Los 15 mejores álbumes de rock clásico en vinilo

Cuando se trata de escuchar un trozo de rock clásico, un disco de vinilo sólido y confiable siempre es bastante especial, y cuando giras la cera en algunos de los mejores tocadiscos del mundo, puede ser una felicidad sónica.

Seamos realistas, no hay nada como dejar la aguja en el suelo, mecerse y luego explorar el empaque del álbum para obtener notas, fotos de la banda y fregar la portada para recoger pequeños detalles. ¡Intenta hacer ESO en una descarga digital!

No parece que hace mucho tiempo ese vinilo se tiraba sin ceremonias en el montón de chatarra mientras el nuevo chico del bloque, el CD, se promocionaba como el futuro. Sí, todavía nos gustan nuestras colecciones de CD, pero el vinilo es un poco más especial.

Y eso se ha reflejado en las ventas de los últimos años, que han visto aumentar de nuevo la popularidad del vinilo, un logro notable dado el dominio de los servicios de transmisión en línea.

De hecho, en 2019, la Industria Fonográfica británica se registró para informar de que la friolera de 4.se han vendido 3 millones de discos de vinilo en todo el país, por lo que es el 12º año consecutivo que el vinilo ha visto un aumento en las ventas.

Hablando con Rock Clásico, la autora Jennifer Otter Bickerdike explicó: «Nos llevó un viaje al borde de la extinción para darnos cuenta de lo importante que es el registro físico para definir a uno mismo, la comunidad y la cultura.»

Pero con una gran cantidad de vinilo en las tiendas y en línea, ¿por dónde empezar si eres un fanático del rock que quiere comenzar a construir su colección? Para ayudar, hemos seleccionado cuidadosamente 15 de los que consideramos los mejores discos de rock jamás grabados.

• Nuestra selección de los mejores tocadiscos económicos
• Ideas geniales de almacenamiento de discos de vinilo
• Los 10 mejores álbumes de rock de los 90 para poseer en vinilo
• Los mejores auriculares para vinilo: aproveche al máximo sus discos
• Cómo limpiar discos de vinilo, lidiar con arañazos y más

AC / DC-Back In Black (1980, Albert/Atlantic)

AC / DC parecía estar en camino hacia arriba en 1980. Habían lanzado una serie de discos exitosos, finalmente rompieron los Estados Unidos con su álbum Highway To Hell, y se establecieron para grabar el álbum que finalmente se convertiría en Back In Black. Sin embargo, en febrero de ese año, el líder Bon Scott fue encontrado muerto en Londres. Después de su funeral, y con un poco de aliento de sus padres, los miembros restantes de AC/DC comenzaron a buscar un nuevo vocalista, y en el espacio de un par de meses, Brian Johnson fue anunciado como el nuevo cantante.

La banda rindió homenaje a Scott con la portada negra del álbum: estaba destinado a ser completamente negro con letras en relieve, sin embargo, el sello discográfico insistió en incluir gris para el logotipo de la banda. Back In Black también comienza con campanas sonando para Bon. Aparte de esa breve apertura, no hay canciones reflexivas, de luto o tristes. En general, la banda se quedó con lo que sabía: rock’n’roll duro y a la antigua.

Back In Black está lleno de riffs carnosos que todo guitarrista novato intentará aprender al menos una vez, y también cuenta con solos que los instrumentistas experimentados desean poder emular. Pistas como You Shook Me All Night Long tienen coros de infección que se adaptan a las enormes arenas que eventualmente llenarían, mientras que Shoot To Thrill es un himno de rock lleno de adrenalina que se usaría en bandas sonoras de películas años después de su lanzamiento.

Los pegadizos riffs y letras citables de Back In Black son tan sinónimos de música rock que son conocidos incluso por los oyentes más casuales, mientras que las canciones se han mantenido básicas en las presentaciones en vivo de AC/DC a través de los años.

Black Sabbath-Paranoid (1970, Vertigo/Warner Bros)

Como le dirá cualquiera a quien le guste la música ruidosa y poco sociable, popularmente se cree que el heavy metal nació en 1970 cuando Brummie headbangers Black Sabbath lanzó su álbum debut homónimo. Vamos un poco más allá y sugerimos que el heavy metal realmente dio su primer paso con el segundo álbum de Sabbath, Paranoid, una colección de canciones más pesada, amenazante y matizada.

El primer plano de War Pigs y Paranoid en sí simplemente no se puede mejorar en el mundo del metal. El primero, una crítica de la guerra y, en particular, de las políticas del gobierno estadounidense con respecto a Vietnam, ve al letrista y bajista Geezer Butler en plena forma, incluso si no puede encontrar una mejor manera de rimar «masas» que consigo mismo en la copla «Generales reunidos en sus masas/Al igual que brujas en las masas negras».

Esta última, un canto zippy a la inestabilidad mental, es probablemente la canción más conocida de Sabbath, ejecutada a un tempo raro y no doomy. El álbum luego pasa a la sensual instrumental Planet Caravan, una hermosa canción ajardinada, antes del golpe de martillo pulverizador de Iron Man.

No es pura potencia lo que hace de Paranoid un álbum único, aunque tiene eso de sobra: es la aguda conciencia de la dinámica de composición mostrada por el cantante de Butler, Ozzy Osbourne, el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward, todos todavía en sus primeros 20 años en el momento de la grabación. Que un disco como este fuera escrito y entregado por músicos tan jóvenes es nada menos que milagroso, aunque en el sentido infernal más que celestial.

Thin Lizzy-Live And Dangerous (1978, Vertigo)

Thin Lizzy, los titanes de hard rock liderados por el icónico cantante irlandés Phil Lynott, ya habían lanzado siete álbumes en seis años para el momento en que lanzaron una colección en vivo, pero cuando llegó, era un monstruo. Un álbum doble de canciones en vivo grabadas en varios lugares, Live And Dangerous fue una de las primeras colecciones en concierto para igualar, o incluso superar, las habilidades de estudio de la banda que lo creó.

Ideado por el productor Tony Visconti, cuya trayectoria con David Bowie, T-Rex y otros artistas lo habían convertido en un rey entre su profesión, el álbum logra el truco de sonar en vivo y pulido.

Rosalie fue el sencillo lanzado del LP, pero francamente cualquier número de canciones representan su energía pura igualmente bien, no menos importante el corte de apertura, Jailbreak y una versión furiosa de lo que es posiblemente la canción más famosa de Lizzy, The Boys Are Back In Town. Las texturas de su material en vivo fueron mejoradas sin fin por un saxofonista, John Earle, y nada menos que Huey Lewis, sí, ese infame Huey Lewis, que aún está a cinco años del éxito mundial.

Al igual que No Sleep ‘Til Hammersmith de Motorhead, lanzado tres años después, Live And Dangerous sigue siendo uno de los álbumes en vivo por excelencia de la edad de oro del hard rock.

The Rolling Stones-Sticky Fingers (1971, Rolling Stones)

Ningún coleccionista de discos quiere sticky fingers en vinilo. Dedos pegajosos en vinilo, sin embargo, es una historia diferente. Grabado durante dos años en tres localizaciones (Muscle Shoals Sound Studio en Alabama, la casa de campo del cantante Mick Jagger y Olympic Studios en Londres), Sticky Fingers fue el primer LP de los Rolling Stones en ser lanzado con su propio sello discográfico. El álbum es también el primero en presentar a Mick Taylor, quien reemplazó al guitarrista Brian Jones en 1969. Entre los pocos músicos invitados que aparecen en el disco, Pete Townshend de The Who es quizás el más notable, y se cree que contribuyó con los coros de Sway.

Además de ser venerado como uno de los mejores dedos pegajosos de los Rolling Stones, cuenta con una de las portadas de álbumes más clásicas del rock. La obra de arte, concebida por el reconocido artista Andy Warhol, fue fotografiada por Billy Name y cuenta con una cremallera que funciona completamente en la mayoría de las impresiones originales.

Debido a la construcción única del LP, oculto debajo de la portada hay una segunda impresión de presumiblemente el mismo modelo de calzoncillos desnudos adornados con el nombre de Warhol y la curiosa línea: «Esta fotografía puede no ser, etc. Se creía que el modelo era el mismo Jagger en el lanzamiento del disco, aunque ahora se sabe que no es el caso.

De hecho, la identidad del dueño de la entrepierna sigue siendo un misterio. Y aunque solo era pequeño en el reverso del disco, Sticky Fingers fue la primera vez que se usó el ahora icónico logotipo de lengua y labios de los Rolling Stones.

The Beatles-Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1966, Parlophone/Capitol)

Antes del lanzamiento de Sgt Pepper en 1967, las cosas se veían sombrías para The Beatles. La banda anunció en 1966 que se retirarían de las actuaciones en vivo y había rumores de su ruptura. El hecho de que los cuatro miembros se tomaran un descanso de tres meses no ayudó a calmar los rumores.

Pero The Fab Four se embarcaría en su proyecto más ambicioso, y uno que rompería récords de ventas, a pesar de no tener ningún sencillo lanzado para promocionarlo. Tras su lanzamiento, la BBC se apresuró a prohibir la canción A Day In The Life debido a que la letra se interpretaba como un estímulo al uso de drogas, con la letra «4,000 holes in Blackburn» que se cree que hace referencia a agujeros en el brazo de un usuario de drogas. Aunque estas insinuaciones nunca fueron confirmadas o negadas por el grupo, la respuesta de Paul McCartney fue contundente cuando dijo: «No nos importa si prohíben nuestras canciones. Podría ayudar al LP.»

Los Beatles incluyeron un par de cosas con el lanzamiento en vinilo para hacer que la experiencia auditiva del fan en casa fuera más interactiva. Sgt Pepper fue el primer LP de rock en tener las letras de sus canciones impresas en la portada, antes de eso, las revistas generalmente las imprimían. Las impresiones originales del vinilo también venían con un trozo de tarjeta con numerosos recortes, incluido un bigote caído, rayas de sargento y un soporte de los cuatro Beatles.

A lo largo de los años se han publicado varias impresiones en vinilo de colores, incluyendo en rojo, amarillo, naranja, una edición de mármol rosa y gris solo en Canadá, así como un disco con imágenes con la icónica portada del álbum.

Def Leppard-Hysteria (1987, Mercurio/Fonograma)

Si la Piromanía de 1983 tenía a Def Leppard sumergiendo su dedo en las aguas de pop, la Histeria era una bala de cañón en el extremo profundo. Desde el principio, el concepto del álbum se había mantenido igual: ser una versión de hard rock del Thriller de Michael Jackson, en el que cada pista podría ser un sencillo exitoso, y de hecho siete de las 12 pistas lo eran, un sencillo más que Thriller. Con poco más de 25 millones de copias vendidas en todo el mundo, Hysteria sigue siendo el disco más vendido de la banda.

El cuarto disco turboalimentado de Def Leppard tardó casi cuatro años en producirse y a un costo de apenas 5 millones de dólares. En un tiempo de ejecución de alrededor de 63 minutos, la histeria realmente estiró los límites de la duración de un álbum estándar en ese momento, desafortunadamente para los audiófilos, en detrimento de las impresiones en vinilo.

Más de una hora de música es demasiado para apretar en un solo plato y mantener un alto nivel de calidad de audio. Los lanzamientos más recientes en vinilo del álbum remedian esto con más de dos discos de larga duración, sobre todo la reedición en vinilo desplegable del 30 aniversario, con pistas totalmente remasterizadas en una cera de 180g naranja sorprendentemente translúcida.

Neil Young-Harvest (1972, Reprise)

Cuando Neil Young lanzó Harvest en 1972, fue elevado al estatus de nombre familiar, en gran parte debido a las canciones aclamadas Heart Of Gold y The Needle y The Damage Done. El primero es más fácil de digerir y más pegadizo; el segundo es más oscuro, más sombrío en tono y producción porque fue grabado en vivo, y también mejor. The Needle And The Damage Done, grabado en concierto en UCLA el año anterior, fue un himno a los amigos de Young que habían sucumbido a sobredosis de heroína, en particular a su anterior bajista Danny Whitten. Termina de repente, a la mitad de una secuencia de acordes, dándole a este álbum un toque amenazador.

Los críticos no le dieron a Harvest críticas particularmente buenas en el momento de su lanzamiento: algunos sintieron que estaba repitiendo la fórmula de After The Gold Rush con demasiada facilidad. Sin embargo, en los próximos años el álbum fue reconocido como un clásico de todos los tiempos, incluso por los miembros de Lynyrd Skynyrd, cuya canción Sweet Home Alabama fue escrita en respuesta a algunos sentimientos anti-sureños expresados por Young en la canción Alabama.

Eagles – Hotel California (1976, Asilo)

«Bienvenido al Hotel California.»En el quinto álbum de estudio de los Eagles, evocaron el hotel alegórico como un medio para transmitir su desilusión con el supuesto ‘sueño americano’, solo el comienzo de un comentario más amplio sobre la naturaleza autodestructiva de la industria de la música rock en ese momento, los Estados Unidos y el mundo en general.

Indiscutiblemente uno de los álbumes de rock más icónicos de todos los tiempos, Hotel California ganó a la banda un Premio Grammy (Récord del Año por la canción que da título al álbum) y ha vendido más de 30 millones de copias (el segundo álbum más vendido de todos, después del éxito de Sus Grandes éxitos (1971-1975).

Hotel California marcó el debut del guitarrista Joe Walsh en la banda, mientras que también el LP final con el bajista Randy Meisner. El álbum fue grabado en Criteria Studios, Florida y Record Plant Studios, California con el productor Bill Szymczyk, quien también había trabajado en el disco anterior de The Eagles, One Of These Nights. Las sesiones de grabación en los Estudios Criteria a menudo se interrumpían por el ruido de Black Sabbath trabajando en Éxtasis técnico en el estudio de al lado.

Led Zeppelin-III (1970, Atlantic)

En realidad, los Led Zeppelin fueron guiados por Jimmy Page y nadie más, lo que explica la dirección que tomó Led Zeppelin III. Mientras que el álbum debut de Zep y el siguiente, ambos lanzados en 1969, habían sido esencialmente discos de canciones de hard rock con algunas partes acústicas aquí y allá, III fue en su mayoría desenchufado. Un ambiente más tranquilo, dulce y relajado impregnó el disco como resultado, ayudado por el hecho de que Page y Robert Plant compusieron las canciones en una remota cabaña galesa llamada Bron-Yr-Aur. Sin agua corriente ni electricidad, los dos sacaron guitarras acústicas, comenzaron a escribir, y al hacerlo establecieron la gran tradición de rock de «juntarse en el país».

Siéntese en su bolsa de frijoles, póngase unos auriculares y sumérjase en el corte de apertura, la canción Inmigrante, la canción más pesada del álbum. El clásico riff de guitarra basado en octavas de Page suena, mientras que Plant ofrece el lamento por el que ya se había hecho famoso. Friends es una canción más profunda, a pesar de ser en gran parte acústica: donde sobresale es con su inusual orquestación de cuerdas con sonido indio.

Todos estamos de acuerdo en que Led Zeppelin III es un álbum espléndido hoy en día, pero los críticos simplemente no lo entendieron en ese momento. Ni lo suficientemente pesado para los headbangers ni lo suficientemente progresivo para los fanáticos de Jethro Tull, cayó entre dos taburetes, se pensó. Lo equivocados que estaban, y lo maravillosa que es la retrospectiva.

Fleetwood Mac-Rumours (1977, Warner Bros)

En su undécimo disco, Fleetwood Mac creó una obra maestra agridulce alimentada por quizás uno de los melodramas más infames del rock. Lanzado en 1977, the intensely personal Rumours se ha convertido en el séptimo álbum de estudio más vendido de todos los tiempos con más de 45 millones de copias vendidas en todo el mundo. También ganó el premio Grammy de cinco piezas al Álbum Del Año en 1978, el icónico disco no solo presenta el mejor trabajo de Fleetwood Mac, sino también algunas de las mejores composiciones de todos los tiempos.

El LP seminal contó con la quinta encarnación de la banda, el dúo de la guitarrista Lindsey Buckingham y el vocalista Stevie Nicks que se unieron a Mick Fleetwood, Christine McVie y John McVie dos años antes tras la salida de Bob Welch. Una transición desencadenada en el lanzamiento homónimo de 1975, Rumours completa la progresión de Fleetwood Mac de una banda de clichés de blues a una de sencillos pop brillantes y composiciones impecables.

Entre la plétora de relanzamientos oficiales y no oficiales en los últimos 40 años, los audiófilos se deleitarán con la versión de 2011 que se lanzó para el US Record Store Day, que se cortó a 45 rpm en vinilo de 180 g de peso pesado y se remasterizó de las cintas analógicas originales para lograr la máxima calidad de audio.

La Jimi Hendrix Experience – ¿tiene Experiencia (1967, Pista)

a Menudo considerado como uno de los más grandes álbumes de todos los tiempos, y cementación de Jimi Hendrix como el original de guitar hero, ha Experimentado sigue siendo un hito importante en la historia de la música rock con más de 50 años desde su lanzamiento.

La grabación para el álbum se realizó entre una apretada agenda de actuaciones en vivo, aunque el trío notoriamente estableció pistas enteras con un mínimo alboroto. Más notablemente, The Wind Cries Mary fue grabada en una sola toma, habiendo sido escrita la noche anterior por Hendrix. Se estima que el álbum no costó más de £1500 para producir.

El lanzamiento original del LP en el Reino Unido en mayo de 1967 contó con una mezcla mono, pero también se produjo una mezcla estéreo cuando el disco llegó a los Estados Unidos en agosto del mismo año. Hay varias diferencias entre las dos mezclas, incluyendo un redoble de tambores en May This Be Love y el sonido de Hendrix dando vuelta páginas de letras que no son audibles en la mezcla mono.

Guns N’ Roses – Appetite For Destruction (1987, Geffen)

Hasta el día de hoy, Appetite For Destruction es el álbum debut más vendido y uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. Guns N ‘ Roses trajo una ventaja a la música rock dentro y fuera del estudio que no se había visto desde los días de los Rolling Stones.

Appetite For Destruction presenta los sencillos Welcome To The Jungle, Sweet Child O’ Mine y Paradise City, que llegaron al top 10 en las listas de Estados Unidos. La apertura de Welcome To The Jungle te captura perfectamente al burlarte con una guitarra con eco de luz antes de construir y luego explotar en el riff principal de groove blues. En lugar de tener un Lado A y un Lado B, Appetite For Destruction tiene un Lado G y R, con el lado de Guns presentando las canciones de drugs and life in Hollywood y el lado de Roses compuesto por canciones de love and sex.

El lanzamiento original en vinilo tenía una portada diferente a la icónica cruz Celta con el cráneo de cada miembro de la banda. El primer lanzamiento del disco contó con ilustraciones de Robert Williams de una mujer siendo agredida sexualmente por un robot y un monstruo a punto de atacar al robot. Las tiendas se negaron a almacenar el álbum y el sello discográfico reemplazó el artwork con el que todos conocemos.

La versión con el arte prohibido no es difícil de encontrar si miras a través de sitios de subastas en línea, pero debes esperar pagar al menos el doble de lo que pagarías por el mismo álbum con el arte reeditado.

La ridícula reedición de Appetite For Destruction también está disponible ahora, y seguramente complacerá incluso a los audiófilos más entusiastas de GNR… a pesar de que es exorbitante!

Pink Floyd-The Dark Side Of The Moon (1973, Harvest)

Pink Floyd siempre había sido experimental en su enfoque de la música, pero el grupo realmente quería ir más allá con su nuevo proyecto y mejorar adecuadamente los sonidos psicodélicos que habían aparecido tan fuertemente en álbumes anteriores. Junto a esto, el grupo abordó la enfermedad mental, la codicia, el paso del tiempo y el conflicto, todos los cuales aparecen en gran medida en canciones como Money, Us And Them y Brain Damage (que originalmente se conocía como Lunatic durante las sesiones de grabación del álbum y las presentaciones en vivo).

Es posiblemente una de las piezas de trabajo más accesibles que la banda ha hecho, y se ha convertido en el punto de partida perfecto para cualquier persona nueva en el grupo. Ha influido en un gran número de bandas tan diversas como Radiohead, My Morning Jacket y The Flaming Lips, que reimaginaron el álbum en 2009.

Así que cuando se trata del Lado Oscuro de la Luna, la decisión principal es ¿qué versión deberías elegir? Un prensado original de cosecha de 1973 puede venderse por hasta £250, mientras que la versión estadounidense verá un cambio de £20. Un remaster publicado en 2009 por Mobile Fidelity Sound Lab es un precio similar a los EE.UU. original, mientras que la versión lanzada para celebrar el 30 aniversario del álbum en 2003, es un poco más caro, para la venta de hasta £100.

Alternativamente, puedes bajar tu emporio de discos local y recoger la reedición de 2016, que es muy recomendable.

The Who-Quadrophenia (Track/MCA, 1973)

Enteramente escrito por Pete Townshend, Quadrophenia sigue al adolescente Jimmy: un niño inadaptado que lucha por encontrar su lugar en el mundo, hasta que, es decir, descubre el movimiento mod y The Who. Harto de su vida en casa, de su trabajo sin salida y de sus relaciones con amigos y familiares, se muda de Londres a Brighton. Jimmy sufre de esquizofrenia y tiene cuatro personalidades, lo que explica el título del álbum. Cada una de las personalidades refleja a un miembro de la banda, y explora un tema que vuelve a aparecer en el álbum. Quadrophenia habló con adolescentes de la época que podían relacionarse con su angustia adolescente.

En el lanzamiento en vinilo, inside the gatefold es un resumen de la trama de Quadrophenia, así como un folleto de fotografías que muestran Brighton y Londres durante la escena de mod, cuando se estableció el álbum.

Queen-Una Noche En La Ópera (EMI/Elektra, 1975)

Una Noche En La Ópera consolidó a Queen como un nombre familiar y, perdón por el juego de palabras, la realeza de la música. El álbum cuenta con la variedad normal de géneros de Queen, así como la experimentación de sonidos y técnicas de grabación. Hay pistas que son rock sin cuartel, pero la banda no parece tomarse demasiado en serio su música. Tomemos por ejemplo el encuentro junto al mar, donde Freddie Mercury imita instrumentos de viento de madera usando solo su voz.

Sin embargo, tienen momentos serios ocasionales, como en la canción de apertura Death On Two Legs, que se dice que es una canción de odio dirigida al mánager original de Queen. Love Of My Life fue escrita por Mercury sobre su entonces novia Mary Austin, pero Brian May más tarde reorganizaría la canción y después de la muerte de Mercury, se la dedicaría cuando la tocara en vivo.

No puedes mencionar una noche En La Ópera sin mencionar Bohemian Rhapsody, el single comercial más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido y una de las canciones más conocidas de la banda. Fue también el más costoso de producir en el momento de su lanzamiento, grabado en varios estudios y tomar a lo largo de tres semanas. Era el doble de largo que la mayoría de los sencillos y solo recibió críticas mixtas en ese momento, si puedes creerlo.

Ahora es una de las canciones de rock más conocidas de todos los tiempos; ha encabezado las listas de éxitos en todo el mundo y sigue siendo una opción popular entre los cantantes de karaoke ebrios de todas partes.