Bienvenue dans Sculpting in Frames. Parlons du silence dans le film.
Un motif qui peut trop souvent passer inaperçu ou négligé lorsqu’on regarde des films où le réalisateur a fait un choix conscient pour qu’il y ait une absence d’interaction, de bruit ou de dialogue. Un film qui le fait de manière spectaculaire est « Lost In Translation » de Sofia Coppola.
Lost In Translation est un portrait profondément personnel de l’amour, des relations et de l’isolement dans le décor incroyable de Tokyo. Nous suivons Bob Harris, joué de manière experte par Bill Murray donnant l’un des meilleurs tournants dramatiques de sa carrière. En tant que star hollywoodienne âgée dans son crépuscule, Bob mène une vie profondément malheureuse et déconnectée de sa femme et de ses enfants. Sa vie change lorsqu’il rencontre une âme tout aussi perdue de Charlotte, jouée par une jeune Scarlett Johansson. Les deux forment un lien romantique inhabituel alors qu’ils apprennent à vivre pleinement leur vie — et finissent par abandonner les choses qui les rendent malheureux. C’est une histoire d’amour sans romance, c’est une comédie sans rires manifestes, c’est un drame à petits enjeux. Je n’appellerais rien de Perdu Dans la traduction, mais plutôt une exploration de ce que signifie l’amour dans le monde moderne.
Coppola utilise le silence dans ses films avec beaucoup d’effet, qu’il soit soutenu par la bande—son mélancolique, la vie urbaine animée de Tokyo, ou simplement être avec les personnages dans le cadre – avec eux dans l’instant. Le silence dans les films de Coppola nous offre un aperçu de ce que ressentent nos personnages et nous invite à réfléchir à ce que nous ressentirions dans leur situation.
Pour promouvoir le motif du silence, Lost In Translation est un film sur ce qui n’est pas dit. Un film où les personnages passent tout leur temps à communiquer via la technologie (avec téléphones, fax et notes) ou par procuration via des interprètes. Presque toute la conversation directe dans le film est entre Bob et Charlotte, car ce sont les deux seules personnes qui se comprennent. Lorsque des personnages mineurs, comme John, parlent à nos personnages principaux, ils se projettent et ne disent pas ce qu’ils ressentent ou veulent vraiment. Regardez la façon dont les amis de John parlent à Charlotte. Ils parlent beaucoup sans rien dire.
La mise en scène de Lost In Translation ajoute à la réflexion de notre personnage. Tokyo, une métropole de millions d’habitants, est reléguée à une vue à travers la fenêtre d’un hôtel. L’hôtel lui-même est un microcosme contenu de la vie artificielle. Il est rempli de bizarreries de la culture japonaise, de musique jazz sûre et de gens qui sont là pour découvrir le Japon sans rien vivre. L’hôtel étouffe Bob et Charlotte et il devient une prison luxueuse qui les empêche de profiter de leur vie. De plus, le fait que nos personnages soient littéralement entourés de personnes parlant une langue différente, incapables de communiquer correctement avec presque n’importe qui en dehors de l’hôtel, ajoute à leur silence imposé.
Considérez que, à mon avis, les parties les plus importantes de Lost In Translation sont des moments de silence, ou de réflexion. Des moments où nos personnages viennent à une réalisation, ou un moment de réflexion, ou simplement profiter de la présence de l’autre. C’est là que je pense que ce film brille. Créer deux personnes, qui sont très seules et trouvent une partie d’elles-mêmes l’une dans l’autre.
Dans la scène finale, alors que Bob dit au revoir à Charlotte, sachant que leurs circonstances signifient qu’ils ne pourraient jamais vraiment être ensemble. Les derniers mots qu’ils partagent sont laissés intentionnellement silencieux. Alors que Bob est conduit à l’aéroport, il part de la même manière qu’il est arrivé, en silence. Pourtant, il est changé par la ville, par Charlotte et par lui—même et alors que le paysage urbain de Tokyo l’enveloppe, l’écran devient noir et nous laisse – dans le silence.
