Benvenuti a Sculpting in Frames. Parliamo di silenzio nel film.
Un motivo che troppo spesso può passare inosservato o trascurato quando si guardano film in cui il regista ha fatto una scelta consapevole per l’assenza di interazione, rumore o dialogo. Un film che lo fa in modo spettacolare è ‘Lost In Translation’di Sofia Coppola.
Lost In Translation è un ritratto profondamente personale di amore, relazioni e isolamento ambientato sullo sfondo dell’incredibile scenario di Tokyo. Seguiamo Bob Harris, interpretato sapientemente da Bill Murray dando una delle migliori svolte drammatiche della sua carriera. Come una star di Hollywood invecchiata nel suo crepuscolo, Bob conduce una vita profondamente infelice piena di disconnessione dalla moglie e dai figli. La sua vita cambia quando incontra un’anima altrettanto perduta di Charlotte, interpretata da una giovane Scarlett Johansson. I due formano un insolito legame romantico come imparano a vivere pienamente la loro vita — e, infine, lasciare andare le cose che li rendono infelici. È una storia d’amore senza romanticismo travolgente, è una commedia senza risate palesi, è un dramma di piccole puntate. Definirei Lost In Translation nessuno di questi, ma piuttosto un’esplorazione di ciò che l’amore significa nel mondo moderno.
Coppola usa il silenzio nei suoi film con grande effetto, sia che sia sostenuto dalla colonna sonora malinconica, dalla vivace vita cittadina di Tokyo, o semplicemente dal stare con i personaggi nell’inquadratura — con loro nel momento. Il silenzio nei film di Coppola ci offre uno spaccato di come si sentono i nostri personaggi e ci invita a pensare a come ci sentiremmo nella loro situazione.
Per promuovere il motivo del silenzio, Lost In Translation è un film su ciò che non è detto. Un film in cui i personaggi passano tutto il tempo a comunicare via tecnologia (con telefoni, fax e note) o per delega attraverso interpreti. Quasi tutta la conversazione diretta nel film è tra Bob e Charlotte, in quanto sono le uniche due persone che si capiscono. Quando personaggi minori, come John, parlano con i nostri personaggi principali, proiettano e non dicono ciò che sentono o vogliono veramente. Guarda come gli amici di John parlano con Charlotte. Parlano molto senza dire nulla.
L’impostazione di Lost In Translation aggiunge alla riflessione del nostro personaggio. Tokyo, una metropoli di milioni di persone, è relegata a una vista attraverso una finestra di un hotel. L’hotel stesso è un microcosmo contenuto di vita artificiale. È pieno di stranezze della cultura giapponese, musica jazz sicura e persone che sono lì per sperimentare il Giappone senza realmente sperimentare nulla. L’hotel soffoca Bob e Charlotte e diventa una lussuosa prigione che impedisce loro di godersi la vita. Inoltre, il fatto che i nostri personaggi siano letteralmente circondati da persone che parlano una lingua diversa, incapaci di comunicare correttamente con quasi chiunque fuori dall’hotel, aggiunge al loro silenzio imposto.
Considera che, a mio parere, le parti più importanti di Lost In Translation sono momenti di silenzio o riflessione. Momenti in cui i nostri personaggi arrivano a una realizzazione, o un momento di riflessione, o semplicemente godono della presenza dell’altro. Ecco dove penso che questo film brilla. Creare due persone, che sono molto sole e trovano parte di se stesse l’una nell’altra.
Nella scena finale, come Bob dice addio a Charlotte, sapendo che le loro circostanze significa che non potrebbero mai veramente stare insieme. Le ultime parole che condividono sono lasciate intenzionalmente in silenzio. Mentre Bob viene portato all’aeroporto, parte nello stesso modo in cui è arrivato, in silenzio. Eppure, è cambiato dalla città, da Charlotte e da se stesso e mentre il paesaggio urbano di Tokyo lo avvolge, lo schermo si affievolisce e ci lascia — in silenzio.
