Bienvenido a Esculpir en Marcos. Hablemos del silencio en la película.
Un motivo que con demasiada frecuencia puede pasar desapercibido o descuidado al mirar películas en las que el director ha tomado una decisión consciente para que haya ausencia de interacción, ruido o diálogo. Una película que hace esto espectacularmente es ‘Lost In Translation’de Sofía Coppola.
Lost In Translation es un retrato profundamente personal del amor, las relaciones y el aislamiento ambientado en el increíble paisaje de Tokio. Seguimos a Bob Harris, interpretado por Bill Murray dando uno de los mejores giros dramáticos de su carrera. Como una vieja estrella de Hollywood en su ocaso, Bob lleva una vida profundamente infeliz llena de desconexión de su esposa e hijos. Su vida cambia cuando conoce a un alma igualmente perdida de Charlotte, interpretada por una joven Scarlett Johansson. Los dos forman un vínculo romántico inusual a medida que aprenden a vivir sus vidas plenamente y, en última instancia, dejan de lado las cosas que los hacen infelices. Es una historia de amor sin romance, es una comedia sin risas abiertas, es un drama de pequeñas apuestas. Yo llamaría Lost In Translation ninguna de estas, sino una exploración de lo que significa el amor en el mundo moderno.
Coppola utiliza el silencio en sus películas con gran efecto, ya sea respaldado por la banda sonora melancólica, la animada vida de la ciudad de Tokio o simplemente estar con los personajes en el marco, con ellos en el momento. El silencio en las películas de Coppola nos ofrece una idea de cómo se sienten nuestros personajes y nos invita a pensar en cómo nos sentiríamos en su situación.
Para promover el tema del silencio, Lost In Translation es una película sobre lo que no se dice. Una película en la que los personajes pasan todo el tiempo comunicándose a través de la tecnología (con teléfonos, fax y notas) o por proxy a través de intérpretes. Casi toda la conversación directa en la película es entre Bob y Charlotte, ya que son las únicas dos personas que se entienden. Cuando los personajes secundarios, como John, hablan con nuestros personajes principales, proyectan y no dicen lo que sienten o realmente quieren. Mira cómo hablan los amigos de John con Charlotte. Hablan mucho sin decir nada.
La configuración de Lost In Translation se suma a la reflexión de nuestro personaje. Tokio, una metrópolis de millones de personas, está relegada a una vista a través de la ventana de un hotel. El hotel en sí es un microcosmos contenido de vida artificial. Está lleno de rarezas de la cultura japonesa, música de jazz segura y gente que está allí para experimentar Japón sin experimentar nada. El hotel sofoca a Bob y Charlotte y se convierte en una lujosa prisión que les impide disfrutar de sus vidas. Además, el hecho de que nuestros personajes estén literalmente rodeados de personas que hablan un idioma diferente, incapaces de comunicarse adecuadamente con casi cualquier persona fuera del hotel, se suma a su silencio impuesto.
Considere que, en mi opinión, las partes más importantes de Lost In Translation son los momentos de silencio o reflexión. Momentos en los que nuestros personajes se dan cuenta, o un momento de reflexión, o simplemente disfrutan de la presencia del otro. Ahí es donde creo que brilla esta película. Creando dos personas, que están muy solas y encuentran parte de sí mismas en la otra.
En la escena final, mientras Bob se despide de Charlotte, sabiendo que sus circunstancias significan que nunca podrían estar juntos de verdad. Las últimas palabras que comparten se dejan en silencio intencionalmente. Cuando Bob es llevado al aeropuerto, se va de la misma manera que llegó, en silencio. Sin embargo, es cambiado por la ciudad, por Charlotte y por sí mismo, y a medida que el paisaje urbano de Tokio lo envuelve, la pantalla se vuelve negra y nos deja en silencio.
