Miguel Ángel es uno de los artistas más importantes del Renacimiento italiano. Su obra más lograda se exhibe en la Ciudad del Vaticano de Roma, famosa en la Basílica de San Pedro y la Capilla Sixtina…
La Piedad (1499) de Miguel Ángel (di Lodovico Buonarroti Simoni)
Esta estatua de mármol es considerada por muchos como la expresión más clara del genio de Miguel Ángel. Es una fusión del estilo clásico con un naturalismo mucho más fluido. El nivel de elaboración es excepcional, al igual que la atmósfera de paz y serenidad que evoca. María, lejos de estar angustiada por el dolor, se muestra en cambio aceptando el sacrificio que ella y su hijo muerto han hecho, consolados por su completa confianza en la Resurrección.
Miguel Ángel explicó que el rostro juvenil de la Virgen se basaba en los recuerdos de su propia madre, que murió cuando tenía cinco años. Esto, y la intención de mostrarla como eterna e incorruptible, llevó a María de Piedad a aparecer mucho más joven y serena que la mayoría de los otros tratamientos de este tema.
El arte técnico es asombroso, especialmente cuando se consideran las herramientas y técnicas de la época: martillo y cincel, herramientas manuales y varios grados de grano utilizados para alisar y pulir. Sin embargo, los pliegues tallados hablan de suavidad de la tela y la carne de piedra parece ceder a la presión del tacto.
La escultura es naturalista, aunque no realista. Ambas figuras son anatómicamente correctas, pero la proporción se ha adaptado por razones de equilibrio y simbolismo. María es demasiado grande en comparación con la figura de Jesús. Esta distorsión deliberada le permite sostener el cuerpo con aparente facilidad. También crea la estructura piramidal de la composición, creando una dinámica ascendente para indicar el viaje simbólico de la tierra al cielo en la próxima Ascensión.
En el arte antiguo, el tamaño de una figura a menudo designaba su importancia y este enfoque persistió en algunos ejemplos medievales. Aquí, sin embargo, el artista está manipulando su lenguaje visual para diferentes fines. El juego sutil a escala ayuda a provocar la respuesta emocional que pretende y también introduce una narrativa.
Miguel Ángel vuelve a proyectar a Cristo como un niño y, por lo tanto, cierra el círculo de la historia, haciendo que la obra se centre más en el renacimiento que en la muerte, al tiempo que enfatiza el vínculo entre madre e hijo. El espectador recuerda las muchas otras representaciones de la Madre María sosteniendo al Niño Jesús al comienzo de su vida que conducirían a este momento, 33 años después. Este es un momento entre la Crucifixión y la Resurrección cuando todo lo que María tiene para consolarla es la fe, un motivo central en el cristianismo y central en el festival religioso de Pascua.
Miguel Ángel tenía 24 años cuando recibió este encargo. Sería el monumento funerario del cardenal Jean de Bilhères, pero más tarde fue trasladado a su propia capilla dedicada dentro de la Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano. Es la única estatua que firmó. Se dice que estaba avergonzado de este acto, alegando que se había vuelto demasiado emotivo cuando escuchó a alguien atribuir erróneamente la estatua a un artista rival. Más tarde se sintió culpable de orgullo. Nunca volvió a firmar nada de su trabajo. Durante mucho tiempo ha sido aplaudida como la obra más grande de la escultura renacentista y sigue siendo hasta el día de hoy un punto de referencia con el que se juzga a todas las estatuas figurativas — si no se le podía permitir sentirse orgulloso de este logro let ¡que sea una lección para todos nosotros!
Las Pinturas de la Capilla Sixtina (1508-1541) de Miguel Ángel
Este habría sido el encargo más prestigioso para cualquier artista de la época, para ser empleado por el Papa (Julio II) para decorar una capilla mayor en el Palacio del Vaticano. ¡Miguel Ángel lo rechazó inicialmente! Quería concentrarse en encargos escultóricos, uno de los cuales era para la tumba del Papa.
El Papa, sin embargo, no aceptaría ningún rechazo y, después de continuas negociaciones, finalmente convenció a Miguel Ángel para que asumiera la comisión. Parece que el factor ganador fue que el Papa accedió a permitir a Miguel Ángel la libertad artística para decidir qué pintaría en el techo y cómo lo retrataría. El Papa insistió en que las imágenes fueran ricas en significado, pero por lo demás dejó el contenido a discreción del artista, sujeto a revisión y aprobación continuas, por supuesto.
Otra cláusula del contrato era que a Miguel Ángel se le permitiera trabajar exclusivamente en el proyecto. El escritor Vasari nos cuenta que Miguel Ángel trabajó solo en las pinturas, sin permitir que los asistentes molieran y mezclaran sus pigmentos. Esto era muy inusual, ya que la mayoría de los maestros del Renacimiento habrían dibujado «dibujos animados» de tamaño completo para tal empresa, y luego un equipo de asistentes y estudiantes trazaron los diseños y completaron la mayoría de los colores. El Maestro solo entonces intervendría para trabajar en los detalles «importantes» como las manos y las caras.