La storia racconta che quando il film del 1984 The Cotton Club era ancora in fase di realizzazione, c’erano preoccupazioni da parte dei più alti che il cast nero del film-pieno zeppo di luminari, tra cui la vita reale, la coppia di danza fraterna Gregory e Maurice Hines—fosse troppo al centro dell’attenzione. Si diceva che stessero mettendo in risalto la trama bianca del film, che era guidata da un equipaggio ancora più grande di nomi notevoli: Il film è stato prodotto dalla Warner Bros. e distribuito dalla Warner Bros. Records nel 1997.
E il direttore cedette. 35 anni fa, Il Cotton Club è stato rilasciato in forma mutilata. La vivace storia di Coppola di due intrattenitori parvenu-Dixie Dwyer (Gere) e Sandman Williams (Gregory Hines)—è stata ridotta a concentrarsi maggiormente sulla trama di Dwyer, che coinvolge il giovane trombettista che intraprende un lavoro con un gangster e si innamora della ragazza del gangster (Lane) mentre suo fratello (Cage) si tuffa a capofitto in una vita di crimine violento. È una storia che ci porta attraverso l’incidente del 1929, a Hollywood e ritorno, e in tutto Harlem, con un’enfasi speciale sui conflitti tra bande ebraiche e irlandesi che scuotono la città.
Eppure la portata del film, che è stato co-scritto da Pulitzer vincitore autore William Kennedy, non è ciò che è memorabile su di esso. Ciò che è memorabile è il luogo quasi mitico del suo titolo. Questa è una storia che fa un punto di trascorrere la maggior parte del suo tempo dentro e intorno al milieu di Harlem Cotton Club, su cui si basa il film, famoso per le sue splendide riviste musicali che hanno caratterizzato artisti del calibro di Duke Ellington e Ethel Waters, Cab Calloway, i fratelli Nicholas, e Lena Horne, tra molti altri illustri. Ma il pubblico era tutto bianco per design: gli artisti neri erano l’attrazione, ma fino al 1935 non potevano nemmeno attraversare la porta d’ingresso, per non parlare di proteggere adeguatamente il posto.
Questa è stata a lungo l’ironia dei tagli fatti al Cotton Club. Il film non si limitò a documentare questa storia della segregazione: quando la maggior parte delle scene sui personaggi neri furono tagliate dal film, divenne un altro esempio di fine 20 ° secolo dei modi in cui il mondo dello spettacolo non era cambiato.
Coppola, che si è opposto alle modifiche al suo film originale ma alla fine si è inchinato sotto pressione, è tornato con un taglio appena restaurato, The Cotton Club Encore, che è stato presentato in anteprima il 5 ottobre al New York Film Festival e avrà una corsa teatrale più piena a New York e Los Angeles più tardi questa settimana. Tra le altre cose, il nuovo taglio di grande aspetto ripristina la trama di Hines brothers e le storie dei personaggi neri del film in generale, così come una buona parte delle sue esibizioni di Cotton Club. Questo è stato un lavoro d’amore, senza dubbio; stranamente, è il secondo evento cinematografico recut di Coppola dell’anno. (Il primo è stato il rilascio del suo Apocalypse Now: Final Cut.)
In linea con il turno del regista, negli anni 2000, di finanziare i propri progetti, Coppola ha speso circa mezzo milione di dollari del proprio denaro per Encore, che ripristina 24 minuti di materiale e taglia 13 minuti dall’uscita originale per bilanciare le sue trame parallele. Ora, piuttosto che sentirsi come un arto fantasma, la trama nera—con i suoi paralleli unsubtle ma utili nella trama di Gere—ha una vita propria. Sandman Williams di Gregory Hines fa parte di un duo di tip tap con suo fratello, fino a quando non si innamora della sensuale cantante del club Lila Rose (Lonette McKee), che ha il sogno di farlo a Broadway—passando per white. Per i signori gangster bianchi dell’altra metà del film, il nuovo taglio ripristina un senso della malavita nera che ha funzionato in tutta Harlem. Per l’ascesa e la caduta della carriera di Dixie Dwyer come cornettista e eventuale star di Hollywood, the cut ripristina l’ascesa di Sandman e dei successi di Lila in generale.
E molto di questo è buono. A dire il vero, gran parte di Cotton Club era già buono, se considerato scena per scena, piuttosto che come un film completo. Questa è una splendida immagine d’epoca, densamente resa, piena di montaggi virtuosistici, che invocano volutamente i film degli anni ’30, che ci catapultano nel tempo e nella storia, tenendoci al passo con le forze più ampie che modellano la vita dei personaggi, come la Grande Depressione. La fotografia di Stephen Goldblatt è di un pezzo con le trame d’ombra del lavoro di Gordon Willis sui film del Padrino, anche se in molti sensi è molto più vibrante, lucido e scintillante, abbastanza forte da adattarsi al glamour di uptown street, alla gioiosa bidonville dell’epoca. E la violenza-la violenza! C’è una morte scioccante che si colloca, per me, tra le più grizzliest (in senso buono) in tutti i film, un brutale po ‘ di vendetta che coinvolge un coltello da intaglio, il collo di un ragazzo e schizzi di sangue su tutta la faccia di Diane Lane.
Non direi che il film sia una vetrina per il talento recitativo delle sue principali star (Gere è buono ma Cage è traballante, Lane eclissa gran parte del film) in quanto è un veicolo per i talenti voluttuosi dei suoi personaggi secondari: gangster interpretato da artisti del calibro di Hoskins, Remar, Gwynne, e sul lato nero delle cose, Lawrence Fishburne, tutte più che solo il sapore di essi, tutti abbastanza vivace nel loro diritto a non si capisce se il film sarebbe stato meglio ridurre il showbiz imbrogli e di attaccare il suo ragazzo, ma mortale malavita di storia, in cui il Cotton Club sarebbe ancora dimostrare di essere un giocatore centrale.
Poi di nuovo-finché abbiamo le sue meravigliose esibizioni nei club per guardare al futuro, i fallimenti del film si rivelano facili da perdonare. Coppola deve aver saputo che erano il più grande punto culminante del film; il modo in cui prendono il sopravvento, battendo la narrazione più grande di lato, è abbastanza bello. Non importa la quantità di tempo che si arriva a vedere un maestro come Gregory Hines al lavoro—che è molto, tra l’altro. È il modo in cui Coppola usa lui, e tutti gli altri, mettendo in scena spettacoli lunghi, lussuosi, impeccabilmente dettagliati ed eseguiti all’interno del club che riducono costantemente il piacere sui volti del pubblico bianco. Otteniamo numeri completi: tra gli altri, una tenera interpretazione di “Stormy Weather” di McKee, il cui personaggio ha lo scopo di invocare Lena Horne, un numero di throwdown di Cab Calloway e un monumentale numero di danza climatica di Gregory Hines, i cui piedi rumorosi e movimenti vorticosi si intrecciano con un brutale omicidio di gruppo.
Per Hollywood, alcuni di questi film si sentono, se non sperimentali, un po ‘ divergenti dalle norme cinematografiche dell’epoca. Coppola ha fatto questo film in un punto strano della sua carriera: che del 1980 tratto, dopo il mega-successo della Conversazione e i primi due Padrino film, in cui il regista timonata più box office fallimenti, nonostante alcuni di loro—come erroneamente underseen Tom Waits musicale dal Cuore, o Tucker un Uomo e Il Suo Sogno, che non è un musical, ma ha l’inclinazione e la spavalderia di una tra le più avventurosi opere della sua carriera.
Il Cotton Club, nel frattempo, ha restituito solo metà del suo budget di $58 milioni. Guardarlo, anche la versione guastata, rende chiaro che peccato che sia. Ciò che emerge indenne nel taglio restaurato sono gli echi significativi, le simmetrie eccitanti tra i rispettivi mondi di Dixie e Sandman. Harlem stessa era radicale per i modi in cui quei confini razziali erano spesso attraversati-i bianchi, specialmente quelli con i soldi, viaggiavano nei quartieri alti di Harlem per ottenere le loro rocce in spazi neri, un gesto complicato che spesso rafforzava le gerarchie razziali che apparentemente violava.
Ma il film fatica ancora, anche con queste scene appena restaurate, a dare un senso alle particolari tensioni della vita dei suoi personaggi neri. Ci sono alcuni cenni all’ingiustizia delle politiche del pubblico simili a Jim Crow del club, che non erano una rarità a New York. Ma il film è un po ‘ a corto di capire veramente ciò che i suoi personaggi neri erano contro, forse perché la sua strada nel periodo è così profondamente radicata nei film dell’epoca—film di gangster, per esempio.
L’era non era esattamente una roccaforte per una ricca narrazione sui neri, tuttavia; per questo, dovresti andare alla letteratura nera, che in particolare aveva molto da dire sui pericoli del passaggio—una sfumatura importante più o meno persa in questo film, che recluta i suoi personaggi neri in una vecchia storia di ambizione dello showbiz che, con pochi aggiustamenti, sembra che avrebbe potuto riguardare chiunque. La sostanza non è del tutto lì. Cotton Club è bravo a riconoscere e scatenarsi con le tensioni delle bande etniche bianche-Coppola era a quel punto un esperto-ma i conflitti razziali più ampi, le tensioni tra le due linee di storia parallele, sono appiattite da un film più interessato a trovare echi che a scavare davvero le differenze intrinseche.
Le esibizioni del Cotton Club, d’altra parte, sono spesso così magiche che dimentichi momentaneamente quanto poco senso genuino della realtà hai della vita di queste persone fuori dal palco. (Una grande eccezione: uno scontro senza parole, quasi gratuito, ma completamente gioioso tra i fratelli Hines e un gruppo di uomini anziani, che è uno spaccato di vita che sembra parlare da solo.) Encore fa bene-molto bene, nel caso di Hines – al talento, alla ricchezza, dei suoi attori neri. Non sa ancora cosa fare con l’oscurità stessa-e sono un po ‘ lacerato su cosa significhi per la qualità del film. Encore è un film più nobile, più pieno e, naturalmente, più giusto del suo predecessore guastato. È in realtà, nello schema delle cose, un film migliore? Indiscutibilmente—ma quanto così è una domanda per la storia.
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