolgen im Allgemeinen wieder her.
Und vieles davon ist gut. Um ehrlich zu sein, viel von Cotton Club war schon gut, wenn Szene für Szene betrachtet, eher als ein ganzer Film. Dies ist ein wunderschönes, dicht gerendertes Zeitbild voller virtuoser Montagen, die gezielt Filme der 30er Jahre aufrufen, die uns durch Zeit und Geschichte katapultieren und uns über die breiteren Kräfte auf dem Laufenden halten, die das Leben der Charaktere prägen, wie die Weltwirtschaftskrise. Stephen Goldblatts Kinematographie ist ein Stück mit den Schattentexturen von Gordon Willis ‚Arbeit an den Paten-Filmen, obwohl sie in vielerlei Hinsicht viel lebendiger, spießpolierter und glänzender ist, laut genug, um dem Glamour der Uptown Street, dem freudigen Slumming, zu entsprechen Ära. Und die Gewalt – die Gewalt! Es gibt einen schockierenden Tod, der für mich zu den grizzliest (auf eine gute Weise) in allen Filmen zählt, ein brutales Stück Rache mit einem Tranchiermesser, einem Hals eines Kerls und Blut, das über Diane Lanes Gesicht spritzt.
Ich würde nicht sagen, dass der Film so sehr ein Schaufenster für das schauspielerische Talent seiner Hauptstars ist (Gere ist gut, aber Cage ist wackelig; Lane überstrahlt einen Großteil des Films), da er ein Vehikel für die üppigen Talente seiner Nebenfiguren ist: hoodlums gespielt von Leuten wie Hoskins, Remar, Gwynne, und auf der schwarzen Seite der Dinge, Lawrence Fishburne, alle von ihnen mehr als nur Geschmack — alle von ihnen lebendig genug in ihrem eigenen Recht, um Sie sich fragen, ob der Film besser dran gewesen wäre, die Showbiz-Spielereien zu reduzieren und an seiner jungenhaften, aber tödlichen Gangland-Geschichte festzuhalten, in dem sich der Cotton Club immer noch als zentraler Akteur erweisen würde.
Dann wieder — solange wir uns auf die wunderbaren Clubaufführungen freuen können, sind die Misserfolge des Films leicht zu vergeben. Coppola muss gewusst haben, dass sie das größte Highlight des Films waren; Die Art und Weise, wie sie übernehmen und die größere Erzählung zur Seite schlagen, ist ziemlich schön. Egal, wie viel Zeit Sie haben, um einen Meister wie Gregory Hines bei der Arbeit zu sehen — was übrigens viel ist. Es ist die Art und Weise, wie Coppola ihn und alle anderen benutzt und lange, luxuriöse, makellos detaillierte und performte Shows im Club inszeniert, die ständig auf das Vergnügen auf den Gesichtern des weißen Publikums zurückgehen. Wir bekommen volle Zahlen: unter anderem eine zarte Wiedergabe von „Stormy Weather“ von McKee, dessen Charakter Lena Horne beschwören soll, eine Throwdown-Nummer von Cab Calloway und eine klimatische Tanznummer von Gregory Hines, deren klappernde Füße und Wirbelwindbewegungen mit einem brutalen Bandenmord unterbrochen werden.
Für Hollywood fühlt sich ein Teil dieses Filmemachens, wenn nicht experimentell, ein wenig abweichend von den Filmnormen der damaligen Zeit an. Coppola machte diesen Film an einem seltsamen Punkt in seiner Karriere: diese Strecke der 1980er Jahre, nach den Mega-Erfolgen von The Conversation und den ersten beiden Godfather—Filmen, in denen der Regisseur mehrere Kassenausfälle steuerte, obwohl einige von ihnen — wie das zu Unrecht unterschätzte Tom Waits-Musical One from the Heart oder Tucker: Der Mann und sein Traum, der kein Musical ist, aber die Neigung und Prahlerei eines hat – zu den abenteuerlichsten Werken seiner Karriere gehörten.
Der Cotton Club machte unterdessen nur die Hälfte seines Budgets von 58 Millionen Dollar zurück. Das Anschauen, selbst die getrübte Version, macht deutlich, was für eine Schande das ist. Was im restaurierten Schnitt unversehrt bleibt, sind die bedeutungsvollen Echos, die prickelnden Symmetrien zwischen den jeweiligen Welten von Dixie und Sandman. Harlem selbst war radikal für die Art und Weise, wie diese Rassengrenzen häufig überschritten wurden — weiße Menschen, vor allem diejenigen mit Geld, reiste nach Harlem, um ihre Steine in schwarzen Räumen abzuholen, Eine komplizierte Geste, die oft die Rassenhierarchien verstärkte, gegen die sie angeblich verstieß.
Aber der Film kämpft immer noch, selbst mit diesen frisch restaurierten Szenen, um die besonderen Spannungen im Leben seiner schwarzen Charaktere zu verstehen. Es gibt ein paar Anspielungen auf die Ungerechtigkeit der Jim Crow-ähnlichen Publikumspolitik des Clubs, die in New York keine Seltenheit waren. Aber der Film fällt ein wenig zu kurz, um wirklich zu verstehen, was seine schwarzen Charaktere zu tun hatten, vielleicht weil sein Weg in die Zeit so gründlich in den Filmen der Ära verwurzelt ist — Gangsterfilme, zum Beispiel.
Die Ära war nicht gerade eine Hochburg für reichhaltiges Geschichtenerzählen über Schwarze, jedoch; dafür müsste man in die schwarze Literatur gehen, die insbesondere viel über die Gefahren des Passierens zu sagen hatte — eine wichtige Nuance, die in diesem Film mehr oder weniger verloren gegangen ist, der seine schwarzen Charaktere in eine gleichaltrige Geschichte des Showbiz-Ehrgeizes einbezieht, die sich mit wenig Anpassung so anfühlt, als hätte es um jeden gehen können. Die Substanz ist nicht ganz da. Cotton Club ist gut darin, Spannungen zwischen weißen ethnischen Banden zu erkennen und Amok zu laufen — Coppola war zu diesem Zeitpunkt ein Experte —, aber die breiteren Rassenkonflikte, Die Spannungen zwischen den beiden parallelen Handlungssträngen, werden durch einen Film abgeflacht, der sich mehr mit der Suche nach Echos befasst als mit der wirklichen Ausgrabung der inhärenten Unterschiede.
Die Cotton Club Performances hingegen sind oft so magisch, dass man für einen Moment vergisst, wie wenig echten Realitätssinn man vom Leben dieser Menschen hinter der Bühne hat. (Eine große Ausnahme: ein wortloser, fast unentgeltlicher, aber völlig freudiger Showdown zwischen den Hines-Brüdern und einer Gruppe älterer Männer, der ein Stück Leben ist, das für sich selbst zu sprechen scheint.) Zugabe macht gut – sehr gut, im Fall von Hines — auf das Talent, den Reichtum seiner schwarzen Schauspieler. Es weiß immer noch nicht genau, was es mit der Schwärze selbst anfangen soll — und ich bin ein wenig hin- und hergerissen, was das für die Qualität des Films bedeutet. Encore ist ein edlerer, vollerer und natürlich gerechterer Film als sein getrübter Vorgänger. Ist es tatsächlich, im Schema der Dinge, ein besserer Film? Unbestreitbar — aber wie sehr, ist eine Frage der Geschichte.
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